In „Dream Scenario“, dem neuen A24-Film des Autors und Regisseurs Kristoffer Borgli, spielt Nicolas Cage Paul Matthews, einen unterschätzten und ineffektiven College-Professor, der durch einen seltsamen metaphysischen Zufall berühmt wird: Er taucht unabsichtlich überall in den Träumen von Menschen auf Welt. Der Film, der Paul durch seinen kurzen Aufstieg und scheinbar endlosen Fall begleitet, hätte nur mit Cage in der Hauptrolle funktionieren können. Paul hat in „Sideways“ Anklänge an Bryan Cranstons Walter White und Paul Giamattis Miles, aber man kann sich kaum vorstellen, dass ein anderer Schauspieler als Cage die haarsträubenden Tonwechsel, die die Rolle erfordert, akzeptiert. Als wir Paul zum ersten Mal treffen, wirkt Cages Darstellung etwas abwegig, zu groß und vielleicht zu künstlich für einen Film, der auf echten Emotionen basieren muss. Es ist fast so, als ob Cage Paul als Maske trägt. Er hat seine Stimme (sie ist hoch und adenoid), seinen Gang (er ist gebeugt, fast zusammengekauert) und seinen Haaransatz (eine seltsame Tonsur der Glatze) verändert. Doch schon bald merken wir, dass es Paul ist, der etwas daneben liegt und für seine Umgebung zu überheblich ist. Während wir ihm zusehen, wie er soziale Interaktionen übt und eingemachte Witze aufsagt, wird deutlich, dass er Schmerzen hat und wütend ist, und er hat das Gesicht eines glücklichen Familienvaters aufgeklebt – eines, das Cage abzieht, um die Sehnsucht, Verzweiflung und das Ungeheuerliche zum Vorschein zu bringen Ego versteckt sich darunter.
Aber Cages Besetzung ist aus mehr als einem Grund wichtig für den Film. „Dream Scenario“ ist mit seiner erschütternden Auseinandersetzung mit den entmenschlichenden Auswirkungen des viralen Ruhms ein Kommentar dazu, wie das Internet die Art und Weise, wie wir mit der Welt interagieren, verändert und alles zum Futter für Memes gemacht hat. Man könnte es auch als Kommentar dazu sehen, wie das Internet die Art und Weise verändert hat, wie wir Nicolas Cage sehen und wertschätzen, der einer der ersten Filmstars ist, der in Memes verewigt wurde.
Cage befindet sich nun im fünften Jahrzehnt einer Karriere, die mehr als hundert Filme umfasst und Stationen als Teenager-Frauenschwarm, unbändigen Exzentriker, Actionstar und Oscar-prämierten ernsthaften Schauspieler umfasst. Aber das Internetzeitalter hat diese Rollen durch eine andere überschrieben: einen kulturellen Witz. In den frühen 2000ern erlangte Cage wie Paul einen neuen (vielleicht unwillkommenen) Ruhm als neue Art von (unbeabsichtigtem) Star für eine neue Art von (unentgeltlichem) Medium. Und dann verlor er, wie Paul, die Kontrolle über sein neues Image und wurde auf eine Pointe reduziert. In den letzten fünf Jahren ist er in eine Comeback-Phase eingetreten, die ihn möglicherweise zu einem respektablen, wenn nicht sogar zu einem zuverlässigen Kassenschlager macht. Keiner seiner letzten Filme hat viel Geld eingebracht, aber er wird wieder einmal gut rezensiert, tritt in Talkshows auf und arbeitet mit größeren Budgets und großen Studios zusammen, nachdem seine Karriere möglicherweise ins Schleudern geraten war.
Seine Comeback-Filme variieren in Ton, Stil, Budget und Qualität, aber sie haben in der Regel zwei Dinge gemeinsam: Im Kern sind sie Metafilme, deren eigentliche Prämisse darin besteht, dass sie Nicolas Cage in der Hauptrolle spielen, und keiner von ihnen wäre ohne ihn erfolgreich . (Die anderen Filme, die Cage in dieser Zeit gedreht hat – darunter „Butcher’s Crossing“ (2023), ein revisionistischer Western nach dem Roman von John Williams, dem Autor von „Stoner“, – blieben weitgehend unbeachtet.) In „Mandy“ ( 2018), einem Underground-Hit, der sein jüngstes Comeback beflügelte, spielt Cage einen Holzfäller, der eine verrückte, blutrünstige Rache an einer Sekte übt, die seine Frau entführt und ermordet hat. Der Film ist ein visuelles Fest, aber seine wahre Attraktion ist Cages Ruf für sein unberechenbares Verhalten auf der Leinwand; Das Versprechen, das es den Zuschauern gibt, besteht darin, dass sie erleben werden, wie sich der Protagonist von einem normalen Mann mit einem ruhigen häuslichen Leben in einen Verrückten verwandelt, der sich mit einer Kettensäge mit Kultisten duelliert, während er von den Eingeweiden der zahlreichen Menschen bedeckt ist, die er abgeschlachtet hat.
Diese metatextuelle Qualität kommt in „The Unbearable Weight of Massive Talent“ (2022) noch deutlicher zum Ausdruck. Cage spielt einen heruntergekommenen Schauspieler namens Nicolas Cage, der die finanziellen Probleme seines Namensvetters, seine Liebe zu „Das Kabinett des Dr. Caligari“, seine bizarren Bezeichnungen für seinen eigenen Schauspielstil („Nouveau-Schamanismus“) und seine ungewöhnliche Art teilt Lesungen. Als er einen Job annimmt, um auf der Geburtstagsfeier eines Bajillionärs aufzutreten, wird er von seinem jüngeren Ich heimgesucht, gespielt von einem digital entfalteten Cage mit einem „Wild at Heart“-T-Shirt, der den heutigen Nicolas Cage preist, dem er gerecht werden soll sein früheres Genie. Die Einbildung wird durch die Schwerkraft, die Cage in die Aufführung einbringt, vor Ruhmlosigkeit bewahrt. Er verbindet die Selbstparodie mit einem echten Gefühl der Einsamkeit und Verzweiflung und wirkt als Star, der um seine verlorene Anerkennung trauert, absolut glaubwürdig.
Der beste von Cages jüngsten Filmen ist neben „Dream Scenario“ Michael Sarnoskis Indie-Drama „Pig“ (2021). Seine Figur, Robin Feld, ist ein zurückgezogen lebender Trüffeljäger, der auf der Suche nach seinem entführten Jagdschwein wieder in die Gastronomieszene von Portland zurückkehrt, die er verlassen hat. Die Besetzung in „Pig“ ist eine wunderbare Fehlleitung; Das Publikum, das in der Hoffnung eintritt, zu sehen, wie sein Star in einer Orgie aus hemmungslosen Ticks und wütender Gewalt ausbricht, wird stattdessen mit einer Nacherzählung von Orpheus mit der schweinischen Eurydike verwöhnt. Cages Leistung ist die kleinste im Film, und diese Kleinheit ist der Punkt. „Pig“ fungiert als Meditation über männliche Authentizität, und Robin überwindet die vielen Hindernisse, denen er gegenübersteht, indem er in einer Welt voller Männer, die Überstunden machen, um ihre Männlichkeit auszuleben, unerbittlich authentisch bleibt. Es ist eine verblüffende Leistung, eine Erinnerung daran, dass Cages Begabungen so vielfältig sind, dass er selbst nach vierzig Jahren immer noch zu Überraschungen fähig ist.
Vielleicht ist die größere Überraschung, dass wir diese Erinnerung brauchten. Cage hat für „Leaving Las Vegas“ bereits einen Oscar gewonnen und die Kinokassen mehrfach dominiert. Er hat mit einigen der größten Regisseure seiner Zeit zusammengearbeitet, darunter den Coen Brothers, David Lynch und seinem Onkel Francis Ford Coppola. In Filmen wie „It Could Happen to You“ überzeugt er als ordentlicher Durchschnittsmensch voll und ganz. In „City of Angels“ und „Bringing Out the Dead“ beweist er, dass er problemlos in der Lage ist, stumme, von sich selbst isolierte Männer zu spielen. Er war sogar ein glaubwürdiger Actionstar, in „The Rock“, „National Treasure“ und „Face/Off“, wobei er in letzterem Fall so auftreten musste, als wäre er John Travolta, der als Cage verkleidet war. In einer frühen, lächerlichen und dennoch bewegenden Szene muss sich sein Charakter in einem Gefängniskampf beweisen. Die Kamera bleibt auf Cage gerichtet, während er vor Entsetzen über das, was er tut, fast in Tränen ausbricht, bevor er sich dazu zwingt, vor Freude über das Chaos, das er anrichtet, zu schreien. Wie bei seinen anderen großartigen Darbietungen geht es in dieser Szene darum, das Unbekannte, das Seltsame und das Unerwartete in einer Rolle zu finden, im Guten wie im Schlechten. Sein Werk bewegt sich in seiner Klugheit und seinen Enttäuschungen auf einer Gratwanderung zwischen zwei Wolkenkratzern. Als Künstler ist er ein großer maximalistischer Bilderstürmer, der Sun Ra der amerikanischen Schauspielerei.
In seinem Essay „On Pretentiousness“ aus dem Jahr 1995 beschreibt der Dramatiker Tony Kushner eine Art irrational überschäumenden amerikanischen Künstler, eine Gruppe, zu der Walt Whitman, Herman Melville und er selbst gehören. Die Kunst, die sie machen, ähnelt Lasagne, schreibt er, „übermäßig, sogar verdächtig großzügig, promiskuitiv, kokett, beharrlich.“ . . . Es gibt Membranen, aber sie sind durchlässig, die Schichten müssen ihre Integrität bewahren und dennoch in einer aufregenden dialektischen Spannung zu den geschmolzenen, schleimigen, käsigen, öligen Säften stehen, die sie trennen.“ Die Genialität der Lasagne sowohl in der Kunst als auch in der Küche liegt in der Art und Weise, wie sie Katastrophen inszeniert. Jeden Moment könnten sich die Nudeln auflösen, der Käsebelag anbrennen und das Gericht zu einer matschigen, öligen Masse zusammenfallen.
Cage ist der Lasagne-Darsteller schlechthin; Obwohl er zu großer Delikatesse fähig ist, droht er auch ständig, die Membranen zwischen gutem und schlechtem Geschmack zu überfordern. Sein frühes Werk aus den 1980er Jahren ist ein Katalog von Katastrophen, die entweder nur knapp vermieden oder direkt in sie hineingeschleudert wurden, je nachdem, wen man fragt. In seiner Exzentrizität, seinem Eigensinn und seinem Wunsch, die bestehenden Leistungsregeln aufzuheben, erinnert er an Marlon Brando. Aber im Gegensatz zu Brando, der die Speerspitze der Method-Revolution in Hollywood war und vor seinem Durchbruch in der Filmbranche jahrelang bei Stella Adler und Elia Kazan trainierte, verfügt Cage außerhalb der High School kaum über eine formelle Schauspielausbildung. Er wurde als Teil einer Generation von Schauspielern erwachsen, die das Method-Erbe des umfassenden Studiums und des Verschwindens in einer Rolle ablehnten.
Cage hätte sehr gut Teil des Brat Packs sein können, dieser sich ständig verändernden Gruppe attraktiver junger Schauspieler, zu denen Emilio Estevez, Ally Sheedy, Rob Lowe, Tom Cruise und Demi Moore gehörten; Seine ersten beiden Filme, „Fast Times at Ridgemont High“ und „Valley Girl“, waren Teenager-Sexkomödien, letzterer mit Cage in der romantischen Hauptrolle. Stattdessen leistete er zusammen mit anderen Exzentrikern wie Crispin Glover, Willem Dafoe und John Malkovich Pionierarbeit für einen amerikanischen Gonzo-Stil extremer, antinaturalistischer Schauspielerei.
Cages Version des Gonzo ging jedoch noch weiter und brachte Werke hervor, die denen einer anderen Bewegung in der Kultur der achtziger Jahre ähnelten: dem Neoexpressionismus von Malern wie Robert Longo und Julian Schnabel. Die Neoexpressionisten nutzten oft übernommene Bilder aus dem Kanon westlicher Kunst und Filme auf sehr großen, kühn bemalten Leinwänden, um die Malerei wieder mit dem Ausdruck innerer Zustände zu verbinden – den Träumen, Fantasien, Emotionen, Phobien und Wünschen, die während dieser Zeit lange abgetan worden waren Der Aufstieg der Konzeptkunst. Ähnlich wie die Neoexpressionisten verband Cage Bogenzitat mit innerem Feuer, aber wo die Neoexpressionisten in der bildenden Kunst gegen die Idee rebellierten, dass die Malerei tot sei und nur noch Konzepte, Formen und politische Aussagen am Leben seien, rebellierte Cage gegen diese Idee der Wahrhaftigkeit, die jahrzehntelang die Dominanz der Methode in der amerikanischen Schauspielerei untermauert hatte. Wie er dem New York erzählte Mal„Laurence Olivier sagte: ‚Was ist Schauspielerei anderes als Lügen, und was ist gutes Lügen anderes als überzeugendes Lügen?‘ Ich möchte die Schauspielerei nicht so betrachten. Warum nicht experimentieren?“ Cage, der kein Interesse daran hatte, eine konventionell „überzeugende“ Leistung abzuliefern, schuf stattdessen viele der unauslöschlichsten Rollen der Achtzigerjahre.