„Stille Nacht“-Rezension: John Woos Comeback braucht mehr Saft

Der Tod eines Kindes verfolgt John Woos nachhaltigsten Hollywood-Erfolg, „Face/Off“ aus dem Jahr 1997, für den er in Erinnerung bleiben sollte. (Stören Sie sich nicht mit mir.) Es ist ein Zeichen der Genialität des Hongkonger Action-Meisters, dass er in der Lage ist, die ganze traurige Geschichte von Michael Archer, der von einer Kugel getötet wurde, die für seinen Vater bestimmt war, in einem wortlosen Zweier zu erzählen Eineinhalbminütige Eröffnungssequenz. Woo schickt den Film dann durch all das Face-Swap-Delirium, für das er berühmt ist, allerdings nicht ohne Boxenstopps in Trauer, Mitgefühl, Vergebung und sogar Adoption, ein letzter Schlag, der einem klar macht, dass man eine Art wahnsinnigen Klassiker sieht.

„Stille Nacht“, der erste amerikanische Film des Regisseurs seit 20 Jahren, wird Sie an vieles davon erinnern, aber auf eine Weise, die Sie das Woo von einst vermissen lässt – oder vielleicht auch nur die 1990er Jahre, als solch verrückte Konzepte atmen konnten freier. Wieder geht ein Kind zu Boden, ein zufälliges Opfer von Bandengewalt. Woo hämmert den Verlust mit einer Besonnenheit nieder, die verzweifelt wirkt: bedrückende blaue Düsternis, ein zusammenbrechender Weihnachtsbaum mit ungeöffneten Geschenken, eine funkelnde Spieluhr, die Traurigkeit hervorruft.

Um die Sentimentalität noch zu verstärken, spricht während des gesamten Films niemand, eine Entscheidung, die zum Teil auf eine schwere Halswunde zurückzuführen ist, die der Vater des Kindes, Brian (ein erschöpft aussehender Joel Kinnaman), erlitten hat, aber zunehmend eher eine Spielerei ist. Schwungvoll soll „Stille Nacht“ die Rückkehr eines visuellen Meisters ankündigen, doch die Dialoge waren nie Woos Problem. Seine besten Filme, wie die Action-Hitfilme „The Killer“ und „Hard Boiled“, wechseln sich zwischen Gun-Fu und aufrichtigen, konfessionellen Diskussionen ab, bei denen es um brüderliche Liebe geht.

Für ihn fühlt sich der neue Film zu einfach an, ein Thriller, in dem es nur um Rache geht. Der vom Drehbuchautor Robert Archer Lynn grimmig geplante Film „Stille Nacht“ raubt Brians Ehe die Hoffnung und schließt seine vernachlässigte Frau Saya (eine verschwendete Catalina Sandino Moreno aus „Maria voller Gnade“) vorzeitig aus der Geschichte aus. Unterdessen wird Brian nach einer langen Phase starken Alkoholkonsums mit einem dunklen Vorsatz wiedergeboren – und zwar am Osterwochenende, als er in seine Garage geht und beginnt, sich im Travis-Bickle-Stil für eine Vergeltungsmission zu formen. „Kill Them All“, kritzelt er auf einen dieser extragroßen Kalender, die man nur in Filmen sieht, und markiert die Tage bis zum schrecklichen Jahrestag mit einem dicken „X“.

Woos Filmemachen hat sich noch nie so konservativ angefühlt. Man kann es an Lynns reaktionärer Erzählung im „Death Wish“-Stil erkennen, aber auch an Brians finsteren Blicken im Eastwood-Stil auf seinen mit Müll übersäten Wohnblock, repräsentativ für ein Amerika, das eindeutig verkommen ist. (Die Produktion wurde in Teilen von Mexiko-Stadt gedreht, die Ost-Los Angeles heißen sollen.) Bedauerlicherweise steckt auch die Vorstellung des Regisseurs von Schurkerei in den 90er-Jahren fest: Drogendealer wohnen immer noch in Künstlerlofts, hören schreckliche Tanzmusik und … Tragen Sie Glatzen und gruselige Tattoos. Der große Übeltäter heißt hier Playa (Harold Torres) und man wünschte, die Casting-Abteilung hätte etwas mehr Freiheit, die Bedrohung zu verbreiten.

Zu spät, um einen großen Unterschied zu machen, schließt sich ein besonders nachdenklicher Detektiv (Kid Cudi) der Jagd nach Brians Ziel an, aber seine Anwesenheit wird in einem Film, der seinen Mund nicht aufmachen will, überflüssig. Wie auch immer, Kill Them All Day ist endlich da, also wer braucht ihn schon? „Stille Nacht“ explodiert in der Art von harter Gewalt, auf die wir gewartet haben: explodierende Köpfe, das ständige Klappern halbautomatischer Waffen, Verfolgungsjagden durch enge Gassen, gegen Wände geschleuderte Körper.

Man muss sagen, dass Woo diesbezüglich ein Visionär bleibt. Ein Moment ist so hinreißend dumm, dass ich vor Lachen auf meinem Sitz zitterte: Die Leiche eines kriminellen Kollegen wurde (zumindest in Zeitlupe) vom Beifahrersitz auf den Bürgersteig geworfen und war für den Feuergefecht nicht mehr von Nutzen. Diese Sequenzen, die von „Whiplash“-Kamerafrau Sharone Meir etwas untermalt wurden, werden durch Woos Kreativität ausgeglichen. Dennoch fliegen keine Tauben, weder im wahrsten Sinne des Wortes noch in unseren Herzen. Woo ist zu Größerem und Besserem fähig. Hoffen wir, dass der Regisseur beim nächsten Mal etwas aus Michael Bays jüngstem „Ambulance“ lernt – einer manischen, hyperventilierenden Rückkehr zur Form – und Schauspieler zusammenbringt, die bereit sind, offen über die Freuden des uneingeschränkten Chaos zu sprechen.