1988 produzierten feministische Kunstagitatorinnen, die Guerilla Girls, ein Plakat, das die sogenannten Vorteile des Künstlertums auflistete. Aufzählungspunkte waren: „Arbeiten ohne Erfolgsdruck“; „in revidierte Fassungen der Kunstgeschichte aufgenommen“; und „zu wissen, dass Ihre Karriere nach dem 80. Luchita Hurtado, so kann man sagen, musste warten, bis sie sich ihrem 100. Lebensjahr näherte, bis die Kunstwelt auf sie aufmerksam wurde. Die in Venezuela geborene amerikanische Malerin, die vom Surrealismus und Abstrakten Expressionismus beeinflusst wurde, ohne in eine der beiden Kategorien zu passen, nahm die Natur und den Kosmos als Grundlage ihrer Arbeit und stellte ihren Körper oft als Erweiterung dieser Bereiche dar. Sie malte 70 Jahre lang produktiv, relativ dunkel, bevor eine Ausstellung in einer Galerie in Los Angeles sie 2016 bekannt machte. Als sie 2020 im Alter von 99 Jahren starb, wurde sie von Hauser & Wirth vertreten und war bereits für Einzelausstellungen in London, Mexico City und ihrer Wahlheimat Los Angeles gebucht. Jetzt hat ihre Galerie ein Buch über ihre Arbeit veröffentlicht, Luchita Hurtado.
Teils Sammelalbum, teils Autobiografie, Luchita Hurtado enthält ausführliche Interviews mit dem prominenten Kurator Hans Ulrich Obrist, die ihr aktionsgeladenes Leben und ihre selbstbeschriebene “planetarische” Philosophie beschreiben. Das Buch versucht nicht, sie wieder in einen bereits bestehenden Kanon der modernen Kunstgeschichte einzufügen, sondern erforscht in ihren Bildern ihre Verehrung der Natur und die Verstrickung der Menschheit mit ihr. Vielmehr legt es eine parallele Vision davon nahe, wie die Malerei der Nachkriegszeit hätte aussehen können, wenn ihre spirituelle Ästhetik früher erkannt worden wäre.
Luisa Amelia Hurtado – „Luchita“ war ihr Spitzname – wurde im November 1920 in einer bürgerlichen Familie im Küstendorf Maiquetía, etwas außerhalb von Caracas, geboren. Ihre Mutter arbeitete als Näherin und ihr Vater war ein Vertreter der Singer-Nähmaschinen. 1923 verließ Hurtados Mutter ihren Vater in Venezuela und flüchtete nach Manhattan. Fünf Jahre später, als Hurtado 8 Jahre alt war, kehrte sie zurück, um sie abzuholen, und zusammen siedelten sie nach New York um. Es schneite, als ihr Boot über Puerto Rico ankam, und Luchita war vom Anblick des Eises fasziniert. „Es war kalt, es reagierte auf Berührung und Geschmack“, sagt sie. „Ich habe es mit meinen Kleidern in eine Schublade gelegt und als ich zurückkam, um diesen großen Schatz zu sehen, war er weg, nur ein nasser Fleck. Ich glaube, da wurde ich Dichter.“
Hurtado schrieb sich heimlich für Kunstkurse an einer reinen Mädchen-Highschool in der Innenstadt ein, wo ihre Mutter dachte, sie würde Schneiderei studieren. Die erste Zeichnung von ihr, die im Buch erscheint, Ohne Titel (ca. 1938), ist ein zartes Graphit- und Farbstiftbild eines Herdes, dessen Detail so gespenstisch ist, dass man den Ring der niedrigen blauen Flamme nicht so sehr sieht, sondern einfach spürt, dass er da ist. Es verweist auf zwei der Hauptanliegen, die in ihrem restlichen Werk auftauchen: eine Anziehungskraft auf elementare Kräfte wie Feuer und die Fähigkeit, die Magie in häuslichen Szenen zu finden, die sonst banal erscheinen mögen. Als Frau in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts und später alleinerziehende Mutter, die Modeillustrationen verkaufte, um die Miete zu bezahlen, hatte sie nur wenige Möglichkeiten, sich allein auf die Suche nach Inspiration zu wagen. Aber in Begleitung ihrer drei Ehemänner reiste sie weit und machte Kameen in der Kunstgeschichte durch Begegnungen mit Ikonen wie Frida Kahlo und Andre Breton. Sie orientierte sich oft an den Menschen und Dingen, denen sie auf dem Weg begegnete (z. B. mexikanische präkolumbianische Artefakte), kehrte jedoch immer zum Körper als Ort des Erhabenen zurück. Die letzten Leinwände ihres Lebens aus dem Jahr 2019 sind Darstellungen ihrer Geburt.
EINm 18 heiratete Hurtado den 20 Jahre älteren chilenischen Journalisten Daniel del Solar und zog ins West Village. Er stellte sie ihrem ersten Mentor Rufino Tamayo vor, dem einflussreichsten Maler der Moderne Mexikos. „Wir haben oft zusammen Spiele gespielt“, sagt sie, „um zum Beispiel zu analysieren, welche Farben wir zusammenmischen müssen, um etwas im Raum zu passen.“ Hurtados Gemälde Ohne Titel (ca. 1947–49) – die eine düstere Szene zeigt, in der ein Reh aus einer Wasserstelle trinkt – erinnert mit seinem folkloristischen Stil und dem dramatischen nächtlichen Leuchten, das dem Mond eine fast heilige Präsenz verleiht, besonders an Tamayos Sensibilität. Del Solar stellte sie später dem japanisch-amerikanischen Bildhauer Isamu Noguchi vor, der kürzlich aus einem Internierungslager in Arizona zurückgekehrt war. Hurtado und Noguchi blieben lebenslange Freunde, auch nachdem ihre Beziehung zu del Solar 1946 endete, als er sie wegen einer anderen Frau verließ.
Hurtados Gemälde aus den 1940er und 50er Jahren folgen dem abstrakten Stil der Hochmoderne von Künstlern wie Joan Miró und Piet Mondrian. Ihren Einfluss erkennt man an ihren farbenprächtigen, reich strukturierten Feldern totemistischer Formen, die sich unter anderem durch eine von ihr entwickelte Technik mit Wachsmalstiften und Tinte auszeichnen, bei der die Tinte vom Wachs abperlt und sich in bauchigen Tröpfchen sammelt. Wie viele Modernisten – am bekanntesten Picasso – suchte Hurtado auch Inspiration von nicht-westlichen visuellen Kulturen, die die euro-amerikanische Avantgarde veränderten, als sie in den Zentren des Imperiums präsent war. 1946, während ihre Kinder im Ferienlager waren, verliebte sie sich in einen österreichisch-mexikanischen Maler und Zeitschriftenredakteur namens Wolfgang Paalen, der sie nach Tabasco, Mexiko, entführte, um die neu ausgegrabenen 3.000 Jahre alten Olmekenköpfe zu sehen. 10 bis 20 Tonnen schwere Felsbrocken mit menschlichen Gesichtern von Mesoamerikas ältester bekannter Zivilisation. Sie kam, um ihn in einem kleinen Propellerflugzeug zu treffen, das der Pilot ihr steuern ließ, als sie über das Dschungeldach segelten: „Er sah mich im Flugzeug kommen“, erzählt sie, „und plötzlich ließ ich es diese Schleifen machen – los“ Weg hoch und runter. Das war mir eine Freude!“
Hurtado zog nach Mexiko-Stadt und wurde in der linksgerichteten intellektuellen Elite der Stadt verankert. Sie freundete sich mit Frida Kahlo und Diego Rivera an – Rivera war „zu viel Clown“ für sie, und das Duo benahm sich wie „erwachsene Kinder“, aber sie bewunderte Kahlos Freigeist und Belastbarkeit. Ihre Offenheit, die Giganten der modernen Kunst zu diskutieren, ist erfrischend. Der chilenische Maler Roberto Matta war ein „schrecklicher, gemeiner Mann“, der ihr einmal in den Hintern kniff, um zu sehen, wie sie reagieren würde. Jackson Pollock war ein unberechenbares Tier: Sie erinnert sich daran, wie er „die Tischdecke mit allen Essens darauf zog und sie einfach aufkehrte“. Marcel Duchamp bestand darauf, ihr eine Fußmassage zu geben, als sie sie zum ersten Mal bei einer Freundin traf, eine Anekdote, die sie als „angenehm“ bezeichnet, obwohl sie sich erinnert, dass sie nicht nein hätte sagen können, wenn sie wollte.
In den späten 60er Jahren kam Hurtados Stil voll zur Geltung. Ohne Titel, aus dem Jahr 1968, führte eines ihrer Markenzeichen ein: das nackte Selbstporträt aus ihrer nach unten gerichteten Perspektive. Dies sind die wichtigsten Werke ihrer Karriere, und sie führten sie zu der Weiterentwicklung der Darstellung von Körpern als Landschaften, indem sie mit eng beschnittenen Rahmen Brüste und Bäuche als sanfte Hügel und Täler wiedergeben. Ihre Verwendung von Teppichen und Körben aus dem Südwesten der amerikanischen Ureinwohner als Versatzstücke in diesen Gemälden spiegelt den Einfluss von Taos, NM, der New-Age-Künstlerenklave wider, in der sie in den 70er und 80er Jahren viele Sommer verbrachte. Diese Wüstenästhetik zeigt sich auch in „Sky Skins“, einer Reihe von fensterartigen Himmelslandschaften, die mit schwebenden Federn geschmückt und von Dünen und trockenen Bergen umgeben sind.
Abgesehen von kurzen Aufenthalten in Chile und Italien verbrachte Hurtado den Rest ihres Lebens in Los Angeles, friedlich in einer Landschaft mit hohen Bäumen und Canyons. Sie trat dem Los Angeles Council of Women Artists bei, einer Interessenvertretung, die als Reaktion auf die rein männliche Liste von Künstlern gegründet wurde, die das Los Angeles County Museum of Art für sein Kunst- und Technologieprogramm 1971 ausgewählt hatte. „Erst als ich mich dieser Frauenbewegung anschloss, begann ich, meine Arbeiten zu zeigen und meine Bilder nicht zur Wand zu drehen“, sagt sie. Trotz des wiedergewonnenen Selbstvertrauens hatte sie vor ihrem großen Durchbruch mit 95 nur eine, selbst organisierte Einzelausstellung, und viele ihrer Gruppenausstellungen fanden in ghettoisierten „nur für Frauen“-Umgebungen statt. Erst 2015, als der Nachlassdirektor ihres verstorbenen dritten Mannes Lee Mullican kam, um Mullicans Kunst zu fotografieren, stieß er auf eine Reihe von Gemälden, die mit “LH” signiert waren.
Die Frage, ob Hurtado brüskiert wurde oder ob sie sich dafür entschieden hat, ihre Arbeit nicht zu veröffentlichen, ist eine Lücke im Buch. Sie hat ihre Bilder fast nie zu Hause aufgehängt, aber ab den 70er Jahren trat sie in Gruppenausstellungen auf, was auf den Wunsch nach öffentlicher Aufmerksamkeit schließen lässt. Es ist erwähnenswert, dass ihre wiederkehrenden Themen – Mutterschaft, der Geist, die Einheit aller Dinge – von der Schule des Abstrakten Expressionismus mit ihrer Betonung der Form über dem Inhalt als Kitsch stigmatisiert wurden. Die Kunstkritikerin Rosalind Krauss schrieb 1979 berühmt, dass es in der modernen Kunst „unbeschreiblich peinlich sei, Kunst und Geist in einem Satz zu erwähnen“. Kritiker sagen heute, dass diese spirituelle Wurzel aktiv aus der Geschichte der modernen Kunst ausgelöscht wurde, eine Behauptung, die durch die plötzliche Popularität von Malern des frühen 20 bei Visionen. Aber diese Art des Kunstmachens erforderte auch eine Demut und eine Ehrerbietung, die dem Ethos eines bereits existierenden Kanons widersprechen. Damit ein Maler wie Pollock seine Schuld an der Natur oder dem Geist anerkennt, riskiert er, seinen Mythos herunterzuspielen SUI generis Genius. Luchita Hurtado zeigt kein Interesse daran, diesen Mythos zu verewigen, und Hurtado selbst auch nicht.