Steven Spielbergs autobiografische Coming-of-Age-Geschichte „The Fabelmans“ ist ein Film über Liebe, der die Beziehungen entfaltet, die ihn in seiner Kindheit und Jugend geformt haben, und über Selbstliebe – der Stolz eines jungen Erfolgsmenschen, der seinen eigenen Weg in die Multidimensionalität gegangen ist Erfolg. In erster Linie ist es ein tolles Garn, erzählt mit persönlicher Dringlichkeit, das die Erinnerung an seine Eltern und andere Älteste und die Erinnerungen an gemeinsame Erfahrungen mit seinen Geschwistern und Freunden ehrt. Es erfüllt ihn mit Genugtuung, von seinem jetzigen Standpunkt aus auf seine Herkunft zurückzublicken. Insofern Spielberg ein Holocaust-Drama mit Happy End machte, war es vorherbestimmt, dass sein autobiografischer Film geradezu triumphal sein würde. Die geschätzten, aber oft beunruhigenden Erinnerungen, die in „Die Fabelmans“ dargestellt werden, beziehen sich auf Ereignisse, die zwischen 1952 und 1965 stattfanden. Spielberg, der fünfundsiebzig Jahre alt ist, scheint sie sein ganzes Leben und seine Karriere lang mit sich herumgetragen zu haben, wie einen Schatz voller Schätze im Rohzustand, auf den Moment wartend, um etwas aus ihnen zu machen. Jetzt, wo er die Schachtel geöffnet hat, stellt sich heraus, dass die Steine durch die lange und holprige Fahrt in gleichmäßige Glätte gepeitscht wurden, mit ein wenig Politur von Spielberg und seinem Co-Drehbuchautor Tony Kushner, und nun stolz in allen ausgestellt werden ihr anmutiger Charme.
„The Fabelmans“ ist die Geschichte des Lebens des jungen Sammy Fabelman mit seiner Familie und seinesgleichen, die Entwicklung seiner filmischen Berufung und die untrennbare Verbindung zwischen diesen beiden Bereichen, dem Persönlichen und dem Künstlerischen. Es beginnt irgendwo in New Jersey im Jahr 1952, als Spielbergs Alter Ego etwa sechs Jahre alt ist (und von Mateo Zoryon Francis-DeFord gespielt wird). Sammy wird scheinbar zum ersten Mal von seinen Eltern, Mitzi (Michelle Williams), einer talentierten Konzertpianistin, die ihre künstlerischen Ambitionen beiseite gelegt hat, um eine Familie zu gründen, und Burt (Paul Dano), einem begabten Elektroingenieur, ins Kino mitgenommen ; Sie sehen Cecil B. DeMilles Melodrama „The Greatest Show on Earth“. Sammy ist besorgt, und seine Eltern überreden ihn: Burt tut dies wissenschaftlich und erklärt das Phänomen der Persistenz des Sehens, während Mitzi dies emotional tut und Filme Träume nennt – „glückliche Träume“, „Träume, die man nie vergisst“. Sammy ist sowohl begeistert als auch verängstigt von einer Unfallszene mit zwei Zügen und einem Auto und versucht, sie mit seinem eigenen elektrischen Zugset zu reproduzieren. Mitzi hilft Sammy dabei, mit Burts Heimkamera das Miniaturwrack zu filmen, damit er es sich ansehen kann, wann immer er will. Sammy ist hingerissen und rekrutiert bald seine jüngeren Schwestern Natalie (Alina Brace) und Reggie (Birdie Borria), um in seinen Do-it-yourself-Versionen von Horrorfilmen mitzuspielen (in Toilettenpapier eingewickelt, um Mumien zu spielen, Ketchup verwendend). als Bühnenblut).
Die Handlung springt in die frühen sechziger Jahre: Die Familie zieht nach Phoenix, wo Burt, der an einer frühen Version des Computerspeichers arbeitet, von General Electric eingestellt wird. Burts Kollege und bester Freund, der lebenslustige Bennie Loewy (Seth Rogen) – eine ständige Präsenz im Fabelman-Haushalt und ein alleinstehender Mann – wird mit ihm in Phoenix arbeiten und mit der Familie auf der Überland-Autofahrt reisen. Es ist ein charmanter Aha-Moment, als der inzwischen heranwachsende Sammy (Gabriel LaBelle) Burt bittet, auszusteigen und wieder einzufahren, als das Auto in die neue Einfahrt der Familie einfährt, damit er die bedeutsame Ankunft filmen kann.
Als Spielfilmer (Stummfilme, mit Home-Movie-Equipment) macht sich Sammy bald einen lokalen Namen: Nachdem er John Fords „The Man Who Shot Liberty Valance“ (erschienen 1962) gesehen hat, dreht er zunächst einen Western, sogar überraschend sein Vater mit seinem technischen Einfallsreichtum; und dann ein Actiondrama aus dem Zweiten Weltkrieg. Aber Sammys folgenreichste Filme entpuppen sich als zwei Dokumentarfilme. Der erste entsteht aus einem aufwändigen Versatzstück – einem der beiden, um die sich Sammys Leben dreht –, in dem sein Erwachsenwerden ein entscheidendes Bewusstwerden mit sich bringt. Die Familie und Bennie sind auf einem Campingausflug, bei dem Burt den Kindern Naturwissenschaften beibringt und Bennie ihnen viel zu lachen bietet. Es gibt einen spektakulären Moment, als Mitzi, die ein durchsichtiges Kleid trägt, in einen verzückten, balletischen Tanz ausbricht, den Bennie Sammy auffordert, zu filmen. Was Sammy während der Reise filmt, ist ein Geheimnis, das die Familie zu zerreißen droht.
Der springende Punkt des Dramas ist Mitzis Kampf mit ihrem Opfer: Nachdem sie ihre künstlerische Karriere für die Liebe zu Burt, ihren Kindern und einem geregelten Familienleben aufgegeben hat, kämpft sie darum, ihre Fassung, ihre geistige Gesundheit und ihre Identität zu bewahren. Einen tragfähigen Kompromiss scheint sie in Phoenix zu finden, wo sie klassische Musik in Radiokonzerten aufführt. Dann wird Burt inmitten seiner wissenschaftlichen Durchbrüche von IBM eingestellt, und die Familie zieht – ohne Bennie – nach Nordkalifornien. Sowohl Mitzi als auch Sammy geht es dort schlecht – Mitzi in ihrer Ehe und Sammy in seiner neuen Highschool als Ziel antisemitischer Mobber. (Mit Sammys zweitem Dokumentarfilm, einer Aufzeichnung eines Highschool-Übergangsritus, erhascht er einen flüchtigen Blick auf die Mysterien der Macht der Sterne und entdeckt ihre weltlichen Verwendungen.)
Auf dem Weg zum unausweichlichen Happy End des Films profitiert Sammy von Mitzi und anderen Familienmitgliedern, einschließlich seines älteren Großonkels Boris (Judd Hirsch), einem ehemaligen Varieté- und Stummfilmschauspieler, über die Heiligkeit seiner Berufung . Die emblematischen Dialoglinien stehen am Rande von Slogans: „Familie, Kunst: Sie wird dich entzweireißen“; „Schuld ist eine vergeudete Emotion“; „Es ist schwer, mit einem Genie verheiratet zu sein“; „Du schuldest niemandem dein Leben“; „Wir werden uns immer kennen.“ Er lernt, dass seine Eltern keine Einheit sind, nicht nur Spender von Aufmerksamkeit und Zuneigung, nicht nur Instrumente seiner Wünsche, sondern unabhängige Individuen mit einem eigenen Leben. Er lernt sie bewundern, besonders seine Mutter, die Künstlerin, auch wenn er auch (ganz auffällig) das technische Erbe seines Vaters wiedererkennt. (Auch Bennie kommt auf seine Kosten – der junge Sammy erkennt das große Herz, die emotionale Verbundenheit hinter dem Spaß.) Was Sammy vor allem lernt, ist, niemals seine Arbeit für das Familienleben zu opfern. Beziehungen kommen und gehen, aber was du erreichst, ist dein eigenes, und ohne sie hast du nichts zu bieten; Sie sind abgeschnitten, frustriert, erstickt, beschädigt, vermindert.
Indem er seine Erinnerungen ausgräbt und ausarbeitet, erzählt Spielberg diese Geschichte mit einer freischwingenden Kraft, die er nur in „1941“ erreicht hat – und die dort durch eine antische Scherzhaftigkeit verstärkt wurde, die dem warmherzigen, gut gelaunten, zutiefst aufrichtigen völlig fehlt „Fabelmänner.“ Spielbergs gewohnt auffällige visuelle Virtuosität wird hier seinem nuancierten, schillernden, spannend detaillierten Geschichtenerzählen weitgehend untergeordnet, seiner inbrünstigen Aufmerksamkeit für das Nebensächliche und die Feinheiten, die eine Anekdote zum Erlebnis machen. Nebenfiguren wie Sammys Großmutter väterlicherseits (Jeannie Berlin) und seine mittleren Schwestern Natalie und Reggie in ihren Teenagerjahren (gespielt von Keeley Karsten und Julia Butters) und seine Highschool-Freundin Monica (Chloe East) beleben den Film mit impulsiven und stilvollen Schnörkeln. (Easts Trick mit einer Dose Haarspray prahlt mit brillantem Timing.) Spielbergs Schauspieler scheinen hier einen erheblichen Spielraum zu haben und ihn genial zu nutzen. Rogen stürzt sich mit erfinderischer Energie in seine Rolle, und Williams – trotz der etwas einschränkenden Ernsthaftigkeit des Schreibens für Mitzis Charakter – bietet durchdringende Momente voller Ausdruckskraft.
Doch trotz all seiner Zärtlichkeit, Empathie, Wärme und Verve hat „The Fabelmans“ das Gefühl, einen Mythos zu erschaffen – ein abendfüllendes Werbevideo für eine autorisierte Biografie eines Filmemachers, der zwar alles andere als selbstgemacht ist, aber auf jeden Fall selbstfahrend. Was fehlt, ist ein Sinn für Geschichte. Spielberg selbst fehlt es sicher nicht; Viele seiner gefeiertsten Filme sind ausdrücklich politisch und historisch. Der größte Teil von „The Fabelmans“ spielt zwischen 1962 und 1965, folgenreiche Jahre im amerikanischen Leben. Dennoch deutet fast nichts in dem Film darauf hin, dass das Leben der Fabelmans irgendeine Verbindung zu Ereignissen in der Welt um sie herum hat. Die Bürgerrechtsbewegung, der Kalte Krieg, die John Birch Society, der Kriegsbeginn in Vietnam? Die einfache Tatsache, dass junge Männer zum Militärdienst eingezogen werden konnten? Atombombenübungen? Die Kuba-Krise? Der Marsch auf Washington? Die Ermordung von John F. Kennedy? Gab es Schwarze oder Hispanoamerikaner in Arizona, in Kalifornien? Wenn ja, muss Spielberg sie sehr schüchtern und ruhig gefunden haben. Es gibt auch kein Gefühl für die eigene jüdische Identität der Fabelmans, keine familiären Migrationsgeschichten, keine Verbindung des Antisemitismus mit der Geschichte oder der damaligen Politik, keine Vorstellung von den kulturellen oder moralischen Besonderheiten der Familienreligion. Was Spielberg anbietet, ist eine erzählerische Zeitspanne, die sich in der Isolation persönlicher Belange abspielt, die von den bürgerlichen völlig losgelöst sind. Es ist der Mythos eines Privatlebens, das auch in solcher Isolation existieren kann – Amerika ohne Graffiti.
Ein Teil der grundlegenden Mythenbildung von „Die Fabelmans“ ist Spielbergs Konstruktion seines eigenen gewählten Erbes, insbesondere der Vaterschaft. Sein richtiger Vater Burt ist zu kalt – zu ernst, zu vernünftig, zu zurückhaltend. Sein allgegenwärtiger Vaterersatz Bennie ist zu heiß – zu laut, zu frivol, zu lässig, zu viel. Sammy ist auf der Suche nach einem Ersatzvater und findet einen bei einer zufälligen Begegnung mit dem Regisseur John Ford (gespielt von David Lynch mit köstlichem Humor).
Vor allem aber ist Spielbergs Gründungsmythos das Kino selbst. Wenn ich seine Karriere auf einem Bein stehend definieren müsste, wäre es diese: die Gefühlswelt des Prime-Time-Fernsehens in die Form des klassischen Hollywood-Kinos zu bringen. Spielberg macht sich ausdrücklich das kulturelle Erbe des klassischen Hollywood zu eigen, sei es durch die freundliche Vaterschaft von John Ford, die inspirierende Wirkung von Fords „Der Mann, der Liberty Valance erschoss“ auf den Teenager Sammy oder die traumatischen Auswirkungen von DeMilles Film von 1952 auf Sammy als Kind. Was jedoch fehlt, ist das Fernsehen. Es gibt kein Wort oder eine Szene über die scheinbar Tausende von Stunden, die der junge Sammy vor dem Fernseher verbracht hat, bevor er der selbstbewusste Highschool-Autor wurde. Die Hauptpräsenz des Fernsehens in „The Fabelmans“ sind Techno-Möbel – es gibt eine ganze Reihe von Fernsehgeräten der frühen Generation im Hintergrund des Kellers der Familie, 1952, weil Burt als Mechaniker nebenbei arbeitet. Doch Spielberg leugnet den déclassé-Einfluss der populären Fernsehsender zur Hauptsendezeit und des Kinderfernsehens der fünfziger und frühen sechziger Jahre zugunsten der verehrten Tradition der Hollywood-Autoren. Das Fernsehen aus seiner Mythologie zu streichen, ist für Spielberg analog zu den Arbeiterregisseuren Erich Stroheim und Josef Sternberg, die ihren Namen das aristokratische „von“ hinzufügen. ♦