Zu Beginn von Steven Spielbergs „The Fabelmans“ nimmt ein Ehepaar seinen kleinen Sohn mit, um seinen ersten Film anzusehen. Es ist Anfang der 1950er Jahre in New Jersey und das palastartige Theater ist voll, um „The Greatest Show on Earth“ (1952) zu sehen, ein Spektakel von Cecil B. DeMille über die Bewohner eines Zirkus. Das Publikum oooohs und ahhhhs, als sich ein riesiges Zugunglück auf dem Bildschirm entfaltet und Eisenbahnwaggons mit größter Leichtigkeit durch die Luft fliegen. Der kleine Sam Fabelman, ein Ersatz für Spielbergs Kindheits-Ich, sitzt verzückt da, seine Augen springen ihm praktisch aus dem Kopf. Es ist ein Schlüsselmoment in der Entstehungsgeschichte des Regisseurs, eine prägende Erfahrung für den Filmemacher.
Während Branchenanalysten und Cinephile sich über die ständig sinkenden Kinobesucher ärgern und sich die Kinokassen hartnäckig weigern, die Gesamtzahlen vor der Pandemie wiederzuerlangen, wollen uns die Filme selbst daran erinnern, dass Kinobesuche magisch waren – und still sein könnten.
Da ist „The Fabelmans“, in dem die „Greatest Show“-Sequenz von einem jugendlichen Sam gefolgt wird, der mit Freunden aus seiner Pfadfindertruppe (mit denen er dann seine eigene macht) zu „The Man Who Shot Liberty Valance“ (1962) wandert Western aus Arizona).
Da wäre „Babylon“, Damien Chazelles wildes Epos über den Übergang von Stummfilmen zu Tonfilmen, das eine raue New Yorker Premiere des ersten Tonfilms „The Jazz Singer“ (1927) und eine emotionale Vorführung von „Singin’ in the“ beinhaltet Rain“ (1952), der beliebte Musicalklassiker über den Aufstieg des Tonfilms.
Und da ist „Empire of Light“, das den Angestellten eines britischen Küstentheaters folgt, die Anfang der 80er Jahre gegen den Multiplex-Ansturm ankämpfen und begeistert sind, dass sie eine regionale Premiere von „Chariots of Fire“ (1981) veranstalten dürfen.
Ohne auf einer Seifenkiste zu stehen, erinnern diese Filme, die alle bis zu einem gewissen Grad Oscar-Anwärter sind, die Zuschauer daran, dass Filme ein Gemeinschaftserlebnis sein sollen, das in einem großen, dunklen Raum voller Fremder geteilt wird und die Fantasie von Hunderten von Menschen anregt gleichen Augenblick.
„Man hofft, die Magie eines solchen Kinos einzufangen“, sagt „Babylon“-Produzent Matthew Plouffe. „Ich sehe es als Unterstreichung der Schönheit, Pracht und Größe dessen, was Filmemachen ausmacht. „Babylon“ ist viel mehr als nur etwas Reduzierendes wie „eine Liebeserklärung an das Kino“. Dieser Satz wird viel verwendet. Ich denke, wenn wir unsere Arbeit mit ‚Babylon‘ gemacht haben, haben wir gezeigt, dass Filmemachen die höchsten Höhen und die tiefsten Tiefen, Leben und Tod und alles andere sind.“
Paul Dano und Michelle Williams spielen die Hauptrollen in Steven Spielbergs Autofiktion „The Fabelmans“.
(Merie Weismiller Wallace/Universal Pictures und Amblin Entertainment)
Dies sind kaum die ersten Filme, die diese Magie einfangen. In „Cinema Paradiso“ aus dem Jahr 1988, einem Oscar-Preisträger in der damaligen Kategorie der fremdsprachigen Filme, erinnert sich ein Regisseur an das Theater und den Filmvorführer, die ihn als Junge in seinem kleinen italienischen Dorf inspirierten. In „The Last Picture Show“ (1971), der Nebendarsteller-Oscars für Cloris Leachman und Ben Johnson gewann, steht das örtliche Kino als verblassende Bastion der Gemeinschaft in einer verblassenden Stadt in Texas. Es gibt viele andere Beispiele, die jeweils für die Heiligkeit des öffentlichen Kinoraums sprechen.
Heute vermitteln solche Filme jedoch ein Gefühl der Dringlichkeit. Eine aktuelle Analyse der Los Angeles Times berichtete, dass das Jahr 2022 laut Analysten- und Studioschätzungen voraussichtlich mit etwa 7,4 Milliarden US-Dollar an Ticketverkäufen aus den USA und Kanada enden wird, was einem Rückgang von 35 % gegenüber dem Jahr vor der Pandemie 2019 entspricht. (Natürlich gesehen Durch ein längeres Objektiv erreichten die Kinobesucher 1946 ihren Höhepunkt.) Die Zuschauer geben sich zunehmend damit zufrieden, zu Hause zu bleiben und ihre Unterhaltung zu streamen. Das Kino wird selten als der heilige Ort angesehen, den wir in diesen neuen Filmen erleben.
„Du gehst auf Netflix und siehst all die Quadrate mit all diesen Filmen, aber das hat nicht ganz die Größe eines Films“, sagt Rick Carter, Produktionsdesigner von „The Fabelmans“ und mehreren anderen Spielberg-Filmen. „Sie sind zufrieden, aber das erfüllt nicht unbedingt dieselbe Rolle, die Sie meiner Meinung nach gemeinsam erleben, wenn es tatsächlich passiert, wenn es so groß ist und so viele andere Menschen einbezieht.“
„Babylon“ sehnt sich nicht nur nach den alten Filmpalästen oder gar der wilden Welt des Stummfilms und den damit verbundenen Bacchanalien, die der Film so aufrührerisch darstellt. Es ist ein Film über die Entwicklung des Mediums und die Verluste, wörtlich und im übertragenen Sinne, die das Sound-Zeitalter verursacht hat. In einer Schlüsselsequenz wird der Produzent und Fixer Manny Torres (Diego Calva) nach New York geschickt, um sich eine Premiere von „The Jazz Singer“ anzusehen, um zu sehen, worum es bei all dem Wirbel geht. Als Al Jolson seine erste Musiknummer beendet, steht das Publikum auf und brüllt, wie es ein Konzertpublikum heute tun würde, das von der Kinorevolution mitgerissen wird, die alles verändern würde.
Später im Film setzt sich Manny, der nicht mehr im Geschäft ist, auf einen Kinobalkon, um sich „Singin’ in the Rain“ anzusehen. Er weint, während der Film den Zusammenbruch der von ihm geliebten Stummfilmwelt dramatisiert. Aber bald, als Manny von der Freude am Film selbst eingeholt wird, liefert Chazelle eine Reihe hinreißender Filmclips, alles von Stummfilmen (1902 „A Trip to the Moon“, 1903 „The Great Train Robbery“) bis hin zu modernen Blockbustern („Die Matrix“, „Avatar“). Chazelles Argument: Das Kino verändert sich wie der Kinobesuch ständig. Egal wie dick die Nostalgie wird, es wird immer etwas Neues um die Ecke warten. Vielleicht sogar etwas Besseres.
„Die Branche entwickelt sich ständig weiter“, sagt Plouffe. „Ich denke, das liegt zum Teil daran, dass es voller Leute ist, die vorankommen und neue Dinge ausprobieren wollen. Wir befinden uns also in diesem ständigen Zustand des Vorwärtsdrängens und Zurücklassens. Das ist nur die Definition dessen, was Hollywood ist. Veränderung gehört dazu, und man muss auf der Welle reiten.“