Keramik hat seit den frühen 1950er Jahren einen bemerkenswert langen, rauen Weg zurückgelegt. Zu diesem Zeitpunkt stellte Peter Voulkos, inspiriert von der Malerei des Abstrakten Expressionismus, das Medium mit einem gesteigerten Maßstab, Ehrgeiz und einer improvisatorischen Energie auf den Kopf, die radgeworfene mit handgefertigten Formen mischte. Seitdem sind einige Keramiker – Ken Price über Betty Woodman bis Kathy Butterly – einfach davon ausgegangen, dass ihre Arbeit zum Mainstream gehört. Sie und andere sind regelmäßig in großen Ausstellungen wie der Whitney Biennale aufgetreten und wurden von großen Galerien übernommen.
Aber die Mainstream-Kunstwelt ist immer enger als sie denkt; viele Keramiker arbeiten weiterhin über seine Grenzen hinaus. Zu ihrem Glück hatten sie einen anspruchsvollen Champion, dessen Hingabe sich im Metropolitan Museum of Art in einer robusten, fesselnden Ausstellung mit dem Titel „Shapes From Out of Nowhere: Ceramics From the Robert A. Ellison Jr. Collection“ messen lässt. Es feiert das dritte bahnbrechende Geschenk dieses bedeutenden Sammlers von Tongefäßen und Objekten an die Met – dieses zu Ehren des 150-jährigen Bestehens des Museums. Ein Besuch kann demütigend sein, aber demütig zu sein bedeutet, erleuchtet zu sein: Ich kannte weniger als die Hälfte der 49 Künstler in der Show.
Die fast 80 Objekte der Schau – von insgesamt 127 – kommen von allen Seiten auf Sie zu, mit unerwarteten Beiträgen neuer Macher, ungewöhnlichen Beispielen von Bekannten und allgemein den aggressiven, oft bauchigen, rauen Werken, die Ellison scheint hingezogen. Nicht wenige der Objekte grenzen an grotesk und vielleicht hässlich und stoßen an die Grenzen Ihres immer gesunden Geschmacks. Alles in allem erweitert die Schau die kunsthistorische Erzählung und repräsentiert gleichzeitig die leidenschaftliche Vision einer Person.
Ellison wurde 1932 in West-Texas geboren, zog dann um 1962 nach New York und widmete sich ohne vorherige Ausbildung dem Maler des Abstrakten Expressionismus, der 25 Jahre lang treu geblieben ist. Zur gleichen Zeit kaufte er – rein instinktiv – alle Keramikgegenstände, die ihm gefielen, als er bei Spaziergängen durch die Stadt Secondhand-Läden besuchte. Er kaufte immer mehr, lernte dabei und stellte fest, dass viele seiner Ankäufe von amerikanischer Keramikkunst des 19. Jahrhunderts stammten, woraufhin er wählerischer wurde und sich für Qualität statt Quantität entschied.
Im Jahr 2009 versprach Ellison der Met etwa 300 Stücke, von denen viele in diesem Jahr im neu renovierten American Wing zu sehen waren. Alle wurden 2018 offiziell verliehen. Ellison breitete sich auch in der europäischen Keramik um 1900 aus, hauptsächlich Französisch und Englisch, und gab der Met mehr als 100 Beispiele. Dann ging es weiter ins 20. Jahrhundert. Irgendwann in den 1980er Jahren erkannte Ellison seine wachsende Sammlung, nicht die Malerei, als seine Berufung. Es ist die klassische Geschichte des getriebenen, autodidaktischen Sammlers, der selbst zum Experten und Gelehrten wird. Zu dem Buch zur Ausstellung, das er auch selbst herausgegeben hat, hat er einen langen Essay beigesteuert. Außerdem fotografierte er alle darin abgebildeten Werke.
Von der abstrakten Malerei kommend, fühlte sich Ellison von Künstlern angezogen, die abstrakte Formen der Funktion vorzogen. Seine Vorliebe bestätigte sich in einem epiphanischen Moment im Jahr 1974, als er zum ersten Mal auf das radikal abstrakte Werk des amerikanischen Arts and Crafts-Töpfers George Ohr (1857-1918) traf, das nach seiner Vernachlässigung ans Licht kam 50 Jahre. Ohr führte sein eigenes Upending durch und begann in den 1890er Jahren, lange vor Voulkos, mit der Improvisation. Er warf blendend dünnwandige Gefäße auf das Rad und drehte und quetschte sie dann in gewundene, manchmal schön zerknitterte, oft asymmetrische Formen; innovativ waren auch seine metallischen Glasuren. Ohrs witzige, elegante Töpfe – wirklich Skulpturen – wurden zu einem Prüfstein für Ellison; sechs davon bilden das Herzstück dieser Ausstellung und sind die einzigen Werke, die er hier behält. Aber er gab schon zu: 20 spektakuläre Ohrs sind alle im American Wing zu sehen.
Die Arbeit konzentriert sich hier auf die Nachkriegszeit. Die frühesten Stücke des Geschenks stammen aus dem Jahr 1945 und stammen von Axel Salto, einem einflussreichen dänischen Keramiker, der in der Designwelt bekannt ist. Seine fabelhaft holprige, gefaltete „Vase“ – einer der Opener der Show – ähnelt einem Priestergewand mit eigenem Kopf. Weiter in der Show scheint eine weitere großartige Salto-Vase in Ranken drapiert zu sein, die seine Liebe zur Natur zeugt. Eine weitere einflussreiche Naturliebhaberin ist Ruth Duckworth (1919-2009), deren „Untitled (Mama Pot)“ einen Kürbis mit Andeutungen des weiblichen Körpers heraufbeschwört.
Die Post-Voulkos-Generation, die sich hauptsächlich dem Handbau zuwandte, ist hier gut vertreten: Price und John Mason – die seine Schüler waren; Rudy Auto, Robert Arneson und andere.
Die neuen Werke von Voulkos (drei von fünf sind in der Ausstellung) verstärken seine Präsenz in der Sammlung wesentlich, vor allem mit einer Skulptur aus dem Jahr 1958, deren gestapelte Formen und Volumen die Lehren des Abstrakten Expressionismus widerspiegeln. Es trägt den passenden Titel „Untitled (Chicken Pot)“ – und der Pot scheint zu verlieren. The Met bekommt eines der besten Arneson-Stücke, die ich je gesehen habe: seine Hommage an eine minoische Oktopus-Vase aus der Zeit um 1960, die die schwer fassbare Kreatur in sturmgepeitschtem Flachrelief zeigt und die übliche Kitschigkeit des Künstlers vermeidet. Es ist ein bedauerliches Geheimnis, dass es kein ausgereiftes Werk von Price gibt, aber das frühe, von 1957, ist betörend vorausschauend.
Neuere Neuankömmlinge wie Butterly und Elisa D’Arrigo bevorzugen dünnwandige, manipulierte Stücke, die ihre Spitzen von Ohr beziehen. Aneta Regel, Jahrgang 1976, die jüngste Künstlerin der Kollektion, bevorzugt betont raue organische Formen und leuchtende Farben. In dieser Präsentation – fachmännisch ausgewählt und installiert von Adrienne Spinozzi, einer Kuratorin des American Wing – betreten mehr als die Hälfte der Künstler zum ersten Mal die Sammlung der Met. Ein Beispiel ist der beeindruckende John Gill, dessen Handbautechnik zu geometrischen Flächen führt, die fast wie aus Holz gehackt wirken.
In einigen Fällen wählte Ellison Beispiele einer Künstlerkarriere aus verschiedenen Epochen, wie im Fall von drei beeindruckenden Werken von Peter Callas – einem ehemaligen Voulkos-Assistenten – aus den Jahren 1994, 2002 und 2016, jedes auf seine eigene Art knusprig und zart. Arnie Zimmerman wird durch eine Art nautisches Monster von 1994 mit dem Titel „Bladder, Tongue and Tangle“ repräsentiert. Ich nehme sein „Light Green Tangle“ aus dem Jahr 2013, das sich neben Saltos rankenbedeckter Vase in einer der besten Vitrinen der Show behaupten kann. Auch hier sind Margaret Israels „Vessel“, ein flaches Becken, das aufregend von kaum mehr als abspulenden, bandförmigen Tonranken getragen wird, und Howard Kottlers „Chalice“ (1965), dicklippig, mit einem Fußsockel, der sich wie ein schwerer verdreht Gewand, das sich um seinen königlichen Träger windet.
Einige Stücke taumeln und wirbeln durcheinander, wie Cristina Carvers „Rottolocus“, Gary Ericksons „Sobornado“ oder Anne Marie Laureys „Cloud Unicus“ – die alle ihrem unverwechselbaren Titel gerecht werden. Drei Arbeiten der japanischen Künstlerin Kyoko Tonegawa verinnerlichen diesen Druck und führen zu glatten, wenn auch ledrigen, unförmigen Kugeln mit offenen, suchenden Schlund. Dies können Körperorgane, Wassersäcke aus Tierhaut oder Blindwürmer sein.
Eine andere Gruppe behandelt das Gefäß wie eine unregelmäßige Leinwand, trägt auffällige Glasuren in Pinselstrichen, Klecksen oder Farbtupfern auf, darunter die Amerikanerinnen Lynda Benglis und Susanne Stephenson; Alison Britton und Gareth Mason, die beide Briten und Babs Haenen aus den Niederlanden sind. Einige Stücke scheinen kurz vor dem Einsturz zu stehen, wie Ewen Hendersons Gefäßhügel, der aus Sackleinen bestehen könnte. Raymon Elozuas drei Stücke (von 1987, 1991 und 2001) scheinen dagegen zu explodieren, ihre bunten Keramikscherben werden von Konstruktionen aus Draht oder Stäben in die Höhe gehoben, wobei das jüngste Stück offenbar am Computer entworfen wurde.
Und schließlich stehen einige Stücke groß, still und symmetrisch, wie Zeugen oder Ikonen, vor allem Kate Blacklocks „Cross Your Heart“ und Syd Carpenters „Deep Roots“ und „Familiar Figure“. Ähnlich zurückhaltend, aber nur wenige Zentimeter hoch, ist Mary Rogers’ blasse zylindrische „Folded Form“. Seine dünnen Porzellanwände erinnern an Ohr, sind aber in sich selbst gedreht, wie eine sich öffnende Blütenknospe.
Ellisons Schenkungen an die Met umfassen mittlerweile über 600 Tonobjekte, die größtenteils auf drei Gruppen aufgeteilt sind. Jeder hat dieser großartigen Institution im Wesentlichen neues Sammelgebiet eröffnet. Im Gegensatz zu den ersten beiden Geschenken führt dieser jüngste Akt der Großzügigkeit das Museum in die lebendige Zukunft.
Formen aus dem Nichts: Keramik aus der Kollektion von Robert A. Ellison Jr.
Bis zum 29. August im Metropolitan Museum of Art, 1000 Fifth Avenue, (212) 535-7710, metmuseum.org.