Zwischen 1950 und 1960 stieg der Fernsehbesitz in den Vereinigten Staaten von neun Prozent der Haushalte auf siebenundachtzig Prozent. Im selben Jahrzehnt ging die Zahl der an Kinokassen verkauften Tickets um etwa ein Drittel zurück. Hollywood wehrte sich mit spektakulären Produktionen mit Technologien, die für das Fernsehen damals nicht verfügbar waren – Farbe, Breitbild, 3D-Bilder und Stereoton – und machte sich in Frank Tashlins Komödie „Will Success Spoil Rock Hunter? Jetzt, da das Kino wieder bedroht ist, diesmal durch den Anstieg des Streamings, ist die Hollywood-Verspottung zurückgekehrt, in der insgesamt kleineren, aber großartigeren Form von “Space Jam: A New Legacy”, die – in einer der drolligen Ironien der Branche – war für den Kinostart produziert, aber stattdessen letzten Freitag auf HBO Max veröffentlicht. (Der Film wird vom Studio Warner Bros. produziert, das unter der gleichen WarnerMedia-Corporate wie der Streaming-Dienst steht.)
Wie Tashlins überschwängliches Meisterwerk konzentriert sich Malcolm D. Lees effektorientierte Komödie auf die technologische Kluft zwischen den Generationen – mit einer entscheidenden Wendung. Während der frühere Film einen Werbemanager mittleren Alters gegen seine jugendliche Nichte spielt, die eine eingefleischte und bedingungslose Fernsehschauerin ist, wurzelt die Fortsetzung von „Space Jam“ in Konflikten zwischen LeBron James (der sich selbst spielt) und seinem fiktiven Sohn Dom ( gespielt von Cedric Joe), der ungefähr zwölf Jahre alt zu sein scheint und ein frühreifer Videospiel-Schöpfer ist, den LeBron (der Charakter) darauf drängt, im Basketball erfolgreich zu sein. LeBron lässt Dom nicht an einer Videospiel-Konferenz teilnehmen, die am selben Wochenende stattfindet wie ein Basketballturnier, für das er sich angemeldet hatte. Als kleinen Trost nimmt LeBron Dom mit auf einen Ausflug ins Warner Bros. Studio. Dort trifft sich der NBA-Star mit Führungskräften (Sarah Silverman und Steven Yeun), die ihm ein neues Unterhaltungsprojekt namens Warner 3000 vorstellen. Die Idee ist, LeBron zu scannen und in Filme aller Art wie „Batman vs. LeBron“, „LeBron of Thrones“ und „LeBron und die Kammer des Schreckens“. Im Verkaufsgesprächsvideo heißt es: „Die Möglichkeiten sind endlos. Sie werden der König von Warner Brothers sein. . . und gemeinsam werden wir für immer überwältigende Unterhaltung schaffen.“
LeBron weist die Idee zurück (und die unterwürfigen Führungskräfte folgen seinem Beispiel), aber ohne sein Wissen werden die Überwachungskamera und die Mikrofone des Sitzungssaals von dem Bösewicht des Films, Al G. Rhythm (Don Cheadle), entführt, der die Warner 3000-Technologie erfunden hat. Er fühlt sich von der Ablehnung gedemütigt und plant seine Rache, indem er LeBron und Dom mit Scans in sein Serververse saugt, das von allen früheren Warner Bros.-Eigenschaften wie Looney Tunes bewohnt wird. Al G. rekrutiert Doms Frustration und rekrutiert ihn, um ein Basketballteam in einem hochkarätigen Grollspiel gegen seinen Vater und die Looney Tunes zu führen. Wenn LeBrons Team gewinnt, können alle – einschließlich des riesigen Publikums gewöhnlicher Menschen, das durch Al Gs Entführung von Doms App ins Serververse gesogen wurde – ins wirkliche Leben zurückkehren. Aber wenn Doms Team gewinnt, bleiben alle digitalen Gefangenen für immer auf dem Server, als bloße Charaktere in einem Videospiel – und außerdem werden die Looney Tunes gelöscht.
Der schleppende Film braucht eine halbe Stunde, um LeBron und Dom ins Serververse zu bringen, und eine weitere halbe Stunde, um das Spiel in Gang zu bringen. In der Zwischenzeit verkehrt LeBron – in Old-School-Cel-Animation gerendert – mit dem Haufen Looney Tunes und anderen animierten Charakteren herum, während Al G., der Doms Selbstvertrauen gewinnt, sein Videospiel und die dazugehörige Software stiehlt und LeBron und die Looney Tunes verwandelt in hochauflösende, realistischere CGI-Versionen ihrer selbst. Das Spiel selbst, ein Kampf durch eine nicht überraschende und langwierige Reihe dramatischer Umkehrungen und sentimentaler Höhepunkte, scheint Al Gs Drohung der Ewigkeit zu erfüllen. Der Film ist voller Witze, aber fast ohne Humor. (Das komödiantische Versagen wird durch die Tatsache bewiesen, dass Yosemite Sam und seine Waffen den besten Gag liefern.) Obwohl „Space Jam: A New Legacy“ als ästhetisches Objekt und als Seherlebnis kläglich scheitert, ist es dennoch irgendwie erfolgreich als konzeptionelle Darstellung des Terrors eines Hollywood-Studios angesichts der Streaming-Dominanz, der Filmindustrie im Allgemeinen, die wie Warner Bros. dabei ist, von dem einen oder anderen Serverversum verschlungen zu werden. Ein Regisseur mit tashlinesischer Vorstellungskraft und Inspiration hätte etwas aus der Prämisse machen können, und der Film hatte irgendwann einen solchen Regisseur – Terence Nance, der das Projekt 2019 aufgrund kreativer Differenzen verließ (aber im Bataillon bleibt) anerkannter Drehbuchautoren).
Interessant an „Space Jam: A New Legacy“ ist das Konzept: Sparen Sie sich die hundertfünfzehn Minuten und lesen Sie eine Inhaltsangabe, dann denken Sie über die Metaphern nach. Die Digitalisierung von Menschen in einen Server reißt sie nicht buchstäblich aus der Welt – doch wenn das Missverhältnis zwischen Bild und Realität zu groß ist, wenn das öffentliche Bild die private Existenz dominiert, kann es tatsächlich so erscheinen. Der Terror der Filmwelt angesichts des Serverversums besteht erstens in der Entmaterialisierung und Bildfälschung, wie bei den Pseudo-LeBrons, die das Studio filmisch klonen und einsetzen würde. Zweitens liegt es in der Ausbeutung der Geschichte, der Manipulation der etablierten Formen von Legacy-Filmen mittels CGI für eine neue Generation von gefangenen Konsumenten. Drittens ist es die ultimative Gefahr einer serverbasierten digitalen Zentralisierung, nämlich die Macht zu löschen, die Vergangenheit buchstäblich zu zerstören. (Als die Studios von einst Drucke verschickten, konnten Drucke sogar ohne ein zentrales Archiv auf die verfluchteste Weise überleben – siehe Bill Morrisons Dokumentarfilm „Dawson City: Frozen Time“.)
Durch einen seltsamen Zufall hat das Thema von „Space Jam: A New Legacy“ der räuberischen Manipulation digitalisierter Abbilder ein dokumentarisches Gegenstück in „Roadrunner: A Film About Anthony Bourdain“. „Roadrunner“ ist vielleicht der am meisten diskutierte aktuelle Dokumentarfilm, nicht wegen seiner künstlerischen Leistung, sondern wegen ein bisschen digitaler Trickserei seines Regisseurs Morgan Neville. Wie er meiner Kollegin Helen Rosner letzte Woche sagte, wollte Neville, dass der Film Bourdain enthält, der drei Textzeilen spricht, für die es keine Sprachaufzeichnungen gibt, also beauftragte Neville „eine Softwarefirma, eine KI-generierte Version von Bourdains Stimme zu erstellen“. In seinem Gespräch mit Rosner wies Neville leichtfertig alle Bedenken zurück, die die Enthüllung seines Tricks aufwerfen könnte: “Wir können später ein dokumentarisches Ethik-Panel darüber haben.”
Doch das eigentliche Problem bei „Roadrunner“ ist nicht ethisch, sondern ästhetisch. Der Dokumentarfilm ist ein reines enzyklopädieartiges Info-Produkt, das sein reichhaltiges audiovisuelles Archivmaterial und seine herzlichen Interviews mit Menschen, die Bourdain kannten und liebten, auf gefriergetrocknete Ton- und Bildhäppchen reduziert. Es verdient kaum die Aufmerksamkeit, die ihm zuteil wird – und Nevilles Audio-Gag, weit davon entfernt, den Film zu beschädigen, dient lediglich als dreiste Form der Eigenwerbung. Was das Gimmick vor allem zeigt, ist die Ersetzung von Chuzpe für Kühnheit. Neville verwendet synthetisierte Stimmen in einer kleinlichen, nagenden Art und Weise, als ob er beweisen wollte, dass er über die Skrupel steht, die andere Dokumentarfilmer daran hindern, die gewünschten Effekte zu erzielen. Dabei macht er mit seinem bourdainoiden Stimmspielzeug eigentlich nichts besonders Einfallsreiches, Originelles, Bemerkenswertes oder Bemerkenswertes. Wenn Neville fabrizieren will, lass ihn auffällig, reichlich und frei fabrizieren, anstatt ein paar dekorative Stimmclips einzufügen. Ein so mächtiges Werkzeug zur Hand zu haben und es auf so kleine, rein dekorative Weise zu verwenden – nicht mit einer vollen und kühnen Kreativität – deutet erstens auf seinen Mangel an Vorstellungskraft und zweitens auf sein Gespür hin, dass er tat tatsächlich etwas Unanständiges. Diese triviale Möchtegern-Übertretung lässt Neville sich als böser Junge des Dokumentarfilms ausgeben, auch wenn sein formelhafter Film pflichtbewusst den Regeln folgt.
„Space Jam: A New Legacy“ verdreht in seinem metaphorischen Händeringen in Bezug auf digitale Medien auch sein eigenes Konzept, indem es die Ethik des digitalen Kinos durch die Ästhetik ersetzt. Das Problem bei CGI-Filmen ist nicht die digitale Technologie, sondern ihre Verwendung. Martin Scorseses auffälliger Einsatz digitaler Bildmanipulation in „The Irishman“ und sein heimlicher Einsatz in „The Wolf of Wall Street“ machen ihn zum vielleicht größten Spezialeffekt-Filmemacher der Ära. Miranda Julys digitale Wunder in „The Future“ und „Kajillionaire“ gehören ebenso zu den großen Inspirationen der jüngsten Filme wie die computergenerierten Visionen von Jim Jarmusch in „The Dead Don’t Die“ und von Bruno Dumont in „Coincoin and the Extra-Humans“ – und übrigens von Terence Nance in der HBO-Serie „Random Acts of Flyness“. Die Fetischisierung von 35-mm. Film und handgezeichneter Animation suggeriert die erbärmliche Originalität, mit der der Großteil des korporatisierten, infantilisierten modernen digitalen Kinos gemacht wird, nicht die fehlenden Möglichkeiten, die digitale Medien bieten. Hätte Nance bei „Space Jam: A New Legacy“ Regie geführt, hätte er wahrscheinlich bewiesen, welche künstlerischen Wunder digital vollbracht werden können – genau wie die handgezeichnete Animation von Looney Tunes keinen inhärenten Verdienst des Mediums widerspiegelt, sondern die bahnbrechende Kunst der Regisseure der Serie, darunter Tex Avery, Chuck Jones und Tashlin selbst. Die Leute, die im digitalen Zeitalter solchen Künstlern den Stecker ziehen, und diejenigen, die ihre eigenen Serververse missbrauchen und drohen, ihr Erbe in digitale Vergessenheit zu tauchen, sind keine verärgerten Ingenieure, sondern Führungskräfte wie die von Silverman und Yeun. die „Space Jam: A New Legacy“ als offensichtlich unschuldige Opfer darstellt.
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