Ich gebe zu: Ich habe den Karl Lagerfeld Kool-Aid nie ganz ausgetrunken. Ich war keiner dieser Kritiker (und es gab einige), die sich an die Brust fassen und „Genie!“ kreischen würden. und ohnmächtig nach jeder Show.
Ich hatte oft das Gefühl, dass für jedes außergewöhnliche Stück, das der Designer für Chanel oder Fendi kreierte – als ich in der Modebranche anfing, seine Karriere bei Chloé am Ende war – ein weiteres Klunker von einem Kleid oder Anzug kommen würde: unvorteilhaft, altmodisch, freundlich von umständlich. Ich fand den Bühnenbau, den er in den letzten Jahren für seine Chanel-Shows gemacht hat (die Supermärkte, Raketenschiffe und Eisberge im Grand Palais), nicht nur eine kluge Social-Media-Aktion (was es war), sondern zu oft eine ungeheuerliche Zurschaustellung von a unerschöpfliches Budget und Fingerfertigkeit, um von dem abzulenken, was auf dem Laufsteg war. Sicher, dieser Tweed-Sweatsuit ließ dieses Modell wie eine echte Hausfrau aussehen – aber alle schauten stattdessen auf die Doppel-C-Markenpasta im unechten Megamart-Regal!
Einmal wurde ich von der Chanel-Pressestelle angesprochen, weil ich Lagerfelds Vision nicht vollständig „verstand“. Aber wie ich im Nachruf des Designers schrieb (er starb 2019), während er das Geschäft der Branche – ihr Marketing, ihr Branding, ihre Struktur – dank seiner Fähigkeit, es mit einem Traditionshaus wie Chanel aufzunehmen und es neu zu erfinden, zweifellos verändert hat Mit dem Schutt seiner eigenen Codes hätte ich nicht gedacht, dass er sich wirklich verändert hat Kleiderschränke. Er hat der Welt keine neue Silhouette oder einen Ausdruck der Identität gegeben, wie es Coco Chanel selbst mit dem Bouclé-Anzug oder Christian Dior mit dem New Look oder Saint Laurent mit Le Smoking, dem Smoking-Anzug, getan hat Frauen.
All das bedeutet, dass ich, als ich hörte, dass das Metropolitan Museum of Art sein Costume Institute 2023 Lagerfeld widmen würde, eine gemischte Reaktion hatte. Einerseits machte es Sinn: In einer 65-jährigen Karriere, die 26 Jahre bei Chanel, 54 bei Fendi, 25 bei Chloé (in zwei getrennten Stationen) und 35 bei seiner eigenen Marke (er jonglierte jahrelang mit mehreren Jobs bei der zur gleichen Zeit) und Stationen bei Patou und Balmain (puh), ragte der Mann wie ein Koloss über der modernen Modelandschaft auf. Auf der anderen Seite warf die Show viele Fragen auf.
Die Messlatte für Einzelausstellungen liegt sehr hoch – normalerweise definiert durch Namen, die das Vokabular der Kleidung verändert haben. In den letzten 50 Jahren gab es nur 10 von ihnen an der Met, darunter Balenciaga, Saint Laurent, Alexander McQueen und zuletzt Rei Kawakubo von Comme des Garçons. Im Allgemeinen hat sich das Costume Institute auf thematische Ausstellungen konzentriert, wie die letztjährige Show über amerikanische Mode oder das „Camp“ von 2019. Und sogar jenseits der Fragen zu Lagerfelds tatsächlichen Produkten gab es die Probleme seiner öffentlichen Äußerungen, von denen einige fettfeindlich, islamfeindlich, rassistisch und sexistisch waren und alle von Angela Merkel, der ehemaligen Bundeskanzlerin Deutschlands, bis zur Sängerin Adele verspotteten.
Sollte man ihn wirklich auf einen musealen Sockel stellen, seine Kunst (falls es denn eine war) von sich selbst trennen?
Eine Art Antwort findet sich jetzt in „Karl Lagerfeld: A Line of Beauty“, das am 5. Mai in den Tisch Galleries des Museums eröffnet wird. Es ist ein knapp redigiertes, äußerst unterhaltsames und letztendlich überzeugendes Argument des verantwortlichen Kurators des Costume Institute, Andrew Bolton, dass, wenn man die Kontroversen und die Mythologie beiseite lässt, das, was übrig bleibt, ein reiner Ausdruck einer großen technischen Vorstellungskraft ist, kombiniert mit eine alles fressende kulturelle Kuriosität. Der Vorteil von 65 Jahren Arbeit, in denen über 10.000 Kleidungsstücke produziert wurden (zumindest ist das die Zahl, die Bolton für die Show durchgesehen hat), besteht darin, dass Bolton sich bei der Destillation auf etwas mehr als 200 Kleidungsstücke frei auf die eindrucksvollsten Stücke konzentrieren kann . Und sie sind in der Tat fast alle blendend.
Aber die Ausstellung versäumt es auch ganz bewusst, die Komplikationen des Mannes anzusprechen. Das gibt Bolton in der Einleitung zum Ausstellungskatalog zu: „Wir wollten nicht ‚Lagerfeld the man’ hervorheben“, schreibt er, sondern „Lagerfeld the designer“; das Bindegewebe in einer 65-jährigen Karriere zu finden, die oft extrem verschwenderisch erscheinen könnte: hin und her flitzen; ungern verpflichten. In einem Interview in dieser Woche erläuterte der Kurator seine Haltung und sagte, er wolle die Beurteilung des Charakters Historikern und Biographen überlassen. Und doch ist der Mann Lagerfeld auch der Geist in der Maschinerie der Show: unmöglich zu ignorieren.
Tatsächlich impliziert das Konzept, um das die Ausstellung selbst aufgebaut ist – eine Erzählung von Dualitäten – das Paradoxon im Herzen der Lagerfeld-Geschichte: Er war ein Mann, der schöne Dinge liebte und machte, während er manchmal unbekümmert dem Hässlichen eine Stimme gab.
Wenn es sich nicht offiziell um eine Retrospektive handelt – Lagerfeld hasste sie bekanntermaßen und sagte, niemand wolle sich „einen Haufen alter Kleider ansehen“ –, ist die Show eher ein Essay über Kleidung, basierend auf einem Organisationsprinzip, das von dem Künstler und Schriftsteller des 18. Jahrhunderts abgeleitet wurde William Hogarths Buch „The Analysis of Beauty“ aus dem Jahr 1753 mit der vom Autor geliebten Serpentinenkurve oder „Linie der Schönheit“, die Lebendigkeit und Vielfalt bedeutete, wurde der geraden Linie gegenübergestellt, die auch Lagerfeld als die duellierenden Kräfte seiner Ästhetik schätzte. („The Line of Beauty“ ist übrigens auch ein 2004 mit dem Booker Prize ausgezeichneter Roman des britischen Schriftstellers Alan Hollinghurst über das schwule Leben, die Klasse und die Politik im Thatcher-Großbritannien, aber obwohl Bolton zugab, dass er das Buch liebte, sagte er es hatte nichts mit der Ausstellung zu tun.)
Von dort aus vermehren sich die Linien und Dualitäten in neun verschiedenen Gruppierungen: die männlichen/weiblichen Linien weichen den romantischen/militärischen Einflüssen, die dem Rokoko/Klassik weichen, was wiederum zum Historischen/Futuristischen führt und so weiter und so weiter. Es gibt so viele Linien, denen man nur schwer folgen kann; Bolton neigt dazu, seine Thesen zu übertreiben, vielleicht um den Platz der Mode im Museum zu rechtfertigen. Am Ende können Sie sie alle ignorieren und die Show nur als Augenschmaus genießen.
Die Linieneinbildung erweist sich als äußerst nützlich, um dem Designer der Show, dem Architekten Tadao Ando (der einst damit beauftragt wurde, ein Haus für Lagerfeld zu bauen, das nie gebaut wurde), eine Vorlage zu liefern. Der Raum besteht aus mehreren Galerien, die sich wellen und um sich selbst herum krümmen, mit kleinen Öffnungen, durch die andere Galerien erblickt werden können – um einen Blick in die Zukunft oder zurück in die Vergangenheit zu ermöglichen. Die Wirkung ist auf gute Weise leicht desorientierend, sodass man sich leicht in den Feldern von Lagerfeldiana verlieren kann.
Und welche Felder sie sind. Zwei kleine Tweed-Lunch-Anzüge von Chanel scheinen an den Säumen zu Nebel zu verdampfen. Ein eiförmiger Fendi-Mantel besteht aus Tausenden winziger bunter Nerzmosaikfliesen, wie ein pointillistisches Gemälde; eine andere, die von überlappenden Sonnenbrillen aus Schichten von zerknittertem Tüll gestrafft wird, die nur wie Fell aussehen. Lagerfeld sah Möglichkeiten in Material, das sonst undenkbar schien; er prägte Pailletten aus Beton und Holz.
Es gibt Chloé-Kleider mit Sonia-Delaunay-ähnlichen Drucken und griechischen Trompe-l’oeil-Vorhängen. Ein Chanel-Gehrock ist nicht vorne, sondern hinten weggeschnitten, um schäumende schillernde Stufen freizulegen. Es sind fast keine Logos in Sicht (ein lustiges Spiel ist: Raten Sie, welcher Look zu welcher Marke passt; alle vier seiner Hauptarbeitgeber waren Show-Sponsoren), ebenso wie es wenig von dem kitschigen Spiel mit der Markenikonografie gibt, das dazu beigetragen hat, Chanel zu einer Rolle zu machen der Popkultur – die Doppel-C-Boxhandschuhe und Bikinis – und das wurde von anderen Marken weitgehend nachgeahmt. Aber es gibt Kumuluswolken aus Federn und blühende Rosetten aus Spitze und glänzende Paillettenrüstungen, die sich durch Jahrhunderte und Salons tummeln.
Durch all das taucht immer wieder eine Form auf: Die Jacke drückte nur ein wenig an der Wirbelsäule, sodass die Schulterblätter nach oben und hinten rollen und das Armloch genau so anheben, wobei die Linie über der Taille nach unten geschwungen ist. Bolton nennt dies die „Schlemmer-Form“, nach einem Gemälde von Oskar Schlemmer, „Bauhaus Stairway“ von 1932 (die Zwischenkriegszeit in Deutschland war einer der Gravitationspole Lagerfelds).
Das Gleiche gilt für die Skizzen, die Lagerfelds wichtigstes Kommunikationsmittel waren und mit Kleidungsstücken als Entstehungsgeschichte ausgestellt werden. Diese im Runden konzipierten Zeichnungen (er dachte nicht nur von vorne, sondern von hinten) überreichte der Designer den Leitern seiner Ateliers, damit sie wie ihre eigene Privatsprache „gelesen“ würden. Wie das funktionierte, wird durch eine Reihe fesselnder Videos belebt, die vom Dokumentarfilmer Loïc Prigent erstellt wurden und Interviews mit diesen Atelierpremieren – den Leuten, die die Skizzen des Designers übersetzt haben – über ihre Arbeit mit Lagerfeld sind. Sie strahlen Menschlichkeit, Zuneigung und Stolz aus.
Die Videos werden übrigens im ersten Saal der Ausstellung gezeigt. Sie erreichen sie nach einem Eingangsvorzimmer mit einem anderen Video, dieses eine Nahaufnahme von Lagerfelds Händen, die ein Kleid skizzieren, entlang einer Wand; Am Ende des Raums befindet sich wie ein Satzzeichen eine Rekonstruktion von Lagerfelds Chanel-Schreibtisch, hoch gestapelt mit Büchern und Papieren (jedes Element wurde von Bolton ausgewählt, um die Breite von Lagerfelds verschiedenen Obsessionen darzustellen, von Aubrey Beardsley bis Diet Coke). Neben dem Schreibtisch steht ein Paar schwarze Schuhe des Designers leer auf dem Boden. Dieses Eröffnungsvideo und der Schreibtisch spiegeln das Ende der Ausstellung wider: ein weiteres Video von Lagerfelds Händen beim Skizzieren – diesmal nicht von Kleidern, sondern von ihm selbst. Eine Eckchen zu diesem Bild ist eine Reihe von Vitrinen, die die charakteristischen Accessoires des Designers zeigen: die fingerlosen schwarzen Lederhandschuhe, die schwarze Sonnenbrille und der Fächer, die die Artefakte der Figur waren, die er für sich selbst konstruiert hat. Oder „Karikatur“, wie er es nannte.
Kurz davor befindet sich jedoch eine kleine Ellipse eines Raums, der mit 80 iPhones plus einem in der Mitte ausgekleidet ist, die alle mit demselben Video von Lagerfeld beim Lachen sowie einigen seiner berühmtesten Zitate geladen sind: „Ich habe einen Instinkt, das ist stärker als alle anderen: der Überlebensinstinkt“; „Ich sage immer, was ich denke, und manchmal sogar, was ich nicht tue.“ Natürlich keine der schlechten, obwohl letztere Aussage besonders aufschlussreich zu sein scheint.
Es ist eine verpasste Gelegenheit. Denn indem Sie sich dafür entscheiden, die Kleidung zwischen Darstellungen des Mannes einzuklemmen, suggeriert die Show tatsächlich, dass Sie diesen Mann in all seiner chaotischen, unbequemen Realität nicht von der Alchemie seiner Kunst trennen können – und das sollten Sie auch nicht. Dieses Durcheinander und Unbehagen ist Teil der Mischung; es ist Teil des Vermächtnisses, wie es für viele unserer prägendsten Persönlichkeiten der Fall ist. Wenn die Met dieses öffentliche Gespräch nicht fördern kann, welche Institution kann das?
Lagerfeld sagte einmal in einem Zitat, das über dem Eingang der Show angebracht ist: „Mode gehört nicht in ein Museum.“ Diese Ausstellung zeigt glorreich, dass die von ihm hergestellten Kleidungsstücke wirklich gut sind. Aber auch die Komplikationen und die Spannung.
Karl Lagerfeld: Eine Linie der Schönheit
5. Mai bis 16. Juli, Metropolitan Museum of Art, 1000 Fifth Avenue, Manhattan; 212-535-7710; metmuseum.org.