„Born in Flames: Feministische Zukunft“
Bis 12. September. Bronx Museum, 1040 Grand Concourse, 165th Street, Morrisania, 718-681-6000, bronxmuseum.org (718) 681-6000, bronxmuseum.org.
Das Bronx Museum of the Arts, das in diesem Jahr 50 Jahre alt wurde, wurde unter anderem gegründet, um Mainstream-Kunst aus Manhattan in den Bezirk zu bringen. Seine erste Ausstellung im Jahr 1971 zeigte Leihgaben des Metropolitan Museum of Art. In den Jahrzehnten seitdem hat das Programm immer mehr auf das globale Bewusstsein und das Viertel South Bronx reagiert, was das Museum – das Eintritt frei ist – zu einem der abenteuerlichsten Kunsträume der Stadt macht.
Besonders stark kommt sie mit ihrer aktuellen Gruppenausstellung „Born in Flames: Feminist Futures“ an. Die Show hat ihren Titel aus dem 1983er Film der amerikanischen Künstlerin Lizzie Borden: ein düsteres, punkiges Dokudrama über die Vereinigten Staaten im Griff einer moralischen Revolution, angeführt von einer Armee von Frauen aus allen sozialen, rassischen und sexuellen Bereichen. Der Film selbst spielt ständig in der Show, umgeben von Arbeiten einiger der besten Künstler, die Sie derzeit überall in der Stadt sehen werden.
Ausgewählt von Jasmine Wahi, der Kuratorin für soziale Gerechtigkeit des Museums, umfassen sie einige hochkarätige Persönlichkeiten (Firelei Báez, Huma Bhabha, Wangechi Mutu) sowie andere, die eine stetige Sichtbarkeit haben, aber noch größere Anerkennung verdienen (Chitra Ganesh, Saya Woolfalk, Turmalin). . Und von besonderem Interesse sind Künstler, die sich hier erst am Anfang kennen.
Eine davon ist die in Los Angeles lebende brasilianische Künstlerin Clarissa Tossin, die in der Ausstellung „Pacha, Llaqta, Wasichay“ des Whitney Museums 2018 einen unvergesslichen Eindruck hinterlassen hat, und sie tut es erneut mit einem kartenartigen gewebten Behang mit einem Bild des Amazonas und des Jangtse. unmöglich, sich treffend und über den Galerieboden fließend. In einem Gemälde von vergleichbarem Maßstab von Caitlin Cherry verflechten sich Frauenfiguren zu einem durchgehenden, pulsierenden ozeanblauen Feld.
Ein gemeinsames Thema dieser Stücke – fluide Energie – wird in anderen Werken konkreter, in denen menschliche und natürliche Formen verschmelzen. In „Flamingo“, einem porträtartigen Gemälde einer Frau der südafrikanischen Künstlerin Pamela Phatsimo Sunstrum, vermischen sich menschliche und vogelartige Züge. Und in einem skulpturalen Tableau aus Bronzeguss der in Kolumbien geborenen, in Brooklyn lebenden María Berrío ist eine von Wasservögeln bewachte, liegende Frauenfigur in ein Kleid aus scheinbar blühenden Ranken gekleidet.
Das Berrío-Stück ist eine Schönheit. Ebenso zwei Keramikskulpturen von Rose B. Simpson, einer in New Mexico lebenden Künstlerin. In ihren Werken scheinen menschenähnliche Formen gleichzeitig aus der Erde geformt und mit ihr zu verschmelzen, eine Erinnerung daran, dass Umweltbewusstsein der feministischen Kunst schon immer innewohnt und immer noch ist.
Ebenso die Idee der Veränderung – physisch, politisch und spirituell. Sowohl die Realität als auch die Notwendigkeit dafür sind die Botschaften in einem kurzen Science-Fiction-Video des nicht-binären kanadischen Performance-Künstlers Sin Wai Kin. Unter dem Titel „Today’s Top Stories“ präsentiert es den Künstler in Jackett und Krawatte – männlicher Nachrichtensprecher – aber mit einem kosmischen Blick auf Planeten und den Weltraum als Hintergrund. Schmetterlinge fliegen umher, als der Anker beruhigend eine schlechte Nachricht überbringt: „Du wirst aufhören zu existieren.“ Dem folgt bald eine bahnbrechende Entwicklung: „Du bist unsterblich“.
Mit ihrem planetarischen Bewusstsein, ihrem Beharren auf Transformation und ihrem Appetit auf Widerspruch können die hier vorgeschlagenen feministischen Zukünfte nicht zu früh kommen.
HOLLAND COTTER
Februar James
Bis 11. September. Tilton Gallery, 8 East 76th Street, Manhattan, (212) 737-2221, jacktiltongallery.com.
Februar James’ exzellentes Solo-Debüt in New York bietet Ihnen viel zum Arbeiten, beginnend mit dem Titel „When Chickens Come Home to Roost“. Es suggeriert, dass letztendlich der Gerechtigkeit gedient wird, dass das Böse immer zur Türschwelle des Übeltäters zurückkehrt. Dass James – Mitte 40 und in Los Angeles lebend – ein schwarzer Autodidakt ist, der meist verkleinerte Gesichter von farbigen Frauen zeigt, fügt Resonanz hinzu.
Ihre scheinbar einfachen, farbigen Gesichter haben sowohl karikative als auch abstrakte Aspekte. Mit betont roten Lippen und getönten Augenlidern, die an James’ frühere Tätigkeit als Maskenbildnerin erinnern mögen, erinnern die Frauen auch an die Techniken der Farbfeldmalmalerei und an die Kunstfertigkeit der Porträts der deutschen Expressionisten, der Fauves und Beauford Delaney. Mit ihren einfachen Mitteln haben sie eine überraschende emotionale Tiefe; ihre oft hellen Augen, vielleicht den Tränen nahe, sind vielleicht die von Sehern.
James’ Orakel, Barbara Kruger-artige Titel verstärken die Wirkung. „The Thing I Regret Most Are My Silences“ ist die einzige Figur der Show in voller Länge: eine Blondine, die nur Unterhosen trägt und vielleicht vor ihrem Spiegel gesteht. Ein anderes Gemälde – eine Frau, die sich uns skeptisch zuwendet – antwortet mit der Warnung „Your Silence Will Enfold You“, einer Umschreibung des schlimmeren „Your Silence Will Not Protect You“, einem Buch mit Essays und Gedichten von Audre Lorde. „Change Comes About Us Like a Change of Weather“ scheint richtig für die relative Passivität einer heiteren und schönen Frau, die einem Starlet der 1930er Jahre ähnelt.
Der Titel der Ausstellung ist auch der einer Installation, die weniger originell ist als die Gemälde und sich um einen großen hölzernen Hühnerstall dreht, der mit allerlei gefundenem Hühnerspielzeug und -figuren gefüllt ist. Aber das Holz ist übersät mit schwachen, geisterhaften Skizzen von James’ charakteristischen Gesichtern, was einige neue Möglichkeiten schafft.
ROBERTA SMITH
„Von der Oberfläche zum Weltraum“
Bis 30. Oktober. Institute for Studies on Latin American Art (ISLAA), 50 East 78th Street, Manhattan, islaa.org.
Konkrete Kunst blühte in den Nachkriegsjahren in Südamerika auf, eine Form geometrischer Abstraktion mit utopischen Ambitionen, einem universellen Publikum zu kommunizieren. Seine Popularität in Argentinien und Brasilien wird oft dem wechselseitigen Einfluss des Schweizer Künstlers und Designers Max Bill (1908-1994) zugeschrieben, aber die Ausstellung „’From Surface to Space’: Max Bill and Concrete Sculpture in Buenos Aires“ macht ein Argument für argentinische Innovation als eigenständige Kraft.
Bill gewann den Skulpturenpreis der ersten Biennale von São Paulo 1951 mit einer Arbeit, die die mathematischen Prinzipien der Möbius-Schleife nutzte, und schrieb im selben Jahr einen Essay mit dem Titel „From Surface to Space“, in dem er postuliert, dass die Beziehung der Menschen zu dem Raum um sie herum bestand verändert und dass die Kunst das widerspiegeln sollte. Eine viel kleinere Skulptur des argentinischen Künstlers Enio Iommi aus dem Jahr 1956, „Elevacion del Triángulo“ (Dreieckshöhe), verwendet ähnliche Ideen – die Ausstellung argumentiert, dass Bill und Europa nicht die einzige Quelle für konkrete Innovationen waren – und übersetzt mathematisch abgeleitete Kurven in ein elegantes Aluminium Schlaufe auf Holzsockel montiert. Claudio Girolas Aluminium „Triángulos Espaciales“ (Räumliche Dreiecke) von 1948 versucht den Raum zu aktivieren und zeigt den dreidimensionalen Raum um die Skulptur herum. Ein Holz- und Metallmobile von 1948 von Carmelo Arden Quin und Zeichnungen von Lidy Prati ergänzen konkrete Erkundungen von Raum und Oberfläche.
Die Auswirkungen der Konkreten Kunst waren tiefgreifend, insbesondere in Lateinamerika, wo die rasante industrielle Entwicklung Kultur und Umwelt veränderte. Konkrete Kunst hat zwar ihre hohen Ziele, nämlich moderne Ideen und Materialien zu nutzen, um das Leben zu verbessern, nicht erreicht, aber der interkulturelle Dialog hier und die wichtige Präsenz argentinischer Künstler in diesem Austausch ist immer noch beeindruckend und inspirierend.
MARTHA SCHWENDENER