Kritik: Eine seltsam besetzte Wiederbelebung von Albees Klassiker enthüllt Zerbrechlichkeit

Wenn Sie Ihre Fantasy-Produktion von Edward Albees „Wer hat Angst vor Virginia Woolf?“ besetzen würden, wären Calista Flockhart und Zachary Quinto Ihre ersten, zweiten oder sogar dritten Anwärter auf die Rolle von Martha und George?

Keine Respektlosigkeit gegenüber diesen guten Schauspielern, aber sie kamen mir wie kontraintuitive Entscheidungen vor, als das Geffen Playhouse eine neue Wiederaufnahme des Stücks ankündigte. Ihr Alter liegt eigentlich im Stadion, aber das ist das Gegenteil von Typografie.

Quinto, der 44 Jahre alt ist, aber beneidenswerterweise bei 38 festzustecken scheint, muss grau werden, um den 46-jährigen George zu spielen. Seine Energie muss für eine erschöpfte Hülle eines Mannes wie George unterdrückt werden. Und die Figur von Martha, die Albee als „reichlich“ beschrieb, wird normalerweise als schwammig gespielt. Nicht hier. Flockhart, die eine frisierte Perücke trägt, ist weniger zerknittert als Elizabeth Taylors Martha in Mike Nichols’ Filmversion von 1966. Ihre Charakterisierung ließ mich unpassend an ein Moodboard mit Fotos von Marilyn Monroe und Jacqueline Kennedy denken

Die Wirkung ist zumindest anfänglich desorientierend. Ein Hauch von Pantomime umweht diese Inszenierung von „Wer hat Angst vor Virginia Woolf?“ – als ob die Darsteller Albees Klassiker für eine Lerche anprobieren würden.

Aber die Produktion, die am Donnerstag unter der Leitung von Gordon Greenberg eröffnet wurde, ist eine ernsthafte Anstrengung. Die Schauspieler brauchen Zeit, um sich einzugewöhnen, aber wenn sie das tun, werfen sie ein sympathisches Licht auf einige extrem bissige Charaktere.

Trotzdem habe ich nie verstanden, was die Existenz dieser Erweckung motivierte. Warum jetzt? Und warum diese Darsteller?
Eines der Wahrzeichen des 20 ^{Jahrhundert amerikanisches Drama „Wer hat Angst vor Virginia Woolf? braucht keine Entschuldigung, um abgestaubt zu werden. Aber diese zermürbende Komödie von Ehekämpfern, die in einen Marathonkampf verwickelt sind, dauert fast 3 1/2 Stunden, was sie zu einem seltsamen Moment für einen Pandemiemoment macht, in dem wir immer noch Masken im Theater tragen und uns fragen, welche neue Hölle die Zukunft bereithält für unsere verkehrte Welt.}

Der Krieg in drei Akten zwischen Martha und George, eine betrunkene lange Nachtreise in den Tag, ist so ausgelassen wie eh und je. Flockhart brüllt und Quinto brüllt in erschütternder Lautstärke. Der Lärm wirkt gelegentlich gekünstelt, als würden die Schauspieler einen gewagten Auftrag erfüllen. Aber an ihrer theatralischen Attacke ist nichts halbherzig.

Quinto, dessen unvergessliche Darstellung von Louis in Michael Greifs Off-Broadway-Revival von Tony Kushners „Angels in America“ im Jahr 2010 die grollende Qual der Figur aufgriff, hat in jüngerer Zeit durch die Rolle des Harold in der Broadway-Produktion von 2018 einige Übung in Albee-artiger Verleumdung Martin Crowleys „The Boys in the Band“. Flockhart sorgte 1999 mit der Off-Broadway-Produktion von Neil LaButes „Bash: Latterday Plays“ für Aufsehen.

Beide Schauspieler sind jedoch besser für ihre Dreharbeiten bekannt – Quinto als Spock in den „Star Trek“-Filmen und Flockhart aus ihrer herausragenden Karriere im Fernsehen („Ally McBeal“, „Brothers & Sisters“). Aber sie lehnen sich an die ungehemmte Aggression von Albees Dramatik an.

Martha ist bitter enttäuscht von George, einem außerordentlichen Geschichtsprofessor, dessen Karriere ins Stocken geraten ist. Die Tochter des Präsidenten der Universität stachelt ihn an und macht ihn klein, weil er „ein Flop“ ist. Sie ist gnadenlos in ihrer Verurteilung, aber ihr Ziel ist es, ihren Ehemann von seiner zynischen Gleichgültigkeit zu befreien, die seine bevorzugte Waffe ist. Sie tun einander weh, um zu beweisen, dass sie sich immer noch sorgen.

Das Schlachtfeld ist das von Büchern gesäumte Zuhause von Martha und George. (Der Bühnenbildner Wilson Chin erweckt das akademische Ambiente mit hübscher Schäbigkeit zum Leben.) Am Ende des Abends wird es einen Verletzten geben. Aber da dies ein Albee-Stück ist, wird der Tod abstrakt und symbolisch sein.

Martha bereitet die Bühne für eine bedeutsame Schlägerei vor und hat ein jüngeres Paar nach einer Party im Haus ihres Vaters zu einem Schlummertrunk nach Hause eingeladen. Nick (Graham Phillips), ein ehrgeiziger Neuzugang in der Biologieabteilung, und seine mausgraue Frau Honey (Aimee Carrero) sind das gefangene Publikum für die eskalierenden Feindseligkeiten zwischen Martha und George.

Phillips, der seltsamerweise die blonden Strähnchen eines Malibu-Surfers trägt, ist zielsicher als gutaussehende, selbstsüchtige Professorin, mit der Martha schamlos flirtet, um George zu kastrieren. Carrero verleiht ihrer Darstellung des Brandy schlürfenden Ehepartners, der im Schatten ihres aufstrebenden akademischen Star-Ehemanns bereits ein wenig unruhig wird, eine lebhafte, komische Eigensinnigkeit.

Wenn Martha und George Nick und Honey ansehen, kommen sie nicht umhin, sich selbst zu sehen, als sie anfingen und noch nicht ganz erschöpft waren. Martha und George dienen dem jüngeren Paar als ehelicher Anschauungsunterricht, die wiederum als Katalysatoren in der überfälligen Abrechnung des älteren Paares fungieren.

Albee teilt “Wer hat Angst vor Virginia Woolf?” in drei Akte, von denen der letzte „Der Exorzismus“ heißt. Der Dämon, der gereinigt wird, ist die Illusion, die Martha und George davon abgehalten hat, sich der existenziellen und anderweitigen Leere zu stellen, der sie verzweifelt und destruktiv zu entkommen versuchten.

Für Albee ist die Wahrheit, selbst in ihrer schmerzhaftesten Form, besser als eine betäubende Lüge. Das fiktive Baby von Martha und George – eines ihrer privaten Spiele, die Martha in einer Nacht brutalen Unfugs mit ihren Gästen geteilt hat – wird sterben müssen. Aber es ist ein Tod, der zumindest den Schimmer einer Wiedergeburt trägt.

Quintos George und Flockharts Martha machen als Ehemann und Ehefrau selten Sinn. Aber es gibt Momente, in denen sie die Emotionen enthüllen, die sie beide zu grausamen Extremen treiben.

Für Quinto war es in Akt 2, als er seine Grausamkeit gegenüber Martha als Selbstverteidigung rechtfertigte. „Du kannst mich demütigen, du kannst mich die ganze Nacht auseinanderreißen“, sagt er und landet bei dem Wort „demütigen“, als würde er auf seiner eigenen gebrochenen Seele landen.

Für Flockhart war es im letzten Akt, als sie Nick gesteht, dass es nur einen Mann gibt, der sie jemals glücklich gemacht hat. Nach dem Gemetzel, dessen Zeuge er geworden ist, kann Nick sich nicht vorstellen, dass sie über George spricht. Aber Flockharts Martha, die heftig in ihre eigene verstümmelte Zärtlichkeit stürzt, erklärt, dass sie ihren Ehemann dafür bestraft, dass er „den abscheulichen, verletzenden, beleidigenden Fehler“ gemacht hat, sie zu lieben.

Greenbergs Produktion erreicht nicht den theatralischen Donner von Anthony Pages Wiederaufnahme von 2005 mit Bill Irwin und Kathleen Turner, die ins Ahmanson Theatre kam, oder die dramatische Schärfe von Pam MacKinnons Broadway-Wiederaufnahme von 2012 mit Tracy Letts (dem besten George, den ich je gesehen habe) und Amy Morton. Aber obwohl Quinto und Flockhart kein natürliches Bühnenmatch sind, enthüllen sie etwas unendlich Zerbrechliches in Albees bruchsicherem Spiel.