Julia Louis-Dreyfus untersucht alltägliche Probleme in „You Hurt My Feelings“

Hallo! Ich bin Mark Olsen. Willkommen zu einer weiteren Ausgabe Ihres regulären Reiseführers in eine Welt des Einzig Guten Filme.

An einem einzigen Tag dieser Woche starben die Sängerin Tina Turner, der Filmemacher Kenneth Anger und der Musiker Bill Lee. Alle werden bleibende Spuren hinterlassen.

LALIFF. Das Los Angeles Latino International Film Festival beginnt am Mittwoch mit der Eröffnungsabendauswahl von Eva Longorias „Flamin’ Hot“. Das Festival läuft bis zum 4. Juni und endet mit „Problemista“ von Julio Torres. Das Festival bietet außerdem Vorschauen auf die Prime Video-Serie „With Love“ und „Primo“ von Freevee, eine Vorführung von „Spider Man: Across the Spider-Verse“ und eine Auswahl von Filmen, darunter „Martínez“ von Lorena Padilla und „Chronicles“ von Tomás Gómez Bustillo eines wandernden Heiligen“, „Hope, Soledad“ von Yolanda Cruz und „Charcoal“ von Carolina Markowicz.

Cannes geht zu Ende. Die Filmfestspiele von Cannes sind mit der Preisverleihung an diesem Wochenende noch nicht ganz zu Ende, aber Justin Chang und Mary McNamara haben alles ziemlich gut abgedeckt, von „Indiana Jones und das Zifferblatt des Schicksals“ über „The Idol“ bis hin zu „Killers of“. der Blumenmond.“ Zu den weiteren bemerkenswerten Titeln, die irgendwann ihren Weg in die USA finden werden, gehören „The Zone of Interest“ und „Occupied City“. Justin und Mary äußerten auch ihre letzten Gedanken zum Fest.

‘Du verletzt meine Gefühle’

„You Hurt My Feelings“, geschrieben und inszeniert von Nicole Holofcener, ist eine weitere warme, witzige und aufschlussreiche Erkundung der Filmemacherin über das Leben der Mittelschicht und (vorerst) mittleren Alters. Beth (Julia Louis-Drefyus) ist eine Schriftstellerin, die am Boden zerstört feststellt, dass ihr Ehemann Don (Tobias Menzies) ihr neues Buch tatsächlich nicht mag. Mit einer Besetzung, zu der auch Michaela Watkins, Arian Moayed, Owen Teague und Jeannie Berlin gehören, untersucht der Film die kleinen Enttäuschungen des Lebens und die Tröstungen, die es ermöglichen, jeden Tag zu überstehen. Der Film läuft im Kino.

Für The Times schrieb Glenn Whipp: „Ja, ‚You Hurt My Feelings‘ untersucht den Vorfall seines Titels und die Risiken und Grenzen völliger Ehrlichkeit in einer Beziehung.“ Aber es ist auch ein lustiger und prägnanter Blick auf das Unwohlsein im mittleren Alter, eine Zeit, in der Potenzial durch Plateaus ersetzt wurde und man möglicherweise übermäßig viel Freude am Komfort eines gut gemachten Paares Socken hat. … Am Ende des Films werden wir einige Lektionen gelernt haben, auch wenn Holofcener sie mit so entwaffnender Geschicklichkeit präsentiert, dass Sie vielleicht gar nicht merken, dass Sie sie aufgenommen haben. Es fühlt sich an wie ein Zaubertrick.“

Für die New York Times schrieb Wesley Morris: „Kein amerikanischer Regisseur ist mehr darauf bedacht, die Selbstgefälligkeit und Selbstverherrlichung der bürgerlichen Städter aufzudecken.“ … Ein Teil von mir dachte, ich wollte etwas Wilderes von Holofcener, eine Komödie, die sich wie eine Krise anfühlte. So wie es einige ihrer früheren Filme tun; so wie es in den Romanen von Nell Zink und Patricia Lockwood der Fall ist. Aber ihre Studien über Ego und Gebrechlichkeit ähneln denen von Albert Brooks und Larry David: Es geht eher um Verstöße gegen die Etikette als um psychologische Brüche. Dennoch fühlt es sich für sie wie ein stiller Durchbruch an. Sie hat das emotionale Dynamit weggelegt (ihre treueste TNT-Lieferantin, Catherine Keener, ist nicht hier). Stattdessen ist dies eine Arbeit der Disziplin und Struktur. Es ist eine Situationskomödie im besten, klassischen Sinne: Die ethischen Probleme dieser Menschen sind manchmal auch unsere. Ich war Beth. Ich war Don. Und ich musste die Hälfte dessen, womit sie es zu tun haben, mit meinen Fingern beobachten.“

Für die Washington Post schrieb Ann Hornaday: „Diese Probleme klingen vielleicht wie ein Haufen Bohnen, typisch für die wohlhabenden, gelegentlich oberflächlichen Manhattaner, die ‚You Hurt My Feelings‘ bevölkern.“ Aber Holofcener trivialisiert ihren Schmerz nie, auch wenn sie ihn mit einem spielerisch gelbsüchtigen Blick betrachtet. … der Film gewinnt stetig an Geschwindigkeit und unerwarteter Tiefe, indem Holofcener seine Charaktere sanft durch unruhige emotionale Gewässer führt und ihnen erlaubt, ein wenig hin und her zu schaukeln, aber nie völlig zu kentern. Als Chronik der Schmerzen, die wir alle auf uns nehmen, um den Tag zu überstehen, klingt „You Hurt My Feelings“ unheimlich wahr. Als ein Stück Leben, gespickt mit beißendem, unzynischem Humor, ist es köstlich unterhaltsam. Mit anderen Worten, es ist ein weiterer Holofcener-Film, was bedeutet, dass er gefährlich nahe an der Perfektion ist.“

Für Slate schrieb Dana Stevens: „‚You Hurt My Feelings‘ ist mehr als das Studium einer einzelnen Figur, sondern ein Kammermusikstück über ein Quartett von Menschen, die sich mit der gleichen gemeinsamen, aber schmerzhaften Lebenserfahrung auseinandersetzen: der Erkenntnis, einige Jahrzehnte im Erwachsenenalter.“ , dass die eigene Zukunft wahrscheinlich nicht so erfolgreich, so erfüllend, so besonders sein wird, wie man es sich erhofft hat. Das klingt wie ein düsteres Thema für einen Film, aber „You Hurt My Feelings“ (das nur 93 Minuten dauert) macht es sowohl zu einem ernsten Thema zum Nachdenken als auch zu einer Quelle überschäumender Komödie. … Holofcener ist im wahrsten Sinne des Wortes ein Autor und Regisseur, ein Filmemacher, dessen Filme sich durch die Aufmerksamkeit auszeichnen, die sie den Nuancen alltäglicher Sprache und Verhaltensweisen widmen. In ihren Drehbüchern findet sie eher Humor in ganzen Situationen und Kontexten als in zitierfähigen Einzeilern. Szenen enden oft einen Moment früher als in einer herkömmlichen Komödie und überlassen es dem Zuschauer, die Lücken zu füllen. Obwohl der Dialog naturalistisch ist, klingt er nie improvisiert.“

„Die Kuh, die ein Lied in die Zukunft sang“

Der Debütfilm der chilenischen Filmemacherin Francisca Alegría, „Die Kuh, die ein Lied in die Zukunft sang“, wurde erstmals beim Sundance Film Festival 2022 uraufgeführt. Mía Maestro spielt Magdalena, die, obwohl sie schon lange tot ist, aus einem Fluss auftaucht, um mit Generationen ihrer verständlicherweise überraschten Familie wieder vereint zu werden. Obwohl Magdalena nicht spricht, scheint sie in der Lage zu sein, auf außergewöhnliche Weise mit der Natur zu kommunizieren. Der Film ist jetzt im Kino.

Für The Times schrieb Carlos Aguilar: „Mit fein abgestimmtem magisch-realistischem Gespür beginnt die Debütautorin und Regisseurin Francisca Alegría eine eindringliche, atmosphärische Geschichte, die die unhaltbare Beziehung der Menschheit zur natürlichen Welt anprangert.“ Diejenigen, die ein arrogantes und ausbeuterisches Verständnis unseres Platzes auf der Erde vertreten, so der Film, versäumen es, auf die Lebewesen zu hören, mit denen wir diesen Planeten teilen. Indem sie ihre Bedenken abtun, gefährden sie ihre eigene Existenz. … Aber anstatt eine pessimistische Endzeitlobrede zu halten, zeigt „Die Kuh, die ein Lied in die Zukunft sang“ ein zuversichtliches Vertrauen in jüngere Generationen, die für den Fluss, für alle misshandelten Lebewesen und für die Freiheit kämpfen könnten ihr wahres Selbst zu sein.“

Für die New York Times schrieb Brandon Yu: „Die Kraft von Alegrías Spielfilmdebüt liegt nicht im Dialog oder in der Erklärung, sondern in den lyrischen, magisch-realistischen Qualitäten der Folklore: enttäuschte Mütter und Väter, heilige Tiere und verfluchte Flüsse, Liebe und Vergebung.“ . … Auch wenn Alegrías Regie oft elliptisch ist, ist sie geduldig, eine gute Qualität für einen Film, der der Scheinheiligkeit hätte zum Opfer fallen können. In diesem Film ist die reinste Wahrheit in den Augen seiner Kühe zu sehen – im traurigen Blick der Mütter und im tragisch unschuldigen Blick der Kälber, die ihnen entrissen wurden.“

Für „Variety“ schrieb Manuel Betancourt: „Anstatt die aktuellen Anliegen in Didaktik einzubalsamieren, hat Alegría einen Film über die Heilung generationsbedingter Traumata durch neue Lebensweisen und das Erleben von Sehnsüchten gedreht – über die Umgestaltung der Welt auf eine Weise, die sich inklusiv und expansiv anfühlt.“ und die Relikte einer Vergangenheit beseitigt, die auf dem Grund eines Flusses verrotten sollten. Alegrías Debüt ist von Anfang an ein eigenwilliges Unterfangen und ein Wunder, gerade weil der Film, auch wenn er hier und da Teile von Genrestücken entlehnt, seinen Regisseur als unverwechselbare Stimme des chilenischen Kinos fest zementiert. … Alegría hat eine moderne Fabel geschaffen, die uns daran erinnern soll, vollständig zu leben und mit einer solchen Kraft in und von dieser Welt zu sein, dass man von ihrem scharfsichtigen Ehrgeiz überwältigt sein muss.“

Mía Maestro in „Die Kuh, die ein Lied in die Zukunft sang“

(Kino Lorber)

„TS Eliots vier Quartette“

Unter der Regie von Sophie Fiennes ist „Four Quartets“ eine Adaption der Bühnenproduktion ihres Bruders Ralph Fiennes, bei der dieser allein auf der Bühne TS Eliots episches Gedicht rezitiert. Für diejenigen, die die Aufführung nicht persönlich sehen konnten, ist dies eine einzigartige Gelegenheit für Fans des Dichters und des Schauspielers gleichermaßen. Der Film ist jetzt im Kino.

Für The Times schrieb Robert Abele: „Unerschrocken theatralisch in der Präsentation, aber unterbrochen von Zwischenspielen der Natur, sind diese ‚Vier Quartette‘ ein mehrgängiges Festmahl konzentrierter Aromen: hypnotisierende Sprache, meisterhafte Beschwörung und die Art poetischer Bilder, die in …“ Die Hände eines großartigen Schauspielers fühlen sich an wie eine direkte Verbindung von Eliots Feder zur Landschaft unseres Geistes. … „Vier Quartette“ ist die Definition von Spezialkost für ein Nischenpublikum, aber in ihrer Reinheit der Verbindung fragt man sich, warum es nicht mehr Möglichkeiten gibt, intim inszenierte Theateraufführungen auf Film festgehalten zu sehen. Auch wenn dieses bescheidene Format manchmal nach pädagogischen PBS-Abenden und visueller Stelzenhaftigkeit riecht, ist es aufgrund seiner unaufdringlichen, leistungsorientierten Menschlichkeit reif für eine Neubewertung und Neuinterpretation, wie Sophie Fiennes‘ äußerst ehrfürchtige Aufnahme des beeindruckenden Leidenschaftsprojekts ihres Bruders zeigt.“

Für die New York Times schrieb Teo Bugbee: „Als Schauspieler verrenkt, stampft und tanzt Fiennes – er liefert eine Animation von Eliots Sprache, eine kraftvolle Darbietung, die die Anhäufung von Versen zu Poesie wie das anstrengende, mathematische Errichten von Mauern behandelt.“ eine Kathedrale. Er spricht langsam und gibt den Zuschauern Zeit, Eliots Worte zu verstehen. Doch trotz aller Bemühungen des Schauspielers entspricht der Film um ihn herum nicht seiner Sanftheit. … Fiennes bringt das Feuer, doch die Luft um ihn herum bleibt selbst von seiner Glut unberührt.“

Ralph Fiennes in „Vier Quartette“

(Kino Lorber)