„The Matrix“ erinnert uns daran, warum KI so gefährlich ist

Als SAG-AFTRA-Präsidentin Fran Drescher während der diesjährigen Screen Actors Guild Awards vor dem im Shrine Auditorium versammelten Publikum sprach, brachte sie es auf den Punkt, was viele für die größte Bedrohung der Branche halten: künstliche Intelligenz.

„KI wird uns in einer Matrix gefangen halten, in der keiner von uns weiß, was real ist“, warnte sie. „Wenn es einem Erfinder an Empathie und Spiritualität mangelt, ist das vielleicht nicht die Erfindung, die wir brauchen. Dystopie-Geschichten können auch zu einer sich selbst erfüllenden Prophezeiung werden.“

Dreschers Worte verdeutlichten die anhaltende Relevanz der Science-Fiction-Welt, die sich die Wachowski-Schwestern vor 25 Jahren ausgedacht hatten. Seit seiner Erstveröffentlichung am 31. März 1999 ist „The Matrix“ ist ein eindrucksvolles Beispiel für die zunehmenden Gefahren der KI und die Notwendigkeit, Menschlichkeit anzunehmen, um sie zu stoppen.

Der Kampf zwischen der Menschheit und der Titelmaschinerie des Films, die heimlich die bioelektrische Energie der Menschen nutzt, um sich über Wasser zu halten, wird als Kampf zwischen Neo (Keanu Reeves) und Agent Smith (Hugo Weaving) dargestellt. Reeves‘ Auserwählter gilt als die große Hoffnung für diejenigen, die untätig und getäuscht waren. Die Art, die sich denen entgegenstellen kann, die hoffen, Sie in die Falle zu locken.

Im Laufe des Films lernt Neo zu unterscheiden, was real ist und was nicht. Und es sind sein Einfühlungsvermögen und seine Liebe, die schließlich zu seinem Sieg über die vielen Bedrohungen der Matrix führen, darunter auch Agent Smith von Weaving.

Einer der erschreckendsten Aspekte des Films ist, wie banal es die Bedrohung durch KI erscheinen lässt. Wie sein Name schon sagt, ist Agent Smith nichts weiter als eine monotone Parodie auf FBI-G-Men.

Wenn man Neo mit einem deutlichen Zischlaut als „Mister Anderson“ anspricht ess Weaving ist ebenso roboterhaft wie arrogant und macht die unzufriedene Stimme seiner Figur gerade deshalb beunruhigend, weil sie so vertraut klingt. In „The Matrix“ kartografierte Weaving den Ort, den wir heute „das unheimliche Tal“ nennen.

Diese Y2K-Vision der KI basierte natürlich auf jahrzehntelangen Androiden, Cyborgs und Zylonen. Doch wo sich Hollywood oft für starre Darbietungen entschieden hat, die ihre roboterhafte Natur verraten, hat Agent Smith vorhergesehen, was an der heutigen KI so unheimlich ist: Als Neo zum ersten Mal sieht, wie Smith und seine Handlanger in seinem tristen, mit Kabinengittern versehenen Büro nach ihm suchen, sehen sie aus und scheinen nein zu sein anders als die vielen drohnenähnlichen Arbeiter um ihn herum.

Vergleichen Sie das beispielsweise mit dem Terminator, dem wohl berühmtesten KI-Bösewicht des späten 20. Jahrhunderts. In seinen Netflix-Dokumentationen aus dem Jahr 2023 erzählte Arnold Schwarzenegger, wie er sich seine inzwischen vielfach kopierte Rolle zum ersten Mal vorgestellt hatte: Der Terminator müsse „völlig anders als ein Mensch sein“. Die Art, wie er auf das Motorrad steigt. Die Art, wie er läuft. Die Art, wie er aufsteht“, sagte er. Alles musste „genau wie eine Maschine“ sein.

Ein Großteil der Action (und wohl auch des Humors) von „The Terminator“ resultierte aus der Einbildung, dass Schwarzeneggers KI-Charakter entschieden nicht menschlich sei. Der muskulöse Körper und das akzentuierte Englisch des Bodybuilders, der zum Schauspieler wurde, machten ihn zu etwas Besonderem, zu etwas Unähnlichem.

In weiten Teilen von „Matrix“ trägt Agent Smiths dunkle Brille (vielleicht eine Anspielung auf Arnolds unauslöschliches Bild) zu seinem Gefühl herrischer Autorität bei. Er ist eine Nachbildung eines Regierungsbürokraten. Hinter diesen Augen ist nichts; Es ist besser, sie zu verbergen und ihn unergründlich und unlesbar erscheinen zu lassen. Doch während der Film abläuft und Agent Smith Neo und seinem Meister Morpheus (Laurence Fishburne) gegenübersteht, zeigt Weaving erste Anzeichen dafür, dass diese KI doch nicht so gefühllos und nicht so ungestört ist.

In wichtigen Kampfszenen verliert Agent Smith diese Brille (sie ist zerbrochen oder weggeworfen). Und in seinen stählernen Augen sieht man eine Verzweiflung (sogar Verzweiflung), die im Widerspruch zu den eher mechanischen Eigenschaften steht, die ihn von den Menschen unterscheiden, die er zu kontrollieren und einzudämmen versucht.

Während Neos Körperlichkeit am Ende gekonnt die von Agent Smith widerspiegelt, gelangt „The Matrix“ zu einem Verständnis dafür, was am Aufstieg der KI am verwirrendsten ist: Nicht wie einfach es ist, ihn von Menschen zu unterscheiden, sondern wie schwierig.

Angesichts des beschleunigten Tempos, mit dem sich die Technologie um die Jahrtausendwende weiterentwickelte (die Handlung von „The Matrix“ basiert schließlich auf kabelgebundenen Telefonverbindungen), macht es Sinn, dass sich die Erzählungen und Darstellungen von künstlicher Intelligenz in den letzten 25 Jahren ähnlich verändert haben schnell.

KI ist nicht länger (nur) ein bösartiger Feind, den es zu besiegen (oder auszumerzen) gilt. Es ist zu einem immer ausgefeilteren Mittel zum Geschichtenerzählen geworden, mit dem wir die Natur unserer Menschlichkeit in Frage stellen können. Sowohl im Fernsehen als auch im Film wird immer eindringlicher gefragt, was mit uns passieren wird, wenn wir Mitgefühl entwickeln wollen mit KI, wenn wir nicht in der Lage sind, sie als bloßes Werkzeug (oder Antagonist) abzutun und stattdessen zu finden, dass sie genau die Emotionen widerspiegelt, von denen wir dachten, dass sie sie nicht verkörpern könnte.

Zwei Jahre nach „The Matrix“ Steven Spielbergs „KI: Künstliche Intelligenz“ machte den Widerstand gegen KI zu einem moralischen Gebot. forderte das Publikum stattdessen auf, sich in einen „Mecha“-Jungen mit einem Pinocchio-Komplex hineinzuversetzen. Spielbergs schwerfällige Fabel, die von einer bewegenden, bezeichnend zurückhaltenden Darbietung von Haley Joel Osment getragen wird, dreht sich um kindliches Staunen und menschengemachte Grausamkeit.

Osments David ist eine puppenartige Erscheinung, deren kreischendes Gelächter und allzu wörtliche Aussagen die Eltern verunsichern, die ihn als eine Art Ersatz für das Kind nach Hause bringen, von dem sie dachten, dass sie es für immer verloren hatten.

Das Bedrohlichste an David war, wie sehr er sich dem Wunsch hingab, authentisch zu sein und geliebt zu werden. Während des gesamten Films wirbt er mit Salven um unser Mitgefühl, obwohl Osments Leistung auf Schritt und Tritt verdeutlicht, wie künstlich sein Wesen, seine Gefühle und seine Reaktionen wirklich sind.

Spielbergs Projekt fühlt sich „Blade Runner“ verpflichtet, Ridley Scotts Adaption des Romans „Träumen Androiden von elektrischen Schafen“ von Philip K. Dick aus dem Jahr 1982: Das Publikum wird gebeten, Mitgefühl für Replikanten wie Rachael (Sean Young) zu entwickeln, die David nicht unähnlich sind Es fällt ihr schwer zu akzeptieren, dass ihre Erinnerungen und ihr Leben völlig künstlich sind. Diese flüchtigen Replikanten, die von Harrison Fords Deckard gejagt werden, sind Opfer ihrer eigenen Schöpfer, deren Tragödie in ihrer Unfähigkeit liegt, mehr zu sein (oder zu leben), als das, wofür sie geschaffen wurden – ein Punkt, der durch Deckards Erkenntnis am Ende des Films umso ergreifender wird dass er möglicherweise selbst ein Replikant ist.

In jüngerer Zeit greift Kogonadas „After Yang“ denselben Thread auf. Der Roboter-Teenager aus dem Titel wird zu einem Vehikel, mit dem der Film Erinnerung, Trauer und die tröstende Gesellschaft erforscht, die eine solche Figur der Familie bieten könnte, die ihn zuerst gekauft hat und nun fürchtet, ihn zu verlieren.

Darin liegt die Spannung zeitgenössischer KI-Erzählungen und KI-Leistungen. Ob in langjährigen TV-Serien wie „Battlestar Galactica“ und „Westworld“ oder in einfallsreichen Kino-Charakterstudien wie „Her“ und „Ex Machina“ wird künstliche Intelligenz nicht mehr so ​​leicht als existenzielle Bedrohung für die Menschheit verunglimpft – vielleicht weil wir in der realen Welt bereits gelernt haben, damit zu leben und uns auf sie zu verlassen, und zwar auf eine Weise, die weit über Sora oder hinausgeht ChatGPT.

Tatsächlich wurzeln solche Geschichten heute häufiger in der ebenso schrecklichen Vorstellung, dass KI uns vorgaukeln könnte, sie sei genauso empfindungsfähig und fürsorglich wie wir: Wenn man Hollywood das sagen hört, ist die KI kurz davor, uns zu täuschen und zu vergessen, was sie ist und was es repräsentiert.

Denken Sie an die modernen Neustarts von „Battlestar Galactica“ und „Westworld“, in dem die Rechte dagegen sind KI ist gerade deshalb so herausfordernd, weil die Technologie in der Lage ist, die menschliche Wahrnehmung zu verwirren.

Inmitten von Handlungssträngen über Charaktere, die plötzlich erfahren, dass sie in einer für sie programmierten Welt leben – nicht unähnlich Neo – und anderen über solche von Menschen geschaffenen Schöpfungen, die danach streben, menschlicher zu werden – nicht unähnlich David – betonten diese Bannerserien unbedingt, wie verletzlich sie sind , wie menschlich KI sein kann. Schauspieler wie Tricia Helfer und Grace Park im ersten und Evan Rachel Wood und Thandie Newton im zweiten Fall verliehen ihren jeweiligen KI-Charakteren Wärme, Einfühlungsvermögen und Humor. Die Technologie ihrer Dystopien war so fortschrittlich, dass selbst Zuschauer zu Hause keinen Unterschied zwischen Mensch und KI machen konnten.

Die Umsetzung dieser Prämisse in schockierende Enthüllungen und einen Staffelbogen war nur möglich, weil die Serie darauf bestand, dass die Darsteller selbst eine poröse Unterscheidung zwischen KI-Charakteren und ihren menschlichen Charakteren beachten. Im äußersten Extrem erzählt Spike Jonzes „Her“ die Geschichte umgekehrt: Durch den Film handelt angeblich davon, wie Theodore Twombly (Joaquin Phoenix) sich in sein empfindungsfähiges Betriebssystem Samantha (gesprochen von Scarlett Johansson) verliebt. Es ist die KI, die ihr Leben ohne Ängste und Befürchtungen beginnt, nur um am Ende von einer treibenden Neurose geplagt zu werden sie weg von ihrem Liebhaber und der Menschheit insgesamt.

Samanthas Stimme dröhnt nicht wie HAL 9000 in „2001: Odyssee im Weltraum“ (gesprochen von Douglas Rain und technisch verändert). Sie ist auch nicht mit „WALL-E“ Auto vergleichbar (gesprochen vom Text-to-Speech-Programm für Apple Macintosh-Computer). Sie ist sinnlicher als Siri und klingt eher wie ein Mädchen, das man mitten in der Nacht anrufen würde – eine kreative Entscheidung, die entscheidend dazu beitrug, „ihr“ unwahrscheinliche Romanze zu verkaufen.

Ebenso der Spielfilm von Alex Garland aus dem Jahr 2015 In „Ex Machina“ lässt das einsame Genie Nathan Bateman (Oscar Isaac) Ava (Alicia Vikander), eine KI, von der er glaubt, dass sie den Turing-Test bestehen wird, auf einen ahnungslosen Angestellten, Caleb Smith (Domhnall Gleeson), los.

Die anfänglich knappen und schließlich romantischer und erotisch aufgeladenen Interaktionen zwischen dem geschmeidigen Robotermädchen und dem Programmierer mit großen Augen führen bald dazu, dass sich das Publikum und Caleb (und Nathan) fragen, ob Ava dieses „Nachahmungsspiel“ tatsächlich besteht. Oder ob sie, was eine noch vernichtendere Anklage gegen alle Beteiligten darstellt, sie beide mit ihrer listigen, verführerischen Art getäuscht hat.

Dass sie das getan hat, ist für den Nervenkitzel von „Ex Machina“ von zentraler Bedeutung. in dem Vikander geschickt die vielen Ebenen der Täuschung und Leistung bewältigt, die die Rolle der Ava erfordert. Zuerst ist sie schüchtern, wenn auch distanziert; Schließlich sind ihre Interaktionen mit Caleb völlig entwaffnend. Es ist keine Überraschung, dass er so von ihr angetan ist. Sie ist ziemlich lebensecht. Ein Mädchen, wenn auch nur in seiner Fantasie. Wenn auch nur nach ihrem eigenen Entwurf.

Diese Darstellungen verdeutlichen die existenzielle Bedrohung durch KI genau dort, wo sie hingehört: in dem Moment, in dem man aufhört, sie als Werkzeug, Objekt, Erfindung oder Science-Fiction-Bösewicht zu betrachten, und sie als einen vielseitigen Charakter betrachtet, der es wert ist ein Name, eine Geschichte, ein Bogen.

Wenn „The Matrix“-Agent Smith am Anfang dieser Transformation steht, dann ist „Mrs. Davis“ von Tara Hernandez und Damon Lindelof ist der Höhepunkt – zumindest vorerst. Was Betty Gilpins Schwester Simone für einen Großteil der limitierten Peacock-Serie so verrückt macht, ist die Art und Weise, wie sich Benutzer auf der ganzen Welt mit einem allmächtigen Algorithmus vertraut gemacht haben, der ihm – ihr – ein Name, der einer Kindergärtnerin würdig ist.

Aber diese KI hat keine singuläre Form. Stattdessen muss Simone jedes Mal, wenn sie mit dem Algorithmus interagiert, den sie ausschalten möchte, mit und über einen menschlichen Stellvertreter sprechen: „Mrs. Davis“ ist ständig gemacht Menschen werden von denen, die ihr ergeben sind, menschlich, ein Fall, in dem die KI uns nicht in eine Falle lockt, wie Drescher uns bedrohlich warnt, sondern in dem wir uns selbst in eine Falle locken.

Vielleicht wirkt „The Matrix“ deshalb jetzt vorausschauender als je zuvor. In ihrem ikonischen Science-Fiction-Streifen hatten die Wachowskis das, was sich an unserem Verhältnis zur Technologie um die Jahrtausendwende so lächerlich anfühlte, auf den Punkt gebracht, lange bevor C-Level-Manager, Tech-Unternehmer und Möchtegern-„Kreative“ künstlerisches Talent auf reduzierten eine digitale Prothese.

Seitdem haben dystopische Geschichten regelmäßig unser Einfühlungsvermögen gegenüber KI genutzt und sie als fast menschlich dargestellt. Es gibt keinen besseren Weg, uns von dieser Vorstellung zu befreien, als in die Matrix zurückzukehren und sich daran zu erinnern, dass KI weitaus gefährlicher ist. im Augenblickals Unternehmenswaffe, die gegen Arbeiter eingesetzt werden soll – ein Bösewicht, der am besten durch einen humorlosen Mann mittleren Alters in einem Geschäftsanzug symbolisiert wird.