Von der ersten Minute an Der Wal ist von Angst erfüllt. Der Regisseur Darren Aronofsky hat sich schon lange auf solche Atmosphären spezialisiert; Selbst im kleinsten Maßstab beschwört er zunehmenden Schrecken aus dem Alltäglichen herauf. Seine neueste Arbeit erinnert stark an frühere Filme wie π und Requiem für einen Traum, beides klaustrophobische Epen mit dröhnenden Partituren und trostlosen Aussichten. Aber in Der Wal, das nach Samuel D. Hunters Theaterstück adaptiert wurde, wirkt die düstere Stimmung sofort im Widerspruch zum Thema. Der Protagonist Charlie (gespielt von Brendan Fraser) ist wegen extremer Essanfälle völlig ans Haus gefesselt und am Rande des Todes. Seine Gefangenschaft ist erbärmlich, aber die Quelle seines Schmerzes ist zutiefst nachvollziehbar: Trauer.
Charlie befindet sich seit dem Verlust seines Partners in einem schweren depressiven Zustand. Unfähig, für sich selbst zu sorgen, ist er für Freunde, Familie und Fremde gleichermaßen zu einer frustrierenden Figur geworden, die alle immer wieder vorbeischauen, um große, bedeutungsvolle Gespräche mit ihm zu führen. Er weigert sich, medizinische Hilfe in Anspruch zu nehmen, obwohl er sich in offensichtlicher körperlicher Not befindet; Stattdessen erlaubt er nur seiner Freundin Liz (Hong Chau), einer Krankenschwester, seinen Blutdruck zu Hause zu messen, während sie sich über ihre Unfähigkeit ärgert, mehr für ihn tun zu können. Er ist fast vollständig von seiner Ex-Frau Mary (Samantha Morton) und seiner Tochter Ellie (Sadie Sink) im Teenageralter getrennt. (Er versucht jedoch, die Kluft zu Ellie zu überbrücken, indem er verspricht, ihre Hausaufgaben zu machen.) Bis dahin Der Wal beginnt, hat Charlie einen Punkt erreicht, an dem es unmöglich ist, den Niedergang seiner Gesundheit rückgängig zu machen.
Die Situation wird sowohl erschreckend als auch erbärmlich dargestellt, besonders weil Charlie sich, obwohl er sich mit den Grenzen seiner Wohnung abgefunden hat, immer noch nach menschlicher Interaktion sehnt. Aronofsky, zu dessen Oeuvre an entfremdungsfokussierten Psychodramen auch gehört Schwarzer Schwan und Mutter, gibt seiner Vorliebe für die Vorahnung nach – weigert sich dann aber, es jemals zu ändern. Einige Szenen versuchen, Charlie als sympathisch und komplex darzustellen, und Frasers Auftritt, der durch vielschichtiges Make-up und Prothesen geliefert wird, schafft es immer noch, der direkteste Teil des Films zu sein. (Es ist auch das umstrittenste.) Leider ist fast alles andere grell düster, ein Schauspiel des Elends, das seinen zentralen Charakter wie ein Zootier zeigt.
Mitverantwortlich für die Unerbittlichkeit ist die allzu präzise Struktur der Geschichte. Hunter selbst hat das Drehbuch seines Originalstücks adaptiert, und der Film folgt den geradlinigen Übergängen genau und löst das Geheimnis von Charlies Situation durch eine Reihe von Begegnungen. Zuerst klopft ein religiöser Missionar namens Thomas (Ty Simpkins) an Charlies Tür und findet ihn mitten in einem Herzereignis; Thomas, ein Fremder, kehrt immer wieder zurück, weil er entschlossen ist, die Seele dieses dem Untergang geweihten Mannes zu retten. Als nächstes ist da Liz, die Charlie wegen seines übermäßigen Essens beschimpft, während sie ihn jedes Mal, wenn sie vorbeikommt, mit Fleischbällchen-Subs versorgt – eine passive Zeugin seiner Fressattacken (die immer mit grober Drohung und Rob Simonsens überwältigendem Score dargestellt werden).
Dann kommt Ellie, die ihren Vater seit Jahren nicht mehr gesehen hat und ihn angewidert ansieht, vor allem, weil er so abwesend in ihrem Leben war. Charlie kämpft vergeblich darum, seine Tochter aus ihrer nihilistischen Lebensperspektive zu befreien. In der Zwischenzeit gehen sie und Thomas eine seltsame Verbindung ein und fangen an, in Charlies Vergangenheit zu graben, um die vollständigen Umstände seines Todes zu verstehen, der ihn zugrunde gerichtet hat. Aber das Wie und Warum von Charlies tiefer Traurigkeit aufzudecken, ist psychologisch einfach nicht so kompliziert, wie Hunter oder Aronofsky zu glauben scheinen – und außerdem wird mehr Zeit damit verbracht, Charlies körperliche Belastung zu bestaunen.
Das Problem ist, dass Aronofsky von Charlie auf die falsche Weise gebannt wird und ihn als wandelndes Haus des Schreckens positioniert. Dieser exhibitionistische Blick kollidiert unangenehm mit dem vermeintlichen Humanismus der Geschichte und Charlies Beharren darauf, dass „Menschen sind toll” selbst wenn sie grausam sind. Fraser unternimmt große Anstrengungen, um diese Zärtlichkeit zu vermitteln: Er scheut sich nicht, Charlies selbstzerstörerische Ader aufzudecken, aber er stellt die beständige Liebe der Figur für andere in den Vordergrund, wenn nicht für sich selbst.
Ich habe diese Nuance von Aronofskys Inszenierung nie gespürt. Er verwandelt die Wohnung in ein dunkles, bitteres Heiligtum und zeigt den langsam schlurfenden Charlie oft von hinten und unten, sodass die Figur wie ein drohendes Monster erscheint. Ich bin nicht gegen Körperhorror, aber das Genre eignet sich am besten für vulgäre Zwecke. Der Wal präsentiert sich als etwas Edles und letztendlich Erhebendes, aber es kann sich einfach nicht verkaufen. Am Ende tappt das Projekt in die gleiche Falle wie Charlies wertende Besucher: Sie sehen nur ein Symbol, wo sie eine Person hätten sehen können.