LONDON – Ich habe den Zwischenrufer nicht wirklich gesehen, aber ich kann Ihnen sagen, was ich von unten hörte: eine Männerstimme durch etwas, das wie ein Megaphon klang und die Menge verhöhnte, die sich vor dem Gillian Lynne Theatre für Andrew Lloyd Webbers „Cinderella“ aufstellte .“
Dieser Zwischenrufer aus dem West End verspottete uns wegen zweier Dinge, eines kleinlich – dass wir Geld für Tickets für eine solche Show ausgeben würden – das andere giftig.
Schau dich in deinen Masken an, sagte er. Was für ein Haufen Dummköpfe.
Während ich auf dem Bürgersteig auf meinen Freund Ken wartete – der wegen der geteilten Kritiken unbedingt „Cinderella“ sehen wollte, während ich neugierig war, weil Emerald Fennell („Promising Young Woman“) das Buch geschrieben hat – war ich bereits doppelt maskiert. Ich war erst an diesem Morgen in Heathrow gelandet und begann mein einwöchiges Theaterrauschen mit einer Matinee von Nick Paynes „Constellations“.
Ich fühlte mich wirklich schuldig wegen der ganzen Sache – weil ich in einem anderen Land war. Aber ich hatte meine zwei Dosen des Moderna-Impfstoffs, ich war verrückt nach Masken, und meine Welt war durch die Pandemie besorgniserregend klein geworden. Monate zuvor, als ich auch nur den geringsten Hoffnungsschimmer brauchte, um durch dieses Schlamassel zu kommen, hatte ich Karten gekauft, um Ian McKellen Hamlet spielen zu sehen. Diese Hoffnung wollte ich nicht aufgeben.
Obwohl sich „Constellations“ als enttäuschend herausstellte – ohne Chemie zwischen den Stars, Chris O’Dowd und Anna Maxwell Martin und damit zu wenig Humor und ohne Herzschmerz – fühlte es sich dennoch wie ein Wunder an, aus einem Flugzeug zu steigen und ein paar Stunden später gesellen Sie sich zu diesem vollgestopften Publikum. (Da ich in den USA vollständig geimpft war, musste ich nicht in Quarantäne.) Abgesehen von den vielen maskierten Gesichtern und dem Gesundheitsfragebogen, den wir in den 48 Stunden vor der Show beantworten mussten, um unsere Tickets per E-Mail zu erhalten , es fühlte sich sehr an wie in alten Zeiten.
Aber bei „Cinderella“ saß ich an diesem Abend neben einem nackten Tween, und neben ihr standen zwei weitere unmaskierte Kinder. Alle sahen zu jung aus, um geimpft zu werden. Und angesichts des öffentlichen Beharrens von Lloyd Webber, dass Pandemie-Theater sicher durchgeführt werden kann und muss, gab es überraschenderweise keine Impf- oder Testpflicht für das Publikum. Viele Menschen wurden enttarnt, darunter auch diejenigen, die ihre Masken zum Essen oder Trinken ablegten.
Aber das Musical selbst? Es war ein chaotisches, überfülltes Vergnügen, eine Aschenputtel-Erzählung, die so radikal umgestaltet wurde, dass wir uns feministischen Anti-Prinzessinnen-Typen schließlich, unwahrscheinlich, mit ihr identifizieren können. Nicht umsonst ist jedes Solo, das sie singt, dazu bestimmt, auf Highschool-Bühnen durch die Jahrhunderte hingerissen zu werden.
Und wenn sich während des Balles der Zuschauerraum physisch so verwandelt, dass wir in der Runde sitzen, die Drehbühne so nah bei uns, dass die Szene plötzlich intim anmutet, dann ist das ein absolut bezaubernder Theaterzauber – wie man ihn hat dabei sein zu erleben.
Am Morgen danach ging ich zu einer Covid-Teststelle. Ich war zwei Tage, bevor ich hierher geflogen bin, in New York getestet worden (eine Anforderung, die am 4. Oktober für vollständig geimpfte Reisende verschwinden soll, wenn die Vorschriften gelockert werden), aber auch Personen, die in den USA vollständig geimpft sind, müssen sich zuerst einem Test unterziehen paar Tage nach der Ankunft. Ich ging in einen Stall, wischte mir den Rachen (Knebel) und meine Nasenlöcher (Niesen) ab und steckte die Probe dann in eine Dropbox.
Ich hatte noch mehr Shows zu sehen: zuerst Kae Tempests „Paradise“, eine Neubearbeitung von Sophokles’ „Philoctetes“ mit einer rein weiblichen Besetzung im Nationaltheater. Es war eine Matinee, und sie filmten sie; Ich entdeckte sechs Kameras, darunter eine, die sich langsam auf einer kurvigen Strecke vor der Bühne auf und ab bewegte.
Ich war mir nicht sicher, ob ich diese Geschichte über den lange verlassenen Krieger mit seiner eiternden Wunde noch einmal erzählen musste, und Tempests Drehbuch allein hätte mich nicht überzeugt. Aber ich durfte die packende Lesley Sharp miterleben, deren kurvenreiche Darstellung des polternden Philoktetes eine knisternde Energie hatte.
Die Show an diesem Abend war Tom Stoppards mit dem Olivier Award ausgezeichnete „Leopoldstadt“, eine komplizierte Familiensaga, die von der Geschichte seiner eigenen jüdischen tschechischen Familie inspiriert wurde, von denen einige vor den Nazis flohen – wie er, seine Eltern und sein Bruder es taten, als Stoppard war ein Kleinkind – und viele von ihnen wurden von ihnen ermordet.
Es war die dritte großangelegte Produktion, die ich innerhalb von zwei Tagen gesehen hatte, und die erste, in der nach einem Impfnachweis gefragt wurde. Auch dieses Theater war überfüllt, aber hinter meiner Doppelmaske verlor man sich leicht in der schieren Stoppardität des Stücks: dem borstigen Intellektualismus der Figuren und der bürgerlichen Leichtigkeit, die abebbt, dann aber ganz verschwindet, wenn die Nazis auftauchen.
Mein Freund Ken und ich gingen danach auf einen Drink im Freien, nur einen Steinwurf von ein paar Bühnentüren entfernt. Es war ermutigend, Schauspieler zu sehen, die aus ihnen hervorgingen, genauso wie es süß gewesen war, auf meinem Spaziergang zum Theater kleine Kinder in eisblauen Kleidern auf ihrem Weg zu “Frozen” zu beobachten. Die Lebendigkeit fühlte sich so willkommen, so notwendig an.
Früh am nächsten Abend schritt ich zügig am Südufer der Themse entlang zum National, und ich schlenderte im Zickzack durch Scharen von Menschen jeden Alters, die beiläufig Spaß hatten. Es fiel mir nicht zum ersten Mal auf, dass in Filmen die Charaktere, die durch malerische Massenszenen rasen, oft in eine schiefgelaufene Kapriole verwickelt sind. Was ich, obwohl ich es noch nicht wusste, war.
Für Winsome Pinnocks „Rockets and Blue Lights“ kam ich 45 Minuten früher ins National, weil das meine zugewiesene Ankunftszeit war – gestaffelt für die Pandemiesicherheit. Ich hatte mein Programm und eine Kopie des Drehbuchs bereits gekauft, als ich mich in einen Raum abseits der Lobby setzte, meine E-Mails checkte und einige fassungslose Momente brauchte, um zu ergründen, was ich las. In großen, fetten Buchstaben stand auf meinem Covid-Testergebnis „Positiv“.
Ich flüchtete zu Fuß, doppelt maskiert, direkt zurück in mein Hotel, wo ich mich für die nächsten 10 Tage isolieren musste. Eines der ersten Dinge, die ich tat, war, allen Kinokassen eine E-Mail zu schicken, um ihnen mitzuteilen, welche Vorstellung ich gesehen hatte und wo ich gesessen hatte.
Vor und nach meinem Test und während meiner Isolation fühlte ich mich rundum wohl. Aber was ist mit dem entlarvten Mädchen neben mir bei „Cinderella“? Was ist mit den Leuten um mich herum bei anderen Shows? Mein Freund Ken wurde getestet und es geht ihm gut. Aber wie viel hat mir meine doppelte Maskierung genützt?
Theater ist eine soziale Kunstform, die soziale Risiken mit sich bringt. Ich habe sie berechnet, bevor ich reiste, und entschied, dass sie es wert waren. Aber natürlich wusste ich nicht, dass ich die Bedrohung im Raum sein würde.
Auf der letzten Seite des „Constellations“-Programms befindet sich eine Airline-Werbung, die Theaterliebhaber dazu bringen soll, wieder den Atlantik zu überqueren. „Die ganze Welt ist eine Bühne“, steht unter einer Nahaufnahme von Straßenschildern – der Kreuzung von Broadway und West 42nd Street – und über einer Aufnahme eines Theaterinterieurs, das eindeutig britisch aussieht.
Mit anderen Worten: Komm schon. Du willst es doch auch.
Ich hatte es gewollt. Ich bin mir nur nicht sicher, ob es das Richtige war, diesem Impuls zu folgen. Noch nicht.
UND DANN WURDE ICH GEFEDERT. Am Ende der 10 Tage ging ich zu einem netten, zufälligerweise musikliebenden Arzt (er dachte, „Six“ könnte sich für den Broadway als zu britisch erweisen), der mich untersuchte, erklärte, dass ich genesen war und einen entsprechenden Brief schrieb, damit ich es tun würde in die USA zurückfliegen dürfen.
Aber es wäre herzzerreißend und verschwenderisch gewesen, nach Hause zu gehen, ohne das zu bekommen, was ich wollte. Also blieb ich, um sieben weitere Shows in vier weitere Tage zu packen, angefangen mit McKellens gesundem und verfolgtem Hamlet, einer fesselnden Interpretation in einer frustrierend zusammenhanglosen Produktion.
Ich sah eine Matinee der langjährigen Geistergeschichte „Die Frau in Schwarz“, von der ich gehofft hatte, dass sie nach dem Herunterfahren frische Energie haben würde (hat sie nicht), und an diesem Abend in der Menier Chocolate Factory Rebecca Taichmans großartige Produktion von Paula Vogels wunderschönem „Indecent“, das mich ruiniert und begeistert hat. (Wie viele Theater hat die Schokoladenfabrik eine nachsichtige Covid-Umtauschpolitik.)
Ich kehrte ins National zurück, um Pinnocks „Rockets and Blue Lights“ zu sehen, die ich isoliert gelesen hatte und die in Miranda Cromwells Inszenierung zärtlich und wunderbar theatralisch auf schwarze Körper eingehen und eine brutale Geschichte der britischen Geschichte und des Erbes der Sklaverei erzählen .
Dann begeisterte mich die Regisseurin Ola Ince – zuerst am Royal Court mit ihrer exzellenten Inszenierung von Aleshea Harris’ „Is God Is“ und am nächsten Nachmittag bei Shakespeare’s Globe mit dem besten „Romeo und Julia“, das ich je gesehen habe: getroffen und voller Gelächter, aber mit einem postmodernen Bewusstsein der gesellschaftspolitischen Resonanzen des Stücks und einer Million Meilen davon entfernt, seine Selbstmorde zu romantisieren. Die Todesfälle am Ende sind furchtbar traurig.
Meine letzte Show war Bess Wohls seltsames, lustiges, großartig besetztes neues Stück „Camp Siegfried“ im Old Vic, dem Theater, dessen frühe Pandemie-Livestream-Produktionen so viele von uns von so weit her unterstützten. Es war bewegend zu sehen, wie sich dieser wunderschöne Raum, der vor der Kamera höhlenartig leer war, mit einem Publikum füllte.
Aber bei dieser und fast jeder Produktion, die ich sah, gab es Unmengen – manchmal eine Mehrheit – von Menschen mit bloßem Gesicht in der Menge, die sich rücksichtslos und wahnhaft anfühlten, als ob die Pandemie der Vergangenheit angehören würde. (Ich hätte gedacht, dass sich ein Publikum zumindest in dem Versuch vereinen könnte, Ian McKellen nicht mit Covid zu töten, aber anscheinend nicht.) Wenn ich nicht nur das Virus gehabt hätte, hätte es mich komplett ausgeflippt. New Yorker Theater, die bei Masken und Impfungen weitaus strenger sind, fühlen sich viel sicherer.
Und doch. Neulich ging ich zum Fuß der Westminster Bridge, um die Statue von Mary Seacole zu besuchen, der britisch-jamaikanischen Krankenschwester, von der ich bis vor zwei Jahren noch nie gehört hatte, als Jackie Sibblies Drurys prächtiges kaleidoskopisches Stück „Marys Seacole“ seine Premiere feierte im Lincoln Center-Theater. Mein Kopf schwirrte bei Gedanken an die Produktion von Donmar Warehouse im Frühjahr: Wie faszinierend wäre es, sie vor einem britischen Publikum zu sehen, wie sehr ich das tun möchte.
Ich liebe London, liebe es, hier Theater zu sehen. Ich frage mich nur, wann es sich in Ordnung anfühlen wird, wiederzukommen.