Das menschliche Tier hat eine instinktive Ehrfurcht vor Geräuschen von oben. In der hebräischen Bibel macht sich Gott als Stimme am Firmament, als Wirbelsturm, als Donner bemerkbar. In der modernen Zeit grollen technologische Bedrohungen über uns hinweg – Hubschrauber, Drohnen, Flugzeuge, die bedrohlich niedrig fliegen. Geräusche von oben sind züchtigend; es zerstört die Illusion, dass wir Herren unserer Umwelt sind. In musikalischer Hinsicht kann sich Ehrfurcht jedoch in Staunen verwandeln. Ein Teil von mir taumelt immer noch von einer Aufführung von Mahlers Achter Symphonie, die der große Chordirigent Robert Shaw 1995 in der Carnegie Hall leitete. Mehr als fünfhundert Sänger wurden auf der Bühne und in den Logen des ersten und zweiten Ranges eingesetzt. Auf meinem Orchesterplatz fühlte ich mich weniger vom Klang umgeben als vielmehr überflutet. Gegen Ende des Werks intoniert der Chor in einer Passage, die mit „wie ein Hauch“ gekennzeichnet ist, Goethes Worte „Alles Vergängliche ist nur ein Gleichnis“ („Alles Vergängliche ist nur eine Allegorie“). Jede Stimme sang so leise wie möglich, doch das Gewicht des Kollektivs war überwältigend.
Bei einem kürzlichen Galakonzert des Los Angeles Master Chorale in der Disney Hall empfand ich die gleiche glückliche Niedergeschlagenheit. Dieses immer wieder hervorragende Ensemble, das unter der Leitung von Grant Gershon sein 20-jähriges Bestehen feiert, begann den Abend mit seinen Sängern, die die obersten Balkone des Saals besetzten. Zu den Eröffnungsstücken gehörte „Vide homo“ aus Orlande de Lassus Madrigalzyklus „Lagrime di San Pietro“ („Tränen des heiligen Petrus“) von 1594, den der Meisterchoral in einer theatralisierten Version von Peter Sellars aufführte. Der Text erzählt vom Leiden Christi zugunsten der Menschheit. Die Musik als Ausstrahlung von oben zu hören, verstärkte ihre Bedeutung auf unheimliche Weise: Die Stimme am Firmament war gebrochen, klagend.
Keine Aufnahme hätte den Effekt einfangen können. Solche Schaudermomente hängen von der physischen Präsenz der Performer ab, von der Live-Akustik eines Raums, von der Stimmung des Publikums. Sie hängen auch von der Musiktechnik ab. Wenn die A-Dur-Dreiklänge am Anfang des Lassus makellos gestimmt sind, wie sie es bei Disney waren, gewinnen sie ihre eigene Schärfentiefe, als würde eine unsichtbare Architektur in Sicht kommen.
Der Master Chorale, der eine eigene Konzertreihe bei Disney präsentiert und auch regelmäßig mit dem LA Philharmonic auftritt, wurde 1964 von Roger Wagner gegründet, einem legendär extravaganten Chorleiter, dessen Ruf mit dem von Shaw konkurrierte. Wagner setzte einen hohen Standard und stützte sich auf einen riesigen Talentpool, zu dem auch Hollywood-Studiomusiker gehörten. (Wagner war Mitglied des MGM-Chorus und sang in Musicals hinter Größen wie Jeanette MacDonald.) Wagner sprach von einer „Klangpyramide“, bei der die tiefen Stimmen immer im Vordergrund standen. Paul Salamunovich, Wagners Protegé und späterer Nachfolger, führte diese Philosophie fort, und sie bleibt in Kraft. Der Master Chorale vermeidet gewöhnlich die Art von enthusiastischer Verschwommenheit, die man oft in symphonischen Chören antrifft: Das Ensemble ist aufregend klar.
Auch wenn Gershon den fertigen Klang des Meisterchorals beibehalten hat, hat er die Gruppe in neue Richtungen geführt. Er bemüht sich, das Auftreten einer, wie er es nennt, „Phalanx von Sängern“ zu vermeiden und stattdessen individuelle Künstlerpersönlichkeiten zu kultivieren. Der 61-jährige gebürtige Südkalifornier ist in gewisser Weise ein Außenseiter in der Chorwelt, nachdem er in seiner Jugend Klavier studiert und dann als Assistenzdirigent an der LA Opera und dem LA Phil gearbeitet hat. Er engagiert sich stark für zeitgenössische Musik und hat besonders enge Beziehungen zu John Adams und Meredith Monk aufgebaut. Während Gershons Amtszeit hat der Master Chorale 45 Uraufführungen geboten. Bei der jüngsten Gala in Disney lebten nur zwei von zwölf Komponisten – Lassus und Bach – nicht mehr. Einige der anderen haben ihren Sitz in Los Angeles und repräsentieren die erstaunlich vielfältigen Gemeinschaften der Stadt. Die Besetzung umfasste Michael Abels, der mit dem Filmemacher Jordan Peele zusammengearbeitet hat; die auf den Philippinen geborenen Komponisten Saunder Choi und Nilo Alcala; und Reena Esmail, eine Artist-in-Residence.
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Im März ging ich zur First United Methodist Church in Glendale, um den Chor bei den Proben zu sehen. Die Gruppe bereitete Arvo Pärts „Te Deum“ vor – einen zeitgenössischen Klassiker der Kirchenmusik, an der Oberfläche kontemplativ, aber spannungsgeladen. Es traten einige technische Probleme auf. Alle paar Minuten sagte Gershon so etwas wie „Wunderschön, Jungs“ oder „Einfach hinreißend“. Sein Anliegen war es, einen narrativen Faden in Pärts äußerlich statischer Konzeption zu finden. Die Te Deum-Hymne, betonte er, „beginnt auf der kosmischsten, universellsten Ebene und spricht über die gesamte Schöpfung“ und „geht schließlich auf die persönlichste Ebene —“Salvum fac populumtuum.’ „Herr, rette dein Volk. Bewahre uns diesen Tag ohne Sünde.’ “ Er fuhr fort: „Das ist für mich der Kern des Stückes. Diese Idee, darum zu bitten, dass wir eines Tages gehen, ohne Schaden anzurichten.“
Gershon identifizierte eine Stelle, kurz bevor Solo-Sopranistinnen singen „Salvum fac populumtuum“, wo sich diese Hinwendung zur Intimität manifestieren konnte. In einer Passage, die mit „Ewiger Ruhm“ endet, wechselt die Harmonik schließlich von d-Moll nach D-Dur, wie es oft im Werk der Fall ist. Gershon sagte: „Wenn wir uns diesem D-Dur nähern, lockern Sie den Klang einfach ein wenig auf, sodass D-Dur die natürlichste Folge der Strahlkraft des Klangs ist.“ Bei einem Konzert in Disney, eine Woche später, verstärkten die Sänger diese Verschiebung mit einer subtilen, aber spürbaren Steigerung der tonalen Wärme – ein weiterer Fall von Präzision, die Wunder hervorbringt.
Mit Hilfe von Spendern konnte der Meisterchor seine Sängerinnen und Sänger während des Jahres unterstützen Covid-19 Shutdown, aber die Pandemie war wirtschaftlich und anderweitig eine schwierige Zeit. Gershon sagte mir: „Uns ging es immer darum, dass Singen Wohlbefinden erzeugt. Plötzlich waren wir in einer Situation, in der Singen mit das Gefährlichste ist, was man tun kann. Chöre waren Beweisstück A als Superspreader. Das hat einen psychologischen Tribut gefordert.“
Das Ensemble startete im vergangenen November bei Disney in eine neue Saison mit einem Programm, das Rachmaninows „Die Nachtwache“ gewidmet war, die in der langen Nacht des Ersten Weltkriegs geschrieben wurde. Gershon formte diese strenge Partitur so, dass sie eine allmähliche Aufhellung und Aufhellung vermittelte, auch wenn die Bässe immer wieder auf abgrundtiefe Töne stießen. Im vorletzten Satz „Thou didst rise from the tomb“ legten die Tenöre besonderen Wert auf einen kulminierenden Anstieg von C nach G: Dies hatte den Effekt, als würde die Sonne durch einen leuchtenden Nebel brechen.
Nicht weniger bewegend war im Februar eine Aufführung von Frank Martins Mass for Double Choir. Dies stand unter der Leitung von Jenny Wong, der stellvertretenden Leiterin des Master Chorale, die eine Dissertation über Martins Chormusik schrieb. Die Messe wurde in den zwanziger Jahren komponiert, aber jahrzehntelang dem Umlauf vorenthalten; Martin erklärte, dass er das Stück als „eine Angelegenheit zwischen Gott und mir“ betrachtet habe. Wong hat heimliche Anspielungen auf Bachs h-Moll-Messe identifiziert, insbesondere im Agnus Dei. Ihre wissenschaftlichen Erkenntnisse trugen zweifellos zu einer Wiedergabe bei, die makellos im Klang und zielgerichtet in der Bewegung war.
Die zweite Hälfte dieses Konzerts war der Musik von Esmail gewidmet, der den zukunftsweisenden Geist des Chors veranschaulicht. Als Kind indischer Einwanderer greift Esmail oft auf hinduistische Musiktraditionen zurück. Höhepunkt war „When the Violin“ für Chor und Solo-Cello, eine sanft hinreißende Vertonung eines Textes von Hafiz, übersetzt von Daniel Ladinsky: „When / The Violin / Kann die Vergangenheit vergeben / Sie beginnt zu singen. . . .“ Der Master Chorale und die Cellistin Cécilia Tsan verhandelten flink die Hindustani-Gesten der Partitur, die nahtlos in eine vierstimmige Textur verwoben wurden, die der Renaissance-Polyphonie nachempfunden war. Einmal mehr materialisierte sich ein imaginärer Raum ideal klingender Stimmen, der zwischen Jahrhunderten und Kontinenten schwebte. ♦