1962 versuchte der Rhythm-and-Blues-Sänger und Pianist Ray Charles etwas Neues, Unerwartetes und potenziell Gefährliches für seine Karriere. Für sein 17. Album Moderne Klänge in Country- und Westernmusik, nahm er Standards von Titanen wie Hank Williams und Don Gibson auf. Doch statt Pedal-Steel-Gitarren und Geigen entschied sich Charles für eine Big-Band-Orchestrierung und opulente Streicher. Sein Plattenlabel und seine Kollegen lehnten das Konzept zunächst ab. Sie argumentierten, dass er seine überwiegend afroamerikanischen Fans verwirren würde, von denen angenommen wurde, dass sie sich nicht für Country-Musik interessieren, und keine weißen Verbraucher anziehen würde, die von der Interpretation eines schwarzen Mannes für das Genre abgeschreckt werden könnten. Jedoch, Moderne Klänge war ein sofortiger Hit, verkaufte sich in den ersten drei Monaten eine halbe Million Mal und erhielt eine Grammy-Nominierung für das Album des Jahres. Es bewies, dass Country-Musik eine reife Landschaft für schwarze Experimente sein könnte.
Und doch wurden schwarze Musiker nicht als tragende Säulen in der Szene begrüßt. Mit Ausnahme des Schlagersängers Charley Pride aus den 1960er Jahren blieben Country-Radiosender und Charts praktisch den Weißen vorbehalten. In den frühen 2000er Jahren, teilweise beflügelt durch einen kulturellen Wandel nach dem 11. September, waren die Songtexte aggressiver nationalistischer geworden, und Flaggen der Konföderierten waren ein wiederkehrender Anblick bei Konzerten (ein Trend, der erst seit kurzem Anzeichen des Verblassens zeigt). In den letzten Jahren haben einige Country-Musiker die regressiven Normen ihrer Branche kritisiert – auch wenn beispielsweise der Singer-Songwriter Morgan Wallen weiterhin kommerziellen Erfolg hat, nachdem er rassistisches Verhalten gezeigt hat.
Aber es zeichnet sich auch ein anderes Muster ab. Sechzig Jahre später Moderne Klänge, fordert eine neue Generation schwarzer Künstler erneut Genregrenzen heraus und macht sich einen fließenden, nicht statischen Country-Stil zu eigen. Durch die Mischung traditioneller Country-Elemente mit zeitgenössischen schwarzen Einflüssen wie Hip-Hop, Trap und R&B tragen junge Künstler wie Willie Jones, Rvshvd und Breland den erfinderischen Geist, den Charles 1962 feierte, weiter. Country ist seit langem für seine Nostalgie bekannt Oden und Zauber mit der „guten alten Zeit“. Aber diese Musiker lassen sich stattdessen von einem weniger anerkannten, aber ebenso reichen Erbe inspirieren – einem, das die schwarzen Vorgänger offenbart, die das Genre von seinen Anfängen an geprägt haben.
Willie Jones steht an der Spitze dieser Crossover-Renaissance und macht Songs, die aus Country, Trap, Soul und Pop stammen. Geboren in Shreveport, Louisiana, wuchs er umgeben von Country-Musik auf; Als Teenager fühlte er sich wegen des ähnlich tiefen Baritons des Stars zum Sänger Josh Turner hingezogen. Im Jahr 2012 erhielt Jones seine erste Dosis nationaler Aufmerksamkeit, nachdem er Turners Single „Your Man“ während eines Vorsprechens für Der x Faktor. Aber als Jones Karriere begann, war er enttäuscht, keine Künstler zu finden, die ihm ähnlich sahen. „Ehrlich gesagt hatte ich im Mainstream-Country-Bereich nicht allzu viele andere Skinfolks, mit denen ich mich identifizieren konnte“, sagte er mir, „bis ich anfing, wirklich zu graben.“
Graben Sie tief genug in den fruchtbaren Boden der amerikanischen Musik, und Sie werden ein schwarzes Fundament ans Licht bringen. Rock ‘n’ Roll würde ohne den Blues nicht existieren, dem selbst Black Spirituals und Field Hollers vorausgingen. Auch die frühen Country-Sänger wurden von schwarzen Bluesmusikern informiert – und in einigen Fällen unterrichtet. Die Carter Family entwickelte ihren charakteristischen Stil, nachdem sie von der Black-Gitarristin Lesley Riddle gelernt hatte. Als kleiner Junge in Alabama lernte Hank Williams von einem Musiker namens Rufus „Tee-Tot“ Payne, wie man singt und Gitarre spielt. Ein junger Johnny Cash wurde von dem Banjospieler Gus Cannon betreut. „Die Wurzel der Country-Musik ist der Blues“, sagte Jones, „und es ist höllisch schwarz.“
Obwohl weiße Country-Musiker in der Vergangenheit durch das Studium (oder die Aneignung) der Arbeit schwarzer Künstler zu Reichtum und Ruhm gelangten, hatten schwarze Künstler selten die gleiche Gelegenheit, mit Genres zu experimentieren. Indem sie sich auf verspielte, heterogene neue Sounds stützen, etablieren Jones und seine Kollegen ihren Platz in einer der ältesten Traditionen der Country-Musik.
Tracks wie „Old Town Road“ von Lil Nas X, „The Git Up“ von Blanco Brown und „My Truck“ von Breland zeigten dem Publikum, dass schwarze Songwriter eingängige, Country-beeinflusste Hits schreiben konnten. In den letzten Jahren sind zeitgenössische Sänger wie Coffey Anderson der Star von Netflix Land für immer, haben die Aufmerksamkeit der Mainstream-Presse genossen, ebenso wie andere relative Newcomer – darunter das Trio Chapel Hart, das sich auf zarte Harmonien mit Rock-Touch spezialisiert hat, und Reyna Roberts, die mit voller Kraft und Zuversicht Melodien schmettert. Die pop-freundlichen Sänger Jimmie Allen und Kane Brown führen regelmäßig die Country-Charts an und gewinnen renommierte Musikpreise und Nominierungen. Ein neues Kollektiv aus Country-, Folk- und Americana-Künstlern namens Black Opry geht diesen Herbst als tourende Revue auf Tour. Diese Musiker zeichnen sich sowohl durch eine fließende Beherrschung der wichtigsten Grundsätze des Genres aus – Geschichtenerzählen, Aufrichtigkeit, schnörkellose Arrangements – als auch durch ein Ohr für kreative Interpolationen von Blues, Gospel und Soul.
Sie können diesen Ansatz in der Arbeit von Clint Rashad Johnson sehen, der als Rvshvd aufnimmt und in Willacoochee, einer kleinen ländlichen Stadt im Süden von Georgia, geboren und aufgewachsen ist. „Wir haben zwei Tankstellen. Wir haben zwei Restaurants. Sobald du reinkommst, kommst du wieder raus“, erzählte mir der 25-Jährige mit einem Hauch von Stolz in der Stimme. Anfang 2020 nahm Johnson eine Country-Version von Mustard und Roddy Ricchs „Ballin’“ auf, mischte 808-Trap-Drums mit Akustikgitarre und überarbeitete Texte (ersetzte zum Beispiel den Drink „lean“ durch „Bud Light“). Er hat es auf TikTok hochgeladen und es wurde viral, mit bisher mehr als 25 Millionen Streams auf mehreren Plattformen.
Es folgte eine Flut von Originalmaterial: die Rock-Country-Hymnen „Raised Up“ und „Never Change“, der Hip-Hop-Hoedown-Song „My Side of Town“ und „Dirt Road“. Das letzte beginnt mit einem Sample einer Geige und einer Akustikgitarre, bevor es in einen minimalistischen Rhythmus aus Snares und Hi-Hats eintaucht, der vom renommierten Produzenten Troy Taylor erfunden wurde. Johnsons reicher südlicher Zug liefert zutiefst autobiografische Texte: „Könnte Hood sein, aber wir leben auf dem Land / Steigen Sie auf eine unbefestigte Straße und finden Sie einige Probleme, um hineinzukommen / Ich nehme keine Almosen, gehe raus und arbeite / Hol es aus dem Schlamm, Wir sind im Dreck aufgewachsen.“
Sich an den Stiefeln hochzuziehen und soziale oder finanzielle Nöte zu überwinden – „aus dem Dreck holen“ – ist sowohl im Country als auch im Hip-Hop ein bekannter Refrain. Johnsons Texte spiegeln auf subtile Weise die Verwandtschaft dieser beiden Genres wider, die sich beide als Ausdrucksmittel für historisch marginalisierte Gemeinschaften entwickelt haben, sei es im ländlichen Süden oder in geschäftigen Küstenstädten. Country und Hip-Hop haben sich über ihre Straßen- und Arbeiterursprünge hinaus zu zwei der meistverkauften Musikgenres entwickelt, aber jede Kunstform zelebriert immer noch den Primat der persönlichen Erfahrung.
Black Country erzählt eine ebenso facettenreiche wie generationenübergreifende Geschichte. Letzten Monat veröffentlichte Daniel Breland (der als Breland aufnimmt) sein Debütalbum in voller Länge. Querfeldein. Es ist eine deutliche Abkehr von seiner Breakout-Single „My Truck“. Anstatt sich ausschließlich auf Falleneinflüsse zu konzentrieren, Querfeldein ist eine Sammlung eleganter Pop-Refrains, langsamer Balladen und Duette mit Stars wie Lady A und Mickey Guyton. Das ungemein tanzbare „Natural“ ist eine Hommage an die von Shania Twain populär gemachten Crossover-Melodien; „Praise the Lord“ zeigt Brelands kirchliche Erziehung; „Thick“ und die Keith-Urban-Kollaboration „Throw it Back“ erinnern an den Trap-Country-Sound, mit dem sich Breland zunächst einen Namen gemacht hat.
Querfeldein bestätigt nicht nur seine Vielseitigkeit als Songwriter, sondern auch die Breite des Genres selbst. „Einige der Songs auf diesem Projekt werden Leuten, die damit vielleicht nicht so vertraut sind, neue Sounds, Ideen und Instrumentierungen vorstellen“, sagte Breland mir kurz vor der Veröffentlichung des Albums. In den Wochen seitdem Querfeldein hat es bis zum geschafft Werbetafel Charts – sowohl in den Länder- als auch in den breiteren Top-200-Kategorien. Die Branche führt endlich fort, was Ray Charles vor 60 Jahren ins Rollen gebracht hat.
Für Willie Jones ist die Enttäuschung, die er empfand, als er zu Beginn seiner Karriere auf der Suche nach anderen schwarzen Country-Künstlern war, Ermutigung und Optimismus gewichen. „Es ist großartig zu hören [about] Schwarze, die ihre Geschichten einfach authentisch erzählen und die Instrumente verwenden, die sie verwenden möchten, die Phrasierung, die sie verwenden möchten“, sagte er. „Ich habe das Gefühl, dass im Moment jeder im Genre, besonders die jungen Leute, die auftauchen, ohne Entschuldigung sie selbst sind.“