„A Love Song“-Rezension: Dale Dickey in der Rolle seines Lebens

Fast die gesamten 81 Minuten von „A Love Song“ sind wir in Anwesenheit von Faye, einer Witwe um die 60, die in den Bergen im Südwesten Colorados campt. Sie ist eine gute Gesellschaft, auch wenn nicht viel zu passieren scheint, was meistens der Fall ist. Für Faye ist ihr Zuhause ein kleiner Campervan mit fröhlichen orangefarbenen Vorhängen an den Fenstern. Als Nahrung fängt sie Hummer und Flusskrebse aus einem nahe gelegenen See und kocht sie auf einem stockenden Gasherd. Zur Unterhaltung hat sie morgens Vogelgezwitscher und abends Sterne, dazu ein altes Kofferradio, das zu jeder Tageszeit zuverlässig die passende Melodie liefert.

Max Walker-Silverman, der diesen schönen ersten Spielfilm geschrieben und inszeniert hat, macht uns mit Fayes Tagesablauf vertraut, bevor er uns überhaupt einen guten Blick auf ihr Gesicht wirft. Es gibt einen Grund, warum er einen Moment wartet: Es ist ein außergewöhnliches Gesicht, und dieser Film, in dem es teilweise darum geht, das Beste aus den eigenen Ressourcen zu machen, weiß es besser, als es für selbstverständlich zu halten. Es gehört Dale Dickey, einem hervorragenden Charakterdarsteller, der oft eingesetzt wurde – in Schauplätzen, die vom östlichen Kentucky in „Justified“ bis zu den Ozarks in Missouri in „Winter’s Bone“ reichen – als Ausdruck regionaler Authentizität. Mit ihrem dünnen Mund, ihrem harten, durchdringenden Blick und ihrer verblüffenden emotionalen Wildheit kann sie in Statur und Geist so elementar erscheinen wie die Landschaft selbst.

„A Love Song“ bedient sich Dickeys gewohnter Stärken, auch wenn es sie in einer verspäteten, aber durchaus willkommenen Weiterentwicklung von der gediegenen Nebendarstellerin zur leuchtenden Hauptdarstellerin katapultiert. Und Dickey entfesselt in einer Darbietung mit wenigen Worten und null Theatralik dennoch eine erstaunliche Bandbreite an Emotionen. Ein abschätzender Blick auf das Gelände kann entsprechend ehrfürchtig werden; ein Moment liebevoll erinnerter Freude kann einem durchdringenden Bedauern weichen. Innerhalb einer Nahaufnahme (der Film wurde von Alfonso Herrera Salcedo gedreht) erzählen das traurige Funkeln in Fayes Augen und die Falten in ihrer Stirn eine bewegende und beredte Geschichte, noch bevor der Film selbst etwas von dieser Geschichte explizit macht .

Es erreicht dies etwas zu bequem mit der Hilfe einiger Randfiguren – eines Roadtrip-Paares (Michelle Wilson und Benja K. Thomas), einer Familie benachbarter Kuhhirten – die vor Fayes Tür auftauchen und einige von ihnen herauskitzeln ihre Hintergrundgeschichte. Sieben Jahre sind seit dem Tod von Fayes Ehemann vergangen, eine Tragödie, die sie auf diesen sonnenverwöhnten Campingplatz in Colorado geführt hat. Sie werden vielleicht an „Nomadland“ erinnert, aber im Gegensatz zu Frances McDormands trauernder Witwe in diesem Film scheint sich Faye nicht allzu weit von zu Hause entfernt zu haben.

Sie wartet, wie wir bald erfahren, auf jemanden, mit dem sie vor Jahren in der Nähe aufgewachsen ist, entweder eine alte Flamme oder eine Jugendliebe. Sie hat keine Ahnung, was sie erwartet („Ich weiß nicht einmal mehr, wie er aussieht“, murmelt sie) oder wann er auftauchen könnte; Ein Wandkalender zeigt an, dass wir das Jahr 2020 schreiben, aber Faye hat weder Computer noch Telefon. Und so sitzt sie da und wartet, auf einen Postangestellten (John Way), der regelmäßig mit freundlichem Geschwätz, aber ohne Briefe vorbeischaut, und auf eine zweite Chance auf die Liebe, die vielleicht nie zustande kommt.

Es wird sich zu gegebener Zeit materialisieren. Das ist eigentlich kein Spoiler mehr als die Namen der Sternbilder, die Faye am Nachthimmel identifiziert, oder die Titel der Songs, die aus ihrem Radio strömen. (Dazu gehören „Lovin’ in My Baby’s Eyes“ von Taj Mahal, „The Man Who Walks Alone“ von Dick Flood und „The Way You Smile“ von Blaze Foley.) Ich nehme an, ich könnte die Tatsache nicht preisgeben, dass Fayes alter Bekannter von Wes gespielt wird Studi, allerdings nur auf die Gefahr hin, den Film zu unterbieten. Sein Charakter namens Lito zeigt sich mit einem Strauß Wildblumen, einem freundlichen Hund, einem hoffnungsvollen Lächeln und, wie bald klar wird, seiner eigenen Geschichte von Liebe und Verlust. Während sich ihre Charaktere im Sonnenschein aalen und ein zaghaftes, sehnsüchtiges Wiedersehen genießen – ein emotionales Duett, das wunderbar wörtlich wird, sobald die Gitarren erklingen – scheint etwas fast Mythologisches im Hintergrund zu grollen, als würde sich das Land selbst leise unter ihren Füßen bewegen.

Wes Studi und Dale Dickey im Film „A Love Song“.

(Bleeker Straße)

Beide Charaktere und beide Schauspieler passen perfekt zusammen, und das nicht nur, weil Studi eine Leinwandpräsenz ist, die so an den amerikanischen Westen erinnert wie Dickey’s an den amerikanischen Süden. Die bittersüße Weisheit von „A Love Song“ ist, dass Perfektion vergänglich sein kann und vielleicht muss, wie alle schönen Dinge: diese Lieder, diese Blumen und sicherlich die Eistüten, die Faye und Lito gemeinsam in der süßesten Szene des Films genießen. Was diese beiden voneinander brauchen, nachdem sie fast ein Leben lang getrennt sind, dauert vielleicht nicht länger als einen Moment, eine Stunde oder einen Abend. Es kann auch zu spezifisch und schmerzhaft persönlich sein, um es in Worte zu fassen, obwohl es nicht zu persönlich ist, als dass wir es erkennen könnten.

„A Love Song“ hat die narrative Ökonomie und die hinterhältige emotionale Kraft einer gut gemachten Kurzgeschichte, plus ein Gefühl für Isolation und Entwurzelung, das auf einige der großen Drifter-Porträts des amerikanischen Independent-Kinos zurückgeht. Es ist ein Beweis für die Lyrik, die Walker-Silverman hier heraufbeschwört, dass ich mir manchmal wünschte, er würde seine Erzählrolle noch weiter verlangsamen und uns noch tiefer in die alltäglichen Rhythmen der Geschichte eintauchen lassen. Der Schnitt (vom Regisseur und Affonso Gonçalves), der oft schnell zwischen Gesichtern und Objekten innerhalb einer Szene hin- und herwechselt, und eine gelegentliche übermäßige Abhängigkeit von bogenförmigen, symmetrisch gerahmten Sichtknebeln, haben einen lebhaften, komischen Einschlag. Sie zaubern einem ein Lächeln ins Gesicht, aber sie erzwingen auch ein künstliches Ordnungsgefühl, das durch Dickeys Darbietung glücklich aufgelöst wird, so grob gehauen in ihrer Schönheit und so evozierend an ein Leben außerhalb der Grenzen.