ANNANDALE-ON-HUDSON, NY — Woraus besteht die Kunstgeschichte? Alles, was in einem bestimmten Zeitraum, Ort oder Stil passiert ist? Oder ist es nur das Beste, was passiert ist? Diese Fragen bilden einen ewigen Gegensatz zwischen Inklusivität und Qualität. In „With Pleasure: Pattern and Decoration in American Art, 1972-85“, einer reichhaltigen, wenn auch mangelhaften Umfrage im Hessel Museum of Art am Bard College, tauchen sie auf – und kollidieren manchmal offen miteinander.
Mitte der 1970er Jahre war die respektlose Emporkömmling-Bewegung Pattern and Decoration oder P&D einer der ersten Risse in der Hegemonie des Minimalismus-Konzeptualismus. Das andere war „New Image Painting“, eine abstrakte Figuration, die nach ihrer Ausstellung im Whitney 1978 benannt wurde. Aber New Image hat nie wirklich stimmig. Im Gegensatz dazu war P&D zumindest zeitweise ein Ansturm. Es bevorzugt Muster, die sich aus einer globalen Palette von Textilien, Keramik und Architektur, aber auch aus bisher vernachlässigtem Americana wie Quilten, Stickereien und Kuchendekorationen angeeignet haben. Als selbstidentifizierte Gruppe wurde sie bewusst von einem Kern sympathischer Künstler gebildet und benannt, der sich bald um zahlreiche gleichgesinnte Sensibilitäten erweitert.
Es bot hinreißende Alternativen zur Mainstream-Kunst sowohl in New York als auch in Los Angeles (es war bicoastal) und zur allgemeinen Männlichkeit der Moderne. Sie verachtete die Trennung zwischen westlicher und nicht-westlicher Kunst; hoch und niedrig und Kunst und Handwerk. Es hob die Arbeit von Frauen hervor und umfasste viele Künstlerinnen. Es war lässig und unprätentiös, vielleicht zu einfach, um es zu mögen, aber auch ein Beweis dafür, dass es Kunst nach der objektorientierten Haltung des Konzeptualismus gab.
P&D hatte auch eine Zeitlang einen eigenen Vorkämpfer, die Kunsthistorikerin Amy Goldin (1926-1978), die sich für die islamische Kunst als Quelle für zeitgenössische Künstler einsetzte. Während seiner Zeit an der California University in San Diego unterrichtete Goldin zwei der bekanntesten Künstler der Bewegung. Einer war Robert Kushner, der in New York als Performance-Künstler begann und Modenschauen von Freunden inszenierte, die aufwendige Patchwork-Capes (und nicht viel anderes) trugen, die er dann an die Wand hängte; die Ausstellung fasst seine Fortschritte in drei Werken zusammen. Kim MacConnel färbte inzwischen Bettlaken mit überbordenden Mustern und erreichte damit eine sehr unmalerische Flüchtigkeit. In Anlehnung an Matisse- und Hawaii-Hemden schmückten MacConnels Motive auch Sofas, Beistelltische und Lampen, wie seine Umgebung hier gerne bezeugt. Ein weiterer begeisterter Befürworter des Stils war John Perreault (1937-2015), Kritiker der Village Voice und dann der SoHo Weekly News, der 1977 „Pattern Painting“ organisierte, den ersten großen Überblick über P&D im PS 1 Contemporary Art Center.
Die Bewegung hatte auch einen eigenen Händler in Holly Solomon, die 1975 ihre kommerzielle Galerie am West Broadway eröffnete und viele ihrer Künstler ausstellte.
Wie sieht P&D 40 Jahre später aus? Für sich selbst weniger interessant als für die Erlaubnis, die es nachfolgenden Generationen von Künstlern gewährte, die ohne Bedenken weben, quilten, nähen und töpfern. So wie der Kritiker Robert Hughes die Farbfeldmalerei einst grausam als „riesige Aquarelle“ bezeichnete, könnte zu viel von P&D als „riesiges Geschenkpapier“ bezeichnet werden, Muster um des Musters willen und ohne Maßstab und Punch.
Kuratiert wurde die Ausstellung von Anna Katz in Zusammenarbeit mit Rebecca Lowery, stellvertretende Kuratorin des Museum of Contemporary Art in Los Angeles, wo sie 2019 debütierte. Sie haben sich für Inklusivität gegenüber Selektivität entschieden und nichts unversucht gelassen. Es ist nur leicht übertrieben zu sagen, dass die Ausstellung fast jeden Künstler repräsentiert, der irgendwo in einer P&D-Show war. Und es waren viele, laut der Liste im Katalog der Show. Wenn man es liest, hört man kleine Museen im ganzen Land erleichtert aufatmen: Hier war etwas zugänglich, optisch ansprechend und leicht zu transportieren, nach all der minimalistischen Strenge, Leere und Schwere.
Frühe enthusiastische Essays von Goldin und Perrault sind im hübschen Katalog der Show enthalten, einem wahren P&D-Handbuch mit einem hübschen Cover, das aus Jane Kaufmans „Embroidered, Beaded Crazy Quilt“ (1983-85) stammt, das hier als eines der wenigen Meisterwerke der Bewegung rüberkommt . Katz nähert sich ihrem Thema aus allen Blickwinkeln, seiner Beziehung zum Feminismus, Multikulturalismus und der Gegenkultur sowie seiner (inzwischen fragwürdigen) kulturellen Aneignung und sogar seiner zugrunde liegenden Verpflichtung zum Minimalismus (der Gebrauch von Wiederholung und Raster).
Zu den sechs anderen Essays gehört einer von Lowery, der sich auf einen wenig bekannten Ort des P&D-Vorgangs in Boulder, Colorado, konzentriert, der insbesondere die Keramikkünstlerin Betty Woodman, eine der tragenden Säulen der Bewegung, gefördert hat. Ihre glasierten Dekonstruktionen von Vasen-Wandleuchter-Kombinationen hier haben, wie MacConnels Bemühungen, einen tadellosen Sinn für Farbe und Maßstab.
Zu den weiteren Highlights im Hessel gehören Hommagen an Tapeten von Cynthia Carlson und Robert Zakanitch. Carlson hat ihre Installation „Tough Shift for MIT“ aus dem Jahr 1981 neu erschaffen, indem sie erneut eine Teigröhre in die Hand nimmt, um hier in regelmäßigen Abständen ungewöhnlich taktile kleine Blumen über die Wände einer Galerie zu drücken. Mit einem großen, geladenen Pinsel schuf Zakanitch opulente Vergrößerungen der zurückhaltenderen Tapeten, an die er sich aus dem Haus seiner Großeltern erinnerte. Kozloffs ehrgeizige Riffs über die islamische Kunst mit Seide und Leinwand bleiben zu nah an ihren Quellen; diese Muster wurden in ihren öffentlichen Arbeiten der späten 1970er und 1980er Jahre durch Mosaik verstärkt; ihre aktuellen P&D-Bilder nebenan sind vielleicht ihre besten.
Schapiro, der wie Kozloff einige der Grundprinzipien von P&D mitformuliert hat, sieht im Katalog gut aus, wird aber von „Heartland“ repräsentiert, einem schrecklichen Gemälde von 1985. Etwas früher und besser hätte gewählt werden sollen, wenn auch eine Explosion Detail von „Heartland“ macht ein fabelhaftes Vorsatzpapier im Katalog. Zu den besseren Werken gehören ein quiltähnliches Gemälde mit gestempelten Motiven von Susan Michod; „Primavera“ von Merion Estes, eine Fontäne aus rosa Pinselstrichen; und die üppigen Gemälde von Mary Grigoriadis mit riesigen und archaischen architektonischen Details. Die dorische Hauptstadt von „Rain Dance“ erinnert uns daran, dass griechische Tempel bei ihrer ersten Herstellung bunt bemalt waren.
Für Schwung sorgen relevante Werke von kurz angeglichenen Kunststars der 60er Jahre: Lucas Samaras, Frank Stella, Billy Al Bengston, Alan Shields und Lynda Benglis, die mit den Worten „Ich war nie wirklich Teil ihrer Bande“ zitiert wird.
Die Show ist am wenigsten vorhersehbar und lohnender, da sie sich in die Ferne wagt, für Künstler, deren Bemühungen mit der Gang verbunden waren, aber normalerweise nicht Teil davon waren, weil sie zum einen nicht weiß waren. Während Howardsa Pindells Arbeit fast von Anfang an in P&D-Shows präsent war, sind andere relativ neue Ergänzungen die Bemühungen von Al Loving, Sam Gilliam, William T. Williams, Emma Amos und vor allem Faith Ringgold. 1974 malte Ringgold leuchtende Geometrien, inspiriert von afrikanischen Kuba-Tüchern, auf schmale Leinwände und erweiterte sie dann mit Blick auf tibetisches Thangka oben und unten mit – anscheinend – Stücken von Ersatz-Touristendecken, die von ihrer Mutter genäht und appliziert wurden. Es müssen die selbstbewusstesten Rollbilder sein, die Sie jemals sehen werden.
Mit Konfigurationen wie dieser entsteht ein schlankeres, weniger verdünntes „With Pleasure“. Unsere Zeit ist eine Zeit der vitalen Wiederentdeckung von Künstlern aus der jüngsten und fernen Vergangenheit, aber nicht alle verdienen es, aus dem Mülleimer der Geschichte gerettet zu werden.
Muster und Dekoration wurden durch den Ansturm des Neo-Expressionismus und der Bilderkunst in den 1980er Jahren verdrängt. Doch das Vorbild, das es setzt, ist lebendiger denn je, insbesondere da so viele nicht-westliche Künstler auf ihre eigenen Handwerkstraditionen zurückgreifen. Ein Überblick über den Nachhall von P&D ist mittlerweile zu groß, um in einer einzigen Ausstellung zusammengefasst zu werden.
Mit Vergnügen: Muster und Dekoration in der amerikanischen Kunst 1972-1985
Bis 11. Dezember im Hessel Museum of Art am Center for Curatorial Studies, Bard College, Annandale-on-Hudson, NY (845) 758-7598, ccs.bard.edu.