Die kanadische Inuit-Kehlkopfsängerin Tanya Tagaq macht Musik, die den Körper zu reinigen scheint. Die Form, die sie praktiziert, verwendet gutturale Klänge und Atemzüge, um eine physische Performance aus Stöhnen, Keuchen und Seufzen zu erzeugen, die eine Klanglandschaft beschwört, die abwechselnd rhythmisch und melodisch ist. Ihre Darbietung, zugleich animalisch und opernhaft, bringt einen Geist des Experimentierens in eine alte Tradition: Im Laufe ihrer Karriere hat Tagaq, eine Verfechterin der indigenen Rechte und kulturellen Praktiken, die Übung aktualisiert, um Schlagzeug, Electronica und sogar Sprache einzubeziehen – Wort Poesie. Es sind ihre Technik und ihre Vision, die sie zu einer der gefeiertsten und innovativsten Praktizierenden des viszeralen Stils ihrer Kultur gemacht haben.
Die Tradition des Inuit-Kehlgesangs entstand als spielerischer Wettbewerb zwischen Frauen. Normalerweise stehen sich zwei Darsteller gegenüber, jeder hält den anderen an den Armen und erzeugt Geräusche, die die Natur nachahmen – Grunzen, Kreischen, Kreischen, Gurren und Krähen –, damit der andere antworten kann. Das Spiel endet, wenn eine Person lacht oder außer Atem ist. Tagaq, der in einer Inuit-Familie in Nunavut geboren wurde, wuchs nicht mit dieser Form auf. (Die Trennung der Bindungen zwischen indigenen Völkern und ihren Gemeinschaften und Traditionen ist ein Hauptthema in ihrer Musik und ihrem Leben.) Als Tagaqs Familie in ihrer Kindheit in die Siedlung in Cambridge Bay verlegt wurde, fühlte sie sich unter Druck gesetzt, sich anzupassen; anderen Kindern wurde davon abgeraten, Inuktitut, eine Inuit-Sprache, zu sprechen. Erst als sie in ihren Zwanzigern und an der Universität war, machte ihre Mutter sie mit dem Kehlkopfgesang bekannt – der, wie Tagaq sagte, „erwachte [her] Knochen.“ Als Solo- und Autodidaktin hat Tagaq ihre Musikkarriere damit verbracht, die traditionelle Form mit Klängen zeitgenössischer Musik zu verschmelzen.
Tagaq wurde erstmals international bekannt, weil er bei mehreren Songs von Björks Album „Medúlla“ aus dem Jahr 2004 auftrat, das hauptsächlich a cappella aufgeführt wurde. Ihr Solodebüt gab sie 2005 mit „Sinaa“, einer weitgehend schmucklosen Ausstellung melodischen Kehlkopfgesangs. Tagaqs Musik nahm in den zwanziger Jahren eine explizit politische Wendung, beginnend mit „Animism“, dem Album von 2014, das ihr den renommierten kanadischen Polaris-Preis einbrachte. (Zu ihren Konkurrenten gehörten Drake und Arcade Fire.) Die Songs auf „Animism“ zeigten die Kraft und Bandbreite des Kehlkopfgesangs und unterstrichen Tagaqs Gesang mit klickenden Trommeln und beunruhigenden Streichern. Die Platte kreuzte Volksmusik, elektronische Musik und Umgebungsgeräusche in einer Erkundung des Umweltschutzes. „Retribution“ aus dem Jahr 2016 untersuchte den Schaden, den Menschen der Erde und einander zugefügt haben – und warnte vor den bevorstehenden Folgen. „Unsere Mutter wird wütend / Retribution wird schnell sein“, warnt sie im Titeltrack. Heute geht es in ihrer Musik mehr um Erneuerung als um Rache. Tagaqs neues Album „Tongues“ dringt tiefer in die Lyrik ein als alle ihre vorherigen Veröffentlichungen und balanciert die chorale Reflexivität des Kehlkopfgesangs mit detailreichem Geschichtenerzählen aus.
„Tongues“ entnimmt Gedichte aus Tagaqs Buch „Split Tooth“ aus dem Jahr 2018, das sich auf ihre persönliche Geschichte und Inuit-Folklore stützt. Das Buch, das vermissten und ermordeten indigenen Mädchen und Überlebenden des Heimschulsystems gewidmet ist, ist eine lose wahre Erzählung ihrer Lebensgeschichte. Mit dem geschriebenen Wort als Leitfaden grübelt „Tongues“ über das Leben der Inuit, koloniale Einmischung, Sprache, sexuellen Missbrauch und persönliche und gemeinschaftliche Heilung nach. Tagaqs Schrift hat etwas Konkretes, das sich auf Bilder von Wildtieren stützt: einem Tier die Haut abziehen, um ein Opfer zu ehren, oder einem Raubtier in die Luftröhre beißen, wie eine Mutter ihr Junges beschützt. In „Earth Monster“, einem Song, den sie für ihre Tochter geschrieben hat, konzentriert sich Tagaq auf körperliche Details – zuckende Augen, ein feuchter Mund, Hüften und Kniescheibe, Fleisch und Knochen, geteilte Flüssigkeiten – und wie sie die beiden miteinander verbinden. Über die neun Tracks hinweg erwacht ein ergreifender Bogen aus Verlust und Wiederherstellung zum Leben.
Auf „Tongues“ legt Tagaq mehr Wert auf Spoken-Word-Verse als auf früheren Alben. Hier schafft sie ein präzises Zusammenspiel von Sprache und Klang – an einigen Stellen wechselt sie zwischen den beiden Modi, an anderen behandelt sie ihre Worte als Vehikel für ihre abstrakten Äußerungen. Songs wie „Colonizer“ und der Titeltrack bieten durchdringend direkte Kommentare, und die klirrende Instrumentierung färbt das Album mit einer punkigen Sensibilität. In den bewegendsten Momenten des Albums verwandeln sich Tagaqs gesprochene Affirmationen über die persönliche Rehabilitation in eine Art Proto-Rap. Sie reiht Phrasen mit Wiederholungen aneinander und unterstreicht bestimmte Wörter mit phonetischer Kraft. Tagaqs Flexionen und Artikulationen werden auf „Do Not Fear Love“ geradezu faszinierend. „Ernte, iss, kaue, schlucke, verschlinge / all das Gute und die Liebe, die dir gegeben werden“, rezitiert sie, ihre Stimme wird lauter und leiser. Die Klänge des Kehlgesangs haben ihre eigene kunstvolle Qualität: Jedes einzelne Geräusch, das aus Tagaqs Mund kommt, ist bewusst und ausdrucksstark. Wenn sie auf „Teeth Agape“ Konsonanten ausspricht, ist es, als würde sie ihre Reißzähne entblößen.
Jedes Element des Albums ist darauf ausgelegt, Tagaqs Gesang zu ergänzen, aber die Beats hier sind mehr als nur Set-Dressing. Produziert von dem radikal multidisziplinären Künstler Saul Williams und gemischt von DJ Gonjasufi, bieten die Tracks einen summenden Unterton von Elektronik, der analoge Performance in erfinderische digitale Musik verwandelt. Wenn Kehlkopfgesang ein Zwei-Personen-Austausch sein soll, scheint die Produktion oft den zweiten Teilnehmer zu simulieren, mit tiefen Tönen und intensiven Schlagmustern. Bei Songs wie „Birth“ und „Nuclear“ scheinen sich Tagaqs Heulen und Kreischen in das Dickicht des manipulierten Sounds einzunisten. Aber auch ihre nonverbalen Darstellungen sprechen immer Bände.