Was hat Tarell Alvin McCraney dazu bewogen, das Geffen Playhouse zu leiten?

Mit der Wahl von Tarell Alvin McCraney als neuem künstlerischen Leiter hat sich das Geffen Playhouse nicht nur den Dramatikern und dem Dramatiker verschrieben, sondern auch der Zukunft des amerikanischen Dramas. Es hat seine Identität als gefestigt Spielhaus – ein Schaufenster für Schriftsteller mit künstlerischem Talent.

Mit der Ernennung eines schwarzen queeren Dramatikers hat das Geffen Playhouse anerkannt, dass das Streben nach künstlerischer Exzellenz von einem möglichst breiten Talentpool abhängt. Ein Theater muss seinen Idealen der Gerechtigkeit und Inklusion nicht nur in seinem Programm, sondern auch in seinem Verwaltungssitz gerecht werden. Ein vielfältiges Publikum, das erklärte Ziel gemeinnütziger Theater, lässt sich nicht durch Halbheiten und Lippenbekenntnisse erreichen.

McCraney erhielt einen Oscar für das adaptierte Drehbuch mit Regisseur Barry Jenkins für den Film „Moonlight“, der auf seinem Drama „In Moonlight Black Boys Look Blue“ basiert. Er ist unter anderem Autor von „The Brother/Sister Plays“ und „Choir Boy“ (produziert im Geffen Playhouse im Jahr 2014).

Als Ensemblemitglied der Steppenwolf Theatre Company in Chicago ist er Professor für Dramaturgie an der David Geffen School of Drama der Yale University und hat sich den Ruf eines leidenschaftlichen Mentors erworben. Er wird weiterhin in Yale unterrichten und gleichzeitig das Geffen Playhouse leiten, und sagte, er sei bestrebt, mit Schriftstellern in Los Angeles zusammenzuarbeiten.

McCraneys Ernennung ist nicht nur deshalb überraschend, weil er Dramatiker ist und diese Positionen in der Regel an Regisseure und kreative Produzenten gehen. Das liegt auch daran, dass er in seinen besten Jahren ein bahnbrechender Dramatiker ist. Er ist auch Drehbuchautor, dessen Werke („High Flying Bird“, „David Makes Man“) für ihre lyrische Sensibilität und ihre furchtlose Zeugenaussage viel Lob erhalten haben.

Er war im Geffen Playhouse zu Gast, um Projekte mit Cast Iron Entertainment zu entwickeln, einer Kohorte führender Künstler, zu der Sterling K. Brown, Glenn Davis, Brian Tyree Henry, Jon Michael Hill und André Holland gehören. McCraney sagte, er fühle sich dazu hingezogen, eine Führungsrolle zu übernehmen und Teil des Wandels zu sein, der das amerikanische Theater in einer Zeit großer wirtschaftlicher Herausforderungen erfasst.

McCraney ist stets ein Innovator und sucht nach Möglichkeiten, nicht nur seine eigene Schreibpraxis, sondern auch die kreative Praxis von Theaterkünstlern wie ihm wiederzubeleben, die nach neuen Modellen, neuen Inspirationsweisen und neuen Unterstützungsmechanismen hungern.

In einem Gespräch im Geffen Playhouse dachte McCraney darüber nach, was ihn in einem so turbulenten Moment dazu motivierte, künstlerischer Leiter zu werden, und welche Werte seine künstlerische Reise getragen haben. Dieses Interview wurde aus Gründen der Klarheit und Länge bearbeitet.

Ich wusste nicht, dass Sie künstlerischer Leiter werden wollten. War dies ein lang gehegtes Ziel?

Ehrlich gesagt war es mein ganzes Leben lang dort. Wie Sie wissen, bin ich in Miami aufgewachsen. Und es gab ein Theater namens Coconut Grove Playhouse.

Wo Samuel Becketts „Waiting for Godot“ seine amerikanische Premiere hatte!

Ja, das ist richtig. Es wurde 1926 als Filmhaus erbaut und später in ein Theater umgewandelt. José Ferrer, der Schauspieler und Regisseur, war in den 80er Jahren künstlerischer Leiter und machte daraus ein führendes Schauspielhaus. Was die meisten Menschen jedoch nicht wissen, ist, dass es nur einen Block von dem Ort entfernt ist, an dem meine Großmutter im Jahr 1926 geboren wurde. Und ich glaube fest an diese Art von Timing. Meine Großmutter, die vor zwei Jahren starb, sagte immer, dass ich eines Tages dieses Theater leiten würde. Das liegt daran, dass es buchstäblich in unserem Viertel liegt, dem ältesten schwarzen Viertel in Miami, und sie einen Enkel hatte, der als Theaterautor arbeitete.

Und als meine Ausbildung dann älter wurde, war ich im Grunde genommen Co-Künstlerischer Leiter einer jungen Improvisationstruppe, die rausging und Guerilla-Theater aufführte. Ich habe es immer geliebt, mit einem Ensemble verbunden zu sein und ein Theater zu leiten. Am meisten liebte ich es, in einer Gemeinschaft zu sein und Menschen künstlerisch zu führen. Das ist einer der Gründe, warum ich nach Yale ging und dort Leiter des Theaterprogramms wurde. Ich bin buchstäblich mit zur Schule gegangen [Center Theatre Group artistic director] Snehal Desai und [former Baltimore Center Stage artistic director] Stephanie Ybarra saß im Unterricht und diskutierte über die Gründungsvisionen regionaler Theater. Wir befinden uns gerade an einem Wendepunkt. Und es fühlte sich egoistisch an, am Spielfeldrand zu sitzen.

Die Ernennung von künstlerischen Leitern ging in der Regel an Regisseure. Schriftsteller haben Grund, ihre einsame kreative Zeit zu schützen. Haben Sie überhaupt gezögert, Ihren Hut für einen Job in den Ring zu werfen, der sich zweifellos auf Ihre Schreibpraxis auswirken wird?

Ich hoffe, einen Raum zu schaffen, in dem ich innovativer sein kann. Ich glaube, dass Regisseure den Leuten irgendwie vorgaukeln, dieser Job sei speziell für sie, weil sie es gewohnt sind, mit Leuten umzugehen. Aber es ist auch ein Raum für sie, ihrer Arbeit nachzugehen und Dinge zu programmieren, bei denen sie schon immer Regie führen wollten. Es gibt Theaterstücke, die ich schon immer schreiben wollte. Es gibt Innovationen, die ich schon immer machen wollte. Aus Egoismus möchte ich es hier tun. Meine Hoffnung besteht darin, ein Ensemble von Autoren und Regisseuren zu schaffen, die mit dem Geffen verbunden sind, und zwar in einem nährenden Umfeld, das ich als Dramatiker aufbauen kann.

„Chorknabe“ wurde 2014 im Geffen Playhouse gemacht. Und thde Kurz vor der Pandemie gab das Theater die Residenz von bekannt Unterhaltung aus Gusseisen, die künstlerische Kohorte, die Sie mit Sterling K. Brown und anderen wirklich unglaublichen Talenten gebildet haben. Sie hatten hier also eine Verbindung, aber wie stark waren Sie mit dem Theater verbunden?

Es ist so, als ob man ein Gespräch mit einem Freund führt und schon lange mit diesem Freund redet und sich irgendwann fragt: „Moment mal, sind wir in einer Beziehung?“ Auf diese Weise hat man Gefühle. Nun, so fühlte sich das an. Ich habe eine Affinität zu diesem Ort und seinen Aktivitäten. Ich habe auch das Gefühl, dass es mir wichtig genug ist, die Orte zu kennen, an denen Arbeit nötig ist. Und das kann ich von einem Ort der Liebe und Fürsorge aus tun.

Wie sehen Sie das Problem des Zuschauerrückgangs? Was machen wir Ihrer Meinung nach im Gespräch über die Krise im amerikanischen Theater falsch?

Soweit ich weiß, geht es dem Geffen in Bezug auf unsere Abonnements gut. Aber wie überall gibt es Leute, die etwa zwei, zweieinhalb Jahre drinnen waren und dann entschieden haben, dass sie nicht mehr drinnen sein wollen. Und dazu gehört auch, in einem Theater zu sitzen. Das ist verständlich. Ich werde versuchen, hier nicht zu weinen. Wir haben so viele Menschen verloren. Das ist es, was die Leute meiner Meinung nach falsch verstehen. Die Leute erkennen nicht, dass wir uns in einer Art Kriegszeit befinden. Wir geben der Trauer nicht genügend Raum. Und deshalb sagen wir: „Sie müssen zurück ins Theater kommen und sich Shows ansehen.“ Aber die Menschen trauern immer noch und gewöhnen sich neu. Wir haben gerade einen COVID-Anstieg. Die Menschen tragen wieder Masken und sind nervös.

Was könnte Ihrer Meinung nach die Kinos sonst noch zurückhalten?

Die Leute gehen immer noch zu Konzerten. Aber viele Konzerte finden draußen statt. Und da gibt es eine andere Art von Energie, der wir uns anschließen müssen. Wie machen wir das hier? Wir sagen jungen Leuten, die über ihre Telefone mit ihren Freunden verbunden sind: „Hey, schalte das aus, wenn du hier reinkommst.“ Nun, wenn sie das ausschalten, wie sollen sie dann mit ihren Freunden verbunden werden, um zu zeigen, dass sie im Theater sind? Das ist ihnen wichtig. Und wir sagen ihnen, dass es nicht wichtig ist. Man kann niemandem, der sein ganzes Leben darauf aufgebaut hat, auf diese Weise vernetzt zu sein, nicht sagen, dass er es ausschalten muss, wenn man hier reinkommt. Dies ist ein Gespräch, in das wir eintreten müssen.

Theater versuchen verzweifelt, neue Zuschauer zu erreichen und gleichzeitig bestehende Abonnenten zu halten. Wie sehen Sie diese Herausforderung, die sowohl ernsthafte moralische als auch wirtschaftliche Risiken mit sich bringt?

Ich denke, wir müssen mutig sein, die Frage zu stellen. Ich würde eine Einschränkung hinzufügen. Ich weiß nicht, ob die Zweiteilung zwischen älteren und neuen Zielgruppen unbedingt zutrifft. Es gibt Leute, die kommen, und es gibt Leute, die nicht kommen. Und es gibt eine Abstufung dazwischen, denn es gibt Leute, die einmal auftauchen und dann vielleicht für den Rest des Jahres nicht mehr auftauchen. Und es gibt Abonnenten, die an diesem Abend vielleicht nicht erschienen sind. Wir müssen aufpassen, dass wir uns nicht auf die Idee eines neuen oder alten Publikums programmieren. Wir müssen dies über die gesamte Schnittstelle hinweg tun, indem wir für Exzellenz und für das Engagement der Gemeinschaft programmieren. Insbesondere unsere Programmierung muss dieses Engagement fördern und aufrechterhalten. Wir sollten nicht nur versuchen, das eine oder das andere dieser beiden Extreme ins Visier zu nehmen. Das ist zu zweigeteilt und nicht das, was wir am besten können.

Das Ziel ist es, Live-Auftritte in hervorragender Qualität zu produzieren. Wir möchten, dass sich das Publikum dazu berufen fühlt, in unserem Raum zu sein. Zu spüren, dass hier etwas passiert, das sie nirgendwo anders finden, das sie nicht überspringen können. Selbst wenn die Arbeit sie wütend macht, wissen sie, dass sie etwas erlebt haben, was sie mit ihren Streaming-Boxen nicht erreichen können.

Gibt es etwas Einzigartiges an der Verbindung des Geffen Playhouse zu Los Angeles, das Sie hierher geführt hat?

Mir gefällt der Querschnitt der Theaterkünstler in Film und Fernsehen in dieser Stadt. Ich liebe es, dass es in einer Show wie „The Good Wife“ Künstler gibt, die eine unglaubliche Erfahrung im Theater haben und so gute Theaterkünstler sind. Wie können sie einen Ort haben, an dem sie ihre Werkzeuge scharf halten können? Ich würde es lieben, wenn das hier wäre.

Ich habe in unseren Gesprächen im Laufe der Jahre festgestellt, dass Sie eine spirituelle Beziehung zum Theater haben. Könnten Sie uns etwas über Ihren Hintergrund in diesem Zusammenhang erzählen?

Theater zu sein ist eine Berufung. Und ich denke, ich kann den Menschen helfen, sich an ihre Berufung zu erinnern. Das war mir immer wichtig. Ich glaube, ich habe Ihnen einmal gesagt, dass ich Pastor werden sollte. In meiner Arbeit versuche ich, Menschen wieder mit dem spirituellen Glauben zu verbinden. Was ist Glaube? Es ist der Glaube an das, was wir nicht sehen können. Einer meiner Mentoren war Peter Brook, der ständig über Glauben und Glauben sprach. Es ist in unseren Köpfen, verwurzelt in dieser Sache, die wir nicht sehen können. Wir versuchen ständig, Sinn zu schaffen. Auf Lehr-, Mentoren- und Führungsebene versuche ich immer, Menschen dazu zu inspirieren. Tauchen Sie ein in diesen Raum, in diesen Winkel Ihres Geistes, der einfach nur Dinge sehen möchte. Und haben Sie ein wenig Hoffnung über das hinaus, was Sie sehen können.