Wenn Sie gehört haben, dass Shakespeare in the Park des Public Theatre, eine viel vermisste Quelle des Vergnügens in dieser schauhungrigen Stadt, das Delacorte Theatre nach dem Winter und Sommer und dem zweiten Winter unserer Unzufriedenheit mit “The Merry Wives” wiedereröffnet hat of Windsor“ und dachte, Huh?, du bist nicht allein. Die Hasser des Stücks sind Legion. Harold Bloom nannte es eine „ermüdende Übung“ und bestand darauf, dass sogar Shakespeare es verachtete. Das feministische Argument, „Merry Wives“ sei eine Proto-Screwball-Komödie, in der die Frauen triumphieren und die Männer wie Dummköpfe aussehen, bewegt mich nicht ganz dazu, meinen Platz im Lager der Neinsager aufzugeben. Shakespeares Stücke sind voll von genialen, geistreichen Frauen, und die fröhlichen Frauen von „Merry Wives“ sind nicht die Hauptdarsteller. Der Legende nach schrieb Will das Stück innerhalb von zehn Tagen auf Geheiß von Königin Elizabeth, die ihn bat, Sir John Falstaff, den fröhlichen, dicken Ritter von “Henry IV”, verliebt zu zeigen. Der Teil von Queen Elizabeth ist wahrscheinlich apokryph, aber ich würde Geld auf die Zehn-Tage-Theorie setzen.
Diese Produktion unter der Regie von Saheem Ali tilgt die Fehler des Stücks nicht; die Komödie ist immer noch breit gefächert, die Charaktere flach wie Plakatpuppen. Es bringt jedoch neue Stärken hervor. Der Hauptgrund dafür ist Jocelyn Bioh, die Shakespeares Drehbuch frei adaptiert, den Titel auf „Merry Wives“ abgekürzt und das Stück in eine westafrikanische Ecke des heutigen Harlem verlegt hat. Shakespeare in der zeitgenössischen Welt zu inszenieren ist im Grunde selbstverständlich; An diesem Punkt wäre der radikale Schritt, die Besetzung in Wams und Hose zu kleiden. Aber Bioh, die wie der Barde selbst sowohl Dramatiker als auch Schauspieler ist, hat gute textliche Begründungen für ihre Wahl gefunden. Im Original vergleicht Falstaff, dessen Ehrgeiz, die beiden wohlhabenden Titularfrauen zu verführen, die schmale Verschwörung in Gang setzt, eine seiner zukünftigen Geliebten mit „einer Region in Guyana, ganz Gold und Kopfgeld“ und verkündet, dass die Frauen „meine sein sollen“. Ost- und Westindien, und ich werde mit beiden Handel treiben.“ Bioh setzt diese kolonialen Metaphern geschickt in postkoloniale Realität um. Ihr Johnny Falstaff (Jacob Ming-Trent), gekleidet in ein Tupac-T-Shirt, das nichts von seinem üppigen Bauch der Fantasie überlässt, kräht, dass eines seiner Ziele “aus einer Region in Ghana, alles Gold und Kopfgeld” sei; wenn er erklärt, dass die Frauen „für mich Zuckermamas sein sollen“, führt uns der bekannte Satz plötzlich zurück in die Neue Welt zu Shakespeares Zeiten, wo das brutale Zuckergeschäft, angetrieben von der europäischen Nachfrage, den transatlantischen Sklavenhandel anheizte und die Bühne bereitete für die Welt, die wir jetzt kennen.
Bioh ist die in Amerika geborene Tochter von Ghanaern, und Ali, wie seine Biografie sagt, ist „ein stolzer Einwanderer aus Kenia“; In ihren „Merry Wives“ ist Vielfalt der Schlüssel zu Comedy und Gemeinschaft, wie es bei Shakespeare der Fall war, der sein Drehbuch mit einem hohlen Waliser und einem pompösen französischen Arzt versorgte, die beide in absurden Akzenten vor sich hin plappern, die die Engländer kitzeln sollen Ohr des Sprechers. In Biohs Version kommen Madam Nkechi Ford (Susan Kelechi Watson) und ihr spießiger, eifersüchtiger Ehemann Mister Nduka Ford (Gbenga Akinnagbe) aus Nigeria, während der nette Mister Kwame Page (Kyle Scatliffe) und Madam Ekua Page (Pascale Armand), ihre Nachbarn in einem Wohnhaus, das treffend Windsor genannt wird, sind Ghanaer. Der senegalesische Doktor Caius (David Ryan Smith) darf seine Publikumslieblinge „zees“ und „zats“ behalten, und der Waliser ist jetzt ein ebenso geschmackloser Liberianer (Phillip James Brannon). Falstaff ist jedoch mit seinem schamlosen Appetit, seinen verrückten Plänen und seinem hoffnungslosen Optimismus durch und durch Amerikaner. Er glaubt wirklich, dass das Senden identischer Liebesbriefe an zwei beste Freunde zum Erfolg führen wird, Gott segne ihn. Stattdessen wird er in einen Wäschekorb gestopft und in den Fluss geworfen, als alter Mann verkleidet und mit einem Stock geschlagen und schließlich mit einem Hahnreihörner geschmückt, während die als Geister verkleidete Gesellschaft Spaß daran hat, ihn bis ins Innerste zu erschrecken ein Zentimeter seines Lebens. Die Hektik mag echt sein, aber dieser Hustler ist ein Witzbold.
Vieles davon ist eine gute Zeit, aber zu viel sackt immer noch ab. Die Charaktere verbringen den größten Teil des Stücks damit, ihre Absicht zu verkünden, Dinge zu tun und sie dann zu tun. Damit Screwball singen kann, muss sich die Action schnell, schnell, schnell bewegen, aber Alis weitgehend statische Regie dieses fast zweistündigen, pausenlosen Stücks hat zu viele entleerende Pausen und stützt sich stark auf übertriebene Gesten – Bauchkrallen, lasziv Blicke – um Humor zu signalisieren, anstatt ihn zu erzeugen. Ein Großteil der Freude an der Produktion liegt in ihrem szenischen Design von Beowulf Boritt, das bezaubert, indem es die Bürgersteige, Flechtsalons und Waschsalons von Harlem in den Central Park bringt, und – ein Sakrileg! – die besten Momente kommen, wenn Bioh Shakespeare völlig abschüttelt, um zu riffen auf das Zeitgenössische. Unter dem liebenswürdigen Ensemble mochte ich besonders Shola Adewusi als Mama Quickly, die Tante aus der Nachbarschaft, die einen Finger in jedermanns Kuchen hat, und die mononyme Abena als die Tochter der Pages, Anne, die an den patriarchalen Bräuchen reibt, aus denen ihre Eltern importiert haben die Alte Welt und kann einen dummen Verehrer mit einem skeptischen Grunzen an seine Stelle setzen. Ein einziger, spektakulärer Moment am Ende des Stücks entschädigt für die Angst vor dem Einlass – selbst im Freien hält Delta sich mit Fremden die Schultern reiben – wenn sich die Darsteller in raschelnden Grasröcken und zeremoniellen Masken zu Falstaffs Comeuppance versammeln. Das Set gleitet weg, und wir sind wieder im Park, verwandelt von Musik, Licht, Tanz und Gesang in eine Welt, die afrikanisch, amerikanisch, Shakespeare und für einige Minuten pure Magie ist.
Es gibt eine andere Produktion, die die Art und Weise, wie Sie den Central Park sehen, verändern wird, aber sie läuft nur noch eine Woche, also wenn Sie sie sehen möchten, sollten Sie besser laufen. Ob Sie diesen Rat wörtlich nehmen oder nicht, liegt bei Ihnen; die Aufführung „Endure: Run Woman Show“, die der Geschichte und dem Lauf einer namenlosen Marathonläuferin folgt, die sich auf einem fünf Kilometer langen Pfad durch die Südseite des Parks schlängelt, lädt willige Zuschauer dazu ein, joggen Sie mit. Als ich die Produktion an einem bewölkten Mittwochnachmittag sah, war eine Handvoll unerschrockener Seelen in Spandex aufgetaucht – obwohl es eine Erleichterung war, als eine Person, die einen Marathonlauf und einen Urlaub auf dem Mond für gleichermaßen plausible Aktivitäten hält, um sicher zu sein , in einem freundlichen Vorspiel des Regisseurs Suchan Vodoor, dass auch das Gehen ausreichen würde.
In jedem Fall werden Sie mit einem Headset ausgestattet (oder verwenden Sie Ihr eigenes), durch das Sie die Schöpferin und Autorin der Show, Melanie Jones, einen Monolog singen hören, der die Angst und den Kummer berührt, die sie getrieben haben Protagonist zuerst zu trinken und dann zu rennen, und das macht die strafende geistige und körperliche Disziplin – der Trotz von Selbstzweifeln -, die ihr Training erfordert, viszeral. Ihre Worte werden von einer von zwei Darstellern, Mary Cavett oder Casey Howes, zum Leben erweckt, von denen jeder eine andere Art hat, den Charakter zu verkörpern. Ich sah Howes, einen aufregenden Tänzer und Choreografen, der zu gleichen Teilen Frau und Steinbock zu sein schien. Einen Moment lang stand sie vor unserer Gruppe, ihr Haar zu einem schwingenden Zopf geflochten, einen Gürtel aus Wasserflaschen um die Hüfte geschnallt, und starrte uns in die Augen, als wolle sie uns herausfordern, ihre Ausdauer zu hinterfragen; Als nächstes war sie davon, huschte außer Sichtweite, bis sie, als wir um die Kurve bogen, auf einem der Schieferhügel des Parks auftauchte, den sie in ihren Turnschuhen erklommen hatte. Ein Teil des Nervenkitzels der Show besteht darin, nie zu wissen, welches Tableau Sie als nächstes finden werden: Howes hängt an einem Ast, um schnelle Situps zu machen oder radelt mit den Beinen, während er auf dem Kopf steht, während der Erzähler den höllischen Kampf beschreibt, sich durch das Rennen zu drängen mittleren Meilen. Die schlichte Geschichte, die „Endure“ erzählt, hebt den Geist ebenso wirkungsvoll wie die elegant ausgeführte Inszenierung den Körper bewegt. Währenddessen geht das Parkleben rundherum ungestört weiter, private Monologe spielen sich auf privaten Bühnen ab, so weit das Auge reicht. ♦
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