David Salle
Bis 30. Oktober. Skarstedt, 20 East 79th Street, Manhattan. 212-737-2060, skarstedt.com
Die Kunststars der meist verunglimpften 1980er Jahre bestehen fort. David Salles neueste Ausstellung „Tree of Life“ zeigt, dass durch Fleiß einige der besten und schönsten Gemälde seiner Karriere entstanden sind. Wie üblich schichtet dieser einstige Neo-Expressionist/Appropriation-Künstler Bilder aus der Hoch- und Niedrigkultur (diesmal meist niedrig) und verschiedenen Epochen und Malstilen (meist abstrakt) zusammen.
In den meisten Arbeiten hier füllen die Grisaille-Formen gut gekleideter Männer und Frauen aus Peter Arnos New Yorker Cartoons den Hintergrund und liefern einen leisen imaginären Klang von zankenden Paaren, unangemessenen Bemerkungen und unerwarteten Witzen. Oben auf dem Arnos dominiert der einfache Umriss eines unschuldigen Baumes (vielleicht aus einem Kinderbuch) das Zentrum des Gemäldes; sein Stamm und (manchmal) fallende Blätter sind in verschiedenen Pastellfarben bemalt. Der Baum ist oft das Podest für eine übermäßig große S-Kurven-Raupe, deren Linien und Farben den visuellen Salat ergänzen.
Die besten Gemälde sind die mit separaten Predella-ähnlichen Tafeln, die unten angebracht sind. Manchmal setzen sich die Wurzeln der Bäume in diese Domäne fort, aber normalerweise folgt eine horizontale Strecke abstrakter Malerei – getropft, fleckig oder verschmiert in der Manier verschiedener Nachkriegsmaler – mit Fragmenten darüber, vielleicht ein kantiger, modern aussehender Kopf. Salle ist ein trockener, nüchterner Maler, was ihn nicht behindert; ein geschickter Zeichner (besonders mit einem Projektor) und ein brillanter Kolorist und Tonalist. Seine verworrenen Kompositionen wirken wie komprimiert, was ihnen neue Spannung und Sprungkraft verleiht. In einer tristen Zeit, die mehr als ihren Anteil an trister Kunst – oder vielleicht auch nur trübäugigen Kuratoren – hat, sind diese Gemälde ein Lichtblick, der Künstler ermutigt, Dinge zu schaffen, die Anlass zu Optimismus geben – und sie besser zu machen.
ROBERTA SMITH
Michael Assiff
Bis 24. Oktober. Ashes/Ashes, 56 Eldridge Street, Manhattan. ashesonasches.com.
Das Unkraut, das aus Michael Assiffs gesättigten, materiell dichten Leinwänden in seiner Ausstellung „Volunteer Flowers“ hervorragt, wird jedem bekannt sein, der in New York City nach unten geblickt hat, insbesondere in den Bezirken außerhalb von Manhattan, wo Pflanzen eindringlich durch rissigen Beton stechen und bewundernswert darin bestehen bleiben eine feindliche Umgebung. (Gärtnern hat seine eigene tiefe Quelle von Euphemismen: Assiff zieht den Begriff „Freiwillige“ dem „Unkraut“ vor.) Assiffs fünf Gemälde hier bestehen aus Hunderten dieser Exemplare, wobei jedes Blatt, Blütenblatt und Stängel einzeln mit getöntem Methacryl-Kunststoff geformt wurde, der durch a Spritze und fixiert in monochromatischen Assemblagen. Sie geben der Idee des „Farbfeldes“ eine raffinierte neue Bedeutung.
Insbesondere der akribisch gerenderte Portulak, der kriechende Charlie und das Ambrosia sind Übersetzungen derjenigen, die Assiff letztes Jahr auf dem All Faiths Cemetery in Queens beobachtet hat, wo das besonders robuste Überwuchern unter Nachlässigkeit gedieh. (Der Vorstand des Friedhofs ist Gegenstand einer Klage wegen Unterschlagung des New Yorker Generalstaatsanwalts aus dem Jahr 2019; die Platzwärter haben den Vorstand beschuldigt, Leistungen vorenthalten zu haben.) Assiffs Gemälde werden zu einem Bild der Arbeiterbewegung, einem hingebungsvollen Akt, der den Kampf dieser Arbeiter ehrt .
Sie sind auch eine nuancierte Allegorie für unsere sich verdunkelnde Klimazukunft. Die Wahl des Monochroms knüpft die Gemälde zu einem kunsthistorischen Kontinuum, das bis zu Malewitschs „Schwarzem Quadrat“ zurückreicht, ein Effekt, den Künstler für seine spirituelle Reinheit und die Fähigkeit, das Natürliche Erhabene zu destillieren, schätzen. Der alle paar Jahre ausgerufene Tod der Malerei ist noch nicht abgeschlossen. Malerei ist im Wesentlichen das Unkraut des Kunstschaffens, das trotz der Katastrophe weiterhin triumphiert. Unsere Tage mögen gezählt sein, da unsere Atmosphäre mit Kohlendioxid anschwillt, aber das Unkraut wird sicher bleiben.
MAX LAKIN
“Rebell, Narr, Mystiker, Dichter: Zeitgenössische Perser”
Bis 8. Mai. Asia Society Museum, 725 Park Avenue, Manhattan. 212-288-6400; asiasociety.org.
„Rebel, Jester, Mystic, Poet: Contemporary Persians“, das seinen Ursprung im Aga Khan Museum in Toronto hat und nach einem Zwischenstopp in Houston hier bei der Asia Society ankommt, ist nicht nur Kunst in allen Medien von 23 iranischen und iranischstämmigen Künstlern, berühmt und aufstrebend, im In- und Ausland. Die meiste Arbeit ist auch Über Iraner sein. Eine solche zielstrebige Kuratierung von Fereshteh Daftari ist in einer Show verständlich, die eine der großen Zivilisationen der Welt einem Publikum vorstellen soll, das den Iran vielleicht immer noch als Teil der „Achse des Bösen“ betrachtet. Aber trotz der Vielfalt der Werke wirkt es insgesamt etwas klaustrophobisch.
Der beste Ansatz für einen Betrachter könnte darin bestehen, sich auf ein einzelnes Werk zu konzentrieren, sei es Mohammed Ehsais extravagante rot-silberne Kalligraphie; eine schimmernde Collage aus Spiegelfragmenten von Monir Farmanfarmaian; oder Khosrow Hassanzadehs wunderschöner rosafarbener Siebdruck von sich selbst als „Terrorist“. Für mich ist das Stück, das zurückbleibt, Mahmoud Bakhshis „Tulips Rise From the Blood of the Nation’s Youth“, eine brennende Interpretation des Traumas und der Propaganda des Iran-Irak-Krieges, in dem drei rote Neon-„Tulpen“ – stilisierte Darstellungen des Wortes „Allah“, wie es auf der Flagge der Islamischen Republik erscheint – auf Metallkanistern drehen, die wie riesige Patronenhülsen aussehen.
WIRD HEINRICH
„Das Kollektiv: Auserwählte Familie“
Bis 23. Oktober. Martos Gallery, 41 Elizabeth Street, Manhattan. 212-560-0670; martosgallery.com.
Nach ihrer Ausstellung bei MoMA PS1s „Marking Time: Art in the Age of Mass Incarceration“, die im April geschlossen wurde, präsentieren die sieben zuvor inhaftierten Künstler in dieser Ausstellung neue Arbeiten und führen die Gespräche über die Reform der Strafjustiz fort.
Am Eingang der Ausstellung „The Collective: Chosen Family“ befinden sich sieben Tuschezeichnungen von James „Yaya“ Hough auf der Rückseite von Speisekarten und Bürodokumenten der Gefängniskantine. Düster, kahl, tiefgründig beleuchtet Houghs Werk den gewinnorientierten Charakter des US-Gefängnisindustriekomplexes mit Bildern, die nackte und manchmal anonymisierte Körper zeigen, die in Ketten gefesselt und wie Rohmaterial von Maschinen verarbeitet werden.
Diese ergänzen Jesse Krimes „The Myth of the Golden Legend“, ein 70 x 130 Zoll handgenähter Stoff mit Tintenstrahl-Transfer, der dystopische Szenen zeigt – Laternen wachsen zu überdimensionalen Spinnen, Stühle höher als Gebäude, Menschen in Ku-Klux-Klan-Umhängen , Drachen.
Tameca Cole wendet sich nach innen, sogar feierlich, mit Collagen schwarzer männlicher Motive auf leeren Hintergründen, wie Wirbel. Auf Gilberto Riveras dicht bemalten Leinwänden kontrastiert ein Wirrwarr gesellschaftlicher Themen mit der ruhigen Traurigkeit seiner Frauenfiguren.
Vielleicht ist diese Traurigkeit noch stärker in den Fotografien von Mary Enoch Elizabeth Baxter alias Isis Tha Saviour, deren Miniaturbilder Thomas Eakins’ Druck eines unbekannten vorpubertären schwarzen Mädchens, das nackt posiert, neu vorstellen. Baxter fügt sich in jede Szene mit Photoshop ein und schützt das Mädchen, indem es ihren Körper bedeckt.
Am bemerkenswertesten ist die Materialität der Show, die am besten durch Russell Craigs „Real Fake“ verkörpert wird, eine Installation von Louis Vuitton-Taschen mit einem von einem Hund aufgezogenen Reißverschluss, und Jared Owens’ „Panopticon“ – ein Gemälde/Sockel-Paar mit einem Schweinefutter Leinensack, Stahlseile und Haken, wiedergewonnenes Stauholz und sogar Erde aus dem Gefängnishof der Federal Correctional Institution Fairton in New Jersey.
YINKA ELUJOBA