Tilda Swinton folgt den Klängen in „Memoria“

Hallo! Ich bin Mark Olsen. Willkommen zu einer weiteren Ausgabe Ihres regulären Feldführers zu einer Welt von Only Good Movies.

Fortsetzung der Folgen von The Slap. Auch wenn es den Anschein haben mag, als wäre über die berüchtigte Ohrfeige aus der Oscar-Nacht nichts mehr zu sagen, hat die Akademie am Freitagmorgen eine Entscheidung über Disziplinarmaßnahmen gegen Will Smith getroffen, der bereits aus der Organisation ausgeschieden war. Diese Woche veröffentlichten Glenn Whipp und Josh Rottenberg auch den möglicherweise endgültigen Bericht über das, was in dieser Nacht passiert ist. (Mit atemberaubenden Bildern der Times-Fotografen Myung J. Chun und Robert Gauthier.)

Sie zitierten eine Quelle zu den scheinbar widersprüchlichen Berichten über die Ereignisse, die sich in dieser Nacht ereigneten: „Ich denke, jeder hat seine eigene Wahrheit. Es gibt ungefähr fünf Leute, die wirklich wissen, was in dieser Nacht passiert ist. Und in diesen unter Druck stehenden Momenten hätten die Dinge sicherlich von allen Seiten falsch ausgelegt werden können.“

Der schwarze Realismus der 90er kehrt zurück. Die American Cinematheque startet an diesem Wochenende eine Reihe mit dem Titel „Perpetratin‘ Realism: 1990s Black Film“ mit einer Vorführung von „New Jack City“ in Westwood und bringt den Film nur wenige Tage nach der Veröffentlichung an den Ort seines umstrittenen Starts im Jahr 1991 zurück Video von LAPD-Beamten, die Rodney King schlagen. Auf die Vorführung am Samstag folgt ein Q&A mit dem Regisseur und Schauspieler Mario Van Peebles. Weitere Filme, die für die einjährige Serie geplant sind, die in Kinos in ganz Los Angeles zu sehen sein wird, sind „Clockers“, „Menace II Society“, „Set It Off“, „I Like It Like That“ und „House Party“.

„Wir sprechen oft über die Macht des Films, marginalisierte Gemeinschaften zu repräsentieren. Aber die Bürde, „echt zu sein“ und die eigene Community authentisch darzustellen, kann für BIPOC-Filmemacher eine Falle sein“, sagte Roya Rastegar in einer Erklärung. Rastegar ist Co-Kurator des Programms, zusammen mit Felice Blake und Keith M. Harris. „Dieses Programm reflektiert und würdigt Filme aus den 1990er Jahren, die die Macht der Repräsentations- und Seriositätspolitik abgeschwächt und mit der Idee gespielt haben, was ‚echt‘ ist.“

David Lynchs „Inland Empire“. Ab sofort kehrt der letzte Spielfilm unter der Regie von David Lynch, „Inland Empire“ aus dem Jahr 2006, in einer neu remasterten Ausgabe unter der Aufsicht des Filmemachers in die Kinos zurück. Der Film ist eine entscheidende Auseinandersetzung mit der Ästhetik digitaler Videos sowie ein erschreckendes Psychodrama mit einer aufschlussreichen Darbietung von Laura Dern.

Wie Lynch zum Zeitpunkt der Veröffentlichung des Films zu Dennis Lim sagte, um die Identitätserforschung des Films zu erklären: „Das große Selbst ist mondostabil. Aber das kleine Ich – wir wehen wie trockene Blätter im Wind. … Es geht hin und her und es ist rutschig.“

Michael Mann und „Tokyo Vice“. In dieser Woche startete auch die neue HBO Max-Serie „Tokyo Vice“, die Geschichte eines amerikanischen Zeitungsreporters, der in Japan im Bereich Kriminalität arbeitet. Der Pilot wird von Michael Mann inszeniert, der auch ausführender Produzent der Serie ist, weshalb wir ihn hier erwähnen. (Wo Mann hingeht, folgen wir.)

Wie Robert Lloyd in seiner Rezension schrieb: „Wie viele der wirkungsvollsten Abenteuergeschichten scheut ‚Tokyo Vice’ keine Klischees; Es ist ein Korb voller Tropen, der nicht nur aus Polizeiverfahren und Zeitungsdramen, sondern auch aus Gangsterfilmen und Western bekannt ist. … Auch wenn man sie erkennt, grüßt man sie wie alte Freunde, weil sie hier gut geführt werden und der Serie einen soliden Kern geben, der sie auf Charakter konzentrieren lässt.“

‘Erinnerungen’

„Memoria“, der neueste Film des gefeierten thailändischen Filmemachers Apichatpong Weerasethakul, spielt in Kolumbien und spielt Tilda Swinton als Jessica, die von einem mysteriösen Geräusch gestört wird, das lauter und eindringlicher wird. Der Verleiher des Films, Neon, hat gesagt, dass der Film niemals als Streaming oder Heimvideo verfügbar sein wird. Wenn er also in Ihrer Nähe abgespielt wird, ist dies Ihre Chance, ihn zu sehen. Der Film ist jetzt im Landmark Nuart in West Los Angeles zu sehen und startet am 29. April in der American Cinematheque in Los Feliz 3; 13. Mai, Laemmle Playhouse 7, Pasadena; 3. Juni, Laemmle Noho 7, North Hollywood; und 24. Juni, Laemmle Glendale.

Bei der Rezension des Films für The Times schrieb Justin Chang über seine unkonventionelle Veröffentlichungsstrategie und merkte an, dass er „nicht anders konnte, als Neon dafür zu applaudieren, dass er ‚Memoria‘ nicht nur als einen weiteren Brocken streambarer Inhalte behandelt, sondern eher als Kunstwerk verlangt, zu seinen eigenen Bedingungen angegangen und unter den bestmöglichen Bedingungen erlebt zu werden. Anders ausgedrückt: Weerasethakul macht keine bequemen Filme, und unsere Kultur der sofortigen filmischen Befriedigung könnte kaum gegensätzlicher zu seiner Wahrnehmung der Welt sein. Und so spricht einiges dafür, dass sein Film sein Publikum in einem Tempo erreicht, das seinem eigenen ruhigen, meditativen Rhythmus entspricht.“

Für die New York Times schrieb AO Scott: „Das macht Weerasethakul nicht wirklich zu einem magischen Realisten, obwohl die südamerikanische Kulisse von ‚Memoria’ diese Beschreibung besonders verlockend machen könnte. Seine Vorstellungskraft ist philosophisch und spekulativ, und stilistisch ist er eher ein Dichter als ein Fabulist, der in den Lücken zwischen unseren verschiedenen Arten, die Welt zu verstehen, zu Hause ist. Seine Weigerung, es zu erklären, kann eine Herausforderung sein, und „Memoria“ erfordert Geduld und Aufmerksamkeit. Ich fand es eine emotional zerreißende und intellektuell erfüllende Erfahrung, aber keine, die ich einfach zusammenfassen oder einordnen kann, teilweise weil das Gefühl der radikalen Unsicherheit – Jessicas Gefühl, aber auch meins – ein wenig zu real war. Ihre allmähliche Loslösung von jedem stabilen Realitätssinn und ihre Beharrlichkeit trotz dieser Verwirrung kommen mir äußerst vertraut vor, auch wenn die Ursachen ihrer Entfremdung schwer fassbar bleiben.“

Für Vulture schrieb Roxana Hadadi: „Weerasethakul ist fasziniert von dem Kontrast zwischen Bewegung und Ruhe und von den Handlungen und Entscheidungen, die eins ins andere drängen. … Der resultierende Film wird von der stillen Anziehungskraft von Swintons Performance angetrieben, unterbrochen von den akustischen Texturen des Sounddesigners Akritchalerm Kalayanamitr und durchdrungen von der Melancholie von Weerasethakuls Erzählung, die Raum und Zeit in seiner Vorstellung davon, wer wir sind, zum Einsturz bringt warum wir sind.“

Für Artforum schrieb Amy Taubin: „Wenn wir sagen, dass ein Film kinetisch ist, beschreiben wir normalerweise die Wirkung seiner Bilder auf den Betrachter. Aber die Kinetik von Apichatpong Weerasethakuls „Memoria“ ist auditiv. Seine Wirkung ist so überwältigend, dass es lächerlich wäre zu sagen, wir hätten diesen Film gesehen oder gesehen. Nein Wir zugehört dazu, und das Hören wurde vom Sehen begleitet.“

‘Kuh’

Der Debüt-Dokumentarfilm von Regisseurin Andrea Arnold, bekannt für ihre lebhafte, expressionistische Arbeit an Filmen wie „Fish Tank“ und „American Honey“, „Cow“ ist genau das, die Geschichte einer Kuh namens Luma, ein größtenteils wortloses Porträt das Leben des Tieres auf einer Farm in England. Der Film ist jetzt in den Kinos und auf VOD.

Für den Tribune News Service schrieb Katie Walsh: „Obwohl es eine herausfordernde Uhr sein kann, hat ‚Cow’ nicht unbedingt eine bestimmte Agenda und ist keine Anklage gegen die Milchindustrie. Es bietet eine klare Beobachtung des Prozesses und lässt den Betrachter entscheiden. … Was Arnold in „Cow“ filmisch greifbar macht, ist die seelenvolle Spiritualität dieser Tiere, ihre Schönheit und ihre Emotionen. Er ist ebenso bewegend wie niederschmetternd, und obwohl dieser Film Geduld und Standhaftigkeit erfordert, belohnt er mit einem einzigartigen und perspektivenwechselnden Kinoerlebnis.“

Für die New York Times schrieb Beatrice Loayza: „Wir fühlen uns irgendwie mit diesen Tieren verbunden – nicht durch ihre kostbare, menschenähnliche Beziehung – sondern durch die zyklisch banalen und gründlichen Mittel, mit denen sie ausgebeutet, gemolken und nach aggressiven Zeitplänen gezüchtet werden, die ihre Körper vorzeitig nieder. Zu kurze Zeiten der Freiheit und Ruhepausen in Form von Weidegängen prägen Lumas Leben, aber für ewige „Angestellte“ wie sie ist es nur Arbeit und kaum ein Spiel.“

Für IndieWire schrieb Eric Kohn: „Das Wagnis von ‚Cow’ ist nicht gerade unerforschtes Terrain. Erst letztes Jahr lieferte die Schwarz-Weiß-Odyssee „Gunda“ eine wortlose Ode an das Leben eines Schweins und seiner unglückseligen Familie, während die Filmemacher Verena Paravel und Lucien Castaing-Taylor vom Harvard Sensory Ethnography Lab Großartiges geleistet haben versucht, mit „Leviathan“ und „Sweetgrass“ Poesie aus dem wirbelnden Chaos der natürlichen Welt zu gewinnen. Arnolds Arbeit leiht sich einige Aspekte dieser Werke aus, fühlt sich aber enger mit Lumas Nöten verbunden und deutet auf Schattierungen einer Persönlichkeit hin, auch wenn es kurz davor steht, sie zu vermenschlichen. Die Kuh ist keine Person. Stattdessen lädt ‚Cow‘ die Menschen dazu ein, die Welt als Kuh zu sehen.“

Für Variety schrieb Guy Lodge: „Nach vier Spielfilmen von immer kühner sinnlicher Besonderheit und befreiter weiblicher Perspektive scheint Arnolds erster Dokumentarfilm zunächst eine drastische formale Abkehr von ihrer früheren Arbeit zu sein. Dennoch gibt es hier mehr Kontinuität, als das (gefühlvolle, mit schweren Wimpern versehene) Auge erkennen lässt: Wenn man es als eine Studie über eingeschränkte weibliche Identität und rücksichtslos ausgebeutete Sexualität betrachtet, abzüglich der Fluchtmöglichkeiten, die den losgelassenen menschlichen Heldinnen von „Fish Tank“ und „American Honey“ eingeräumt werden ,‘ Es ist nicht schwer zu verstehen, warum der britische Filmemacher ‚Cow‘ jahrelang als Leidenschaftsprojekt gepflegt hat.“

Luma in Andrea Arnolds Dokumentarfilm „Cow“ aus dem Jahr 2021.

(IFC-Filme)

‘Eine Linie’

Unter der Regie und Co-Autorschaft von Valérie Lemercier und mit Valérie Lemercier in der Hauptrolle ist „Aline“ eine fiktive Erzählung über das Leben und die Karriere der Sängerin Celine Dion. Die Figur im Film heißt Aline Dieu, die Lieder sind die von Dion, allerdings gesungen von Victoria Sio. Die 58-jährige Lemercier spielt die Figur im Alter von 5 bis 50 Jahren und gewann ihren dritten César Award für ihre Leistung in dem Film. Der Film kommt jetzt in die Kinos.

Jen Yamato sprach mit Lemercier, der den Unterschied zwischen der eigentlichen Celine Dion und der Figur von Aline Dieu ansprach und sagte: „Aline ist zwischen Celine und mir. Könnte ‘Valine’ sein … vielleicht ist Aline eher französisch, wenn Sie sehr gut mit einem Quebecois-Akzent sprechen – Sie können sagen, dass meiner nicht sehr gut ist. Ich entschied mich dafür [focus on] die Liebesgeschichte, weil sie für mich das Wichtigste im Leben ist. Wenn ich alte Filme sehe, die ich gemacht habe, erinnere ich mich, wo ich war, war ich verliebt, wer war in diesem Moment mein Liebhaber – das ist das Einzige, woran man sich am Ende erinnert. Für mich ist es das Wichtigste.“

Für The Times schrieb Robert Abele: „Lemercier ist ein César-gekrönter französischer Bühnen- und Filmstar und eine Regisseurin mit einer Handvoll flotter Komödien auf dem Buckel, also sprechen wir nicht von einem großäugigen Dion-Fan, der Tribut zollt mit einer kunstvollen Kugel, bevor es wieder in Vergessenheit gerät. Und doch ist ‘Aline’ trotz aller Möglichkeiten ein Kopfkratzer, es hat eine verrückte Aufrichtigkeit in Bezug auf Talent, Ruhm, Vertrauen und Liebe. Wie eine üppige Ballade, die irgendwie sowohl falsch als auch in völliger Harmonie ist, ist sie anders als alles andere da draußen und sicherlich interessanter in ihren Swings und Misserfolgen als viele der maschinell gestempelten Promi-Biopics, die heutzutage die Filmlandschaft verunreinigen.

Für die New York Times schrieb Amy Nicholson: „Es erinnert an die Desorientierung, die Sängerin so zu entdecken, wie sie auf ihrem ersten Album war: eine 13-Jährige mit Snaggleteeth. Die Leidenschaft des Films ist unglaublich – aber, Junge, ist sie in etwas Peinlichem verkörpert. … Alles, was ‘Aline’ braucht, ist ein Punkt. Am nächsten kommt Lemerciers Beharren darauf, dass Dion nicht nur eine überlebensgroße Ikone, sondern auch ein Sterblicher war, mit nachvollziehbaren Sorgen um ihre Kinder, ihren Schlafplan und, ähm, sich in ihrer 40-Zimmer-Villa zu verirren. Zu diesem Zweck eröffnet und schließt Lemercier in einem Film voller Coverversionen (hervorragend gesungen von Victoria Sio) mit „Ordinaire“, dem Lied von Robert Charlebois: „Ich bin kein Zirkusfreak“, singt ihr Star und fügt hinzu: „Ich“ möchte verstanden werden.’“

Für den Rolling Stone schrieb K. Austin Collins: „’Aline’ kommt dem versprochenen unheimlichen, beunruhigenden Spektakel gefährlich nahe, mit einem ungewöhnlichen Schachzug im Zentrum des Films, nur damit das Ganze sanft und gnädig abebbt in eine sichere Zone. Was als eines dieser seltenen, unersetzbaren, vielleicht satirischen, vielleicht spießigen, Hochseil-Popkonfekte beginnt, verwandelt sich in ein ziemlich geradliniges Biopic über einen geliebten Superstar, der übermäßig vorsichtig zu sein scheint, ein lebendes Idol zu verärgern.“

Valérie Lemercier als Aline in „Aline“.

(Jean-Marie Leroy / Roadside Attractions und Samuel Goldwyn Films)