In der Stadt ist Poesie allgegenwärtig. Es ist mit dem dichten städtischen Gefüge des Alltags verwoben, das in den Alltäglichkeiten des menschlichen Zusammenlebens und in den Extremen kreativer Selbstanstrengung präsent ist. Für das Cover der Ausgabe vom 4. Dezember 2023 zeichnet Sergio García Sánchez ein elegantes Bild der Juilliard School im Lincoln Center, wo Musiker und Tänzer ihre Kunst trainieren und weiterentwickeln. Ich habe mit der Künstlerin über die kollektive und transformative Kraft von Bewegung, Worten und Bildern gesprochen.
Beeinflussen andere Medien wie Musik oder Tanz jemals Ihre Arbeit?
Musik hat einen großen Einfluss auf mein kreatives Leben. Beim Zeichnen versuche ich, Bilder mit Rhythmus zu schaffen – das ist für meine Arbeit von grundlegender Bedeutung. Als ich jung war, habe ich einige Erzählstücke gemacht, die von der Arbeit von Wim Mertens inspiriert waren, insbesondere von seinem musikalischen Performance-Werk „Maximizing the Audience“. Und Tanz ist die Grundlage des Wegzeichnens, eines Erzählkonzepts, das ich verwende, wenn ich experimentelle Comics mache.
Renommierte Schulen wie Juilliard sind für ihre Genauigkeit bekannt. Glauben Sie, dass Wettbewerb und Leistungsdruck hilfreich sind, um die Entwicklung eines Künstlers voranzutreiben?
Ich glaube vor allem an den Druck, den man als Künstler auf sich selbst ausübt – er ist entscheidend. Wenn ich mit meinen Schülern spreche, betone ich, dass der Künstler derjenige ist, der sich beim Schaffen die Zwänge selbst auferlegen muss. Ich halte nicht viel vom Wettbewerb mit der Arbeit anderer; wir konkurrieren mit uns selbst.
Sie haben kürzlich einige Graphic Novels fertiggestellt, die Sie in Zusammenarbeit mit anderen Autoren erstellt haben. Beginnen solche Projekte damit, dass Autoren mit einem Manuskript auf Sie zukommen, oder suchen Sie nach Autoren, die Ihre Ideen einbringen?
Normalerweise bin ich der Initiator und suche nach den Drehbuchautoren, die eine Geschichte entwickeln. Ich habe gerade zwei Graphic Novels veröffentlicht: „Chassé-croisé au Val Doré“ mit Lewis Trondheim und „Le Ciel dans la Tête“ mit Antonio Altarriba. Ich habe ein paar Bücher mit Lewis gemacht; Wir lieben es, alternative Erzählstrukturen zu erfinden und diese dann gemeinsam weiterzuentwickeln. Unser neues Projekt zum Beispiel wird in einer Box präsentiert: Es handelt sich um vier ineinander verschlungene Erzählungen, jeweils ein 32-seitiger Comic. Was mir an der Zusammenarbeit mit Antonio dann wirklich gefällt, ist die völlige Freiheit, die ich beim Verfassen der Seite und den Erzählstrukturen der Geschichten habe, die er sich ausdenkt.
Sie unterrichten und veröffentlichen in Ihrem Heimatland Spanien, aber auch in Frankreich und in anderen europäischen Ländern. Glauben Sie, dass visuelle Erzählungen eine universelle Sprache sind, oder sehen Sie spezifische Unterschiede in jeder Kultur?
Ich habe immer geglaubt, dass die gleiche Erzählung in allen Kulturen, in denen ich als Lehrerin gearbeitet habe, gemeinsam sein kann. Das ist ein positiver Aspekt der Globalisierung. Tatsächlich arbeite ich als Künstler sehr gerne mit Bildern ohne Worte. Zum Beispiel in Der New Yorker Die visuelle Bildsprache hat einen universellen Aspekt. Sprachen dienen oft als Grenzen; Bilder schneiden sich über sie hinweg.
Auf Ihrem Cover ist eine junge Tänzerin zu sehen. Wussten Sie schon immer, dass Sie Künstler werden wollten? Wann ahnten Sie zum ersten Mal, dass es Ihre Leidenschaft und Ihr Beruf werden würde?
Ja, seit ich sehr jung war, habe ich immer gezeichnet. Mein Vater nahm mir Zeit, während ich Zeichnungen machte. Ich erinnere mich, dass ich als Jugendlicher die Fernsehserie „Fame“ in Spanien gesehen habe: Ich habe verstanden, dass es Schulen gibt, in denen Schüler und Lehrer ihre kreativen Leidenschaften teilen (später habe ich Bildende Kunst studiert und bin Professorin an der Fakultät für Bildende Künste der Universität). von Granada.) Diese Erinnerungen inspirierten dieses Cover.
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