Wir haben den ersten Sommer mit voller Kapazität in amerikanischen Arenen und Nachtclubs nach dem pandemiebedingten Winterschlaf zur Hälfte hinter uns. Haben Sie zu diesem Anlass ein glorreiches, mythenschaffendes Konzert besucht? Vielleicht hat Ihnen die Wiedereröffnung des Madison Square Garden durch die Foo Fighters Gänsehaut bereitet, oder vielleicht haben Sie bei der ersten großen Comeback-Show in New Jersey die Luftposaune der Band Chicago gespielt (NJ.com-Rezension: “Enjoyment came in many forms Thursday night”).
Oder vielleicht hatten Sie eine weniger schöne Live-Musik-Erfahrung. Eine kürzlich erschienene virale Nachricht beschrieb Aufspießung und angebliche Strangulation bei einem Rave in Kentucky. In einem anderen vom vergangenen Wochenende warf jemand DaBaby einen Schuh zu. Als ich in meiner Nachbarschaft zu einem DJ-Set ging, tanzte ein beunruhigend betrunkener Typ auf mich zu, schnappte sich meine Wasserflasche, schluckte alles darin und spuckte es wie eine Art Anti-Trinkdrache sofort und theatralisch aus. Dann ist da noch das COVID von allem: Mehr als 1.000 Infektionen, die auf ein niederländisches Musikfestival zurückgeführt wurden, ein Teammitglied von Foo Fighters positiv getestet wurde, die Rede von möglichen neuen Abschaltungen und Absagen als Reaktion auf die Delta-Variante.
Es ist wahr, dass es “die lebensbejahendste Erfahrung” ist, Ihren Lieblingsmusiker auftreten zu sehen, wie Dave Grohl zu Beginn der Pandemie für diese Veröffentlichung schrieb. Questloves neuer Dokumentarfilm, Sommer der Seele– über das Harlem Cultural Festival 1969, das manchmal auch als „Black Woodstock“ bezeichnet wird – unterstreicht auf schöne Weise, wie Konzerte Gemeinschaft und positive Veränderungen schaffen können. Aber für einen Erwartungscheck lohnt sich ein anderer Dokumentarfilm über einen anderen Woodstock. In dieser Saison, in der viele Ereignisse als folgenschwer überbewertet werden, ist der neue HBO-Film Woodstock 99: Frieden, Liebe und Wut bietet eine erschreckende Demonstration, wie Gier, kultureller Verfall und die Launen des Massenverhaltens ein Konzert aus den falschen Gründen zu einer generationsdefinierenden Sache machen können.
Die allgemeinen Konturen der Woodstock ’99-Geschichte sind fast so legendär wie die des ursprünglichen Woodstocks. Zum 30-jährigen Jubiläum der wundersamen Hippie-Versammlung auf einer Milchfarm im Bundesstaat New York haben die Organisatoren (darunter der Mitbegründer der Veranstaltung von 1969, Michael Lang und der erfahrene Promoter John Scher) die dritte große Iteration der berühmtesten Musik der Welt zusammengestellt Festival (das zweite, Woodstock ’94, war ziemlich gut gelaufen). Eine von Heavy-Metal-Acts – Korn, Metallica, Limp Bizkit – dominierte Rechnung zog etwa 400.000 Besucher an drei schwülen Tagen auf der Griffiss Air Force Base in Rom, New York, an. Austrocknung, Respektlosigkeit und Gewalt überschatteten schnell die Musik. Menschenmengen verwüsteten das Gelände, tummelten sich im abwasserverseuchten Schlamm und legten Feuer. Vier Frauen meldeten Vergewaltigungen bei der Polizei, viele weitere sprachen später von sexuellen Übergriffen.
Woodstock 99: Frieden, Liebe und Wut, ein fesselnder visueller Essay produziert von Der Ringer, verkompliziert das öffentliche Bild des Festivals nicht so sehr, sondern bestätigt dessen Wahrhaftigkeit in ekelhaften Details. Das Filmmaterial zeigt brüllende Brüder, die weibliche Crowdsurfer tappen, weiße Zuschauer, die zu jedem N-Wort-DMX-Rufe auf der Bühne rappen, und Carson Daly, der von Konzertbesuchern mit Müll beworfen wird, die MTV für mädchenhaft und uncool halten. Vieles von diesem Material ist unglaublich filmisch, und der Film kann oft – besonders wenn es um das Thema geht, wie viele oben ohne Frauen bei Woodstock ’99 waren – ein mulmiges Gefühl des Voyeurismus nicht loswerden. In einer einzigen Einstellung für die Ewigkeit stoßen wütende Teilnehmer eine Wand mit einem FRIEDEN! LIEBE Wandgemälde. Eine weitere kranke Ironie: Kerzen, die für eine Mahnwache gedacht waren, um die Opfer der Columbine-Schießerei zu betrauern, sind in die zerstörerischen Brände der letzten Nacht verwickelt.
Der Dokumentarfilm stützt sich auf Interviews mit Musikkritikern, Woodstock ’99-Teilnehmern, Mitarbeitern und Darstellern (Jewel, Moby, Korns Jonathan Davis) und liefert zwei ineinandergreifende Argumente dafür, warum das Chaos ausbrach. Einer ist kulturell: Das Festival verkörperte die Frauenfeindlichkeit, die die Popkultur der späten 90er Jahre beherrschte. Aufnahmen aus den Filmen Fight Club und amerikanischer Kuchen, sowie Clips von Mädchen, die wild geworden sind, illustriert das Ausmaß, in dem weiß-männliche Wut und Lust von den damaligen Medien aufgewertet wurden. Der Nu-Metal-Boom spaltete Hip-Hop und Grunge aus jedem gesellschaftlichen Bewusstsein und verbreitete eine quellenlose, schlammige Angst. Aber obwohl der Film alles, was er darstellt, eindeutig kritisiert, kann er nicht umhin, das dämonische Talent von Figuren wie Fred Durst von Limp Bizkit zu bezeugen. Er strahlt engagiertes Charisma mit toten Augen aus, während er die Menge durch eine gewalttätige Interpretation des Songs „Break Stuff“ führt.
Der andere Schuldige für die Katastrophe von Woodstock ’99 ist laut dem Dokumentarfilm Geiz. Der ursprüngliche Woodstock hatte keine Zäune und war für viele kostenlos; Konzertbesucher durchbrachen die Barrieren im Jahr ’94. Im Jahr 1999 wollten die Organisatoren einen stärker befestigten Ort und wählten eine stillgelegte Militärbasis, auf der kilometerlange Streifen aus schattenlosem Asphalt jede Etappe trennen würden. Wasserflaschen wurden für 4 Dollar pro Stück verkauft, und Scher – der während des gesamten Dokumentarfilms karikaturhaft gefühllos ist – argumentiert bis heute, dass durstige Festivalbesucher mit Bargeld hätten kommen sollen. Hygiene und Sicherheit vor Ort hatten anscheinend keine hohen Prioritäten. Diese Bedingungen gefährdeten nicht nur die Menge – sie machten die Leute wahnsinnig. Nachtschwärmer gekritzelte Nachrichten wie GREEDSTOCK im gesamten Veranstaltungsort, und der Dokumentarfilm legt nahe, dass die Ausschreitungen und Brände in gewisser Weise Rebellionen gegen die Ausbeutung waren.
Es mag inkohärent erscheinen, die Teilnehmer von Woodstock ’99 gleichzeitig als toxisch männliche Schrecken darzustellen und rechtschaffene Antikapitalisten. Doch die Filmemacher und ihre Interviewpartner ziehen Verbindungen zwischen Kultur und Kommerz: Moby zum Beispiel beschreibt, wie die sensible Unzufriedenheit, für die Kurt Cobain Anfang der 90er Jahre stand, bis ’99 mithilfe von Labels und Radiopromotern in oafish Nu Metal abdriftete um ein riesiges Publikum zu gewinnen. Bemerkenswert ist auch, dass die Organisatoren des Festivals ein Line-Up von Bands gebucht haben, das sich im Moment gut verkaufte, aber nicht den sanften, integrativen Geist des ursprünglichen Woodstocks verkörperte: So standen beispielsweise nur drei weibliche Performer auf dem Programm. Also hat die Branche die Menge, die zu Woodstock ’99 kam, satt gemacht, und dann hatte diese Menge die Kräfte satt, die sie geschaffen hatten. Ein Befragter, zum Zeitpunkt des Festivals ein Teenager, drückt seine Verwunderung darüber aus, dass er sich von einem sanftmütigen Kind zu einem destruktiven entwickelt hat Herr der Fliegen Charakter im Laufe des Wochenendes. „Wenn ich in Rom bin, denke ich“, sagt er.
Alles in allem war das Fest ’99 ein Strudel des Zynismus, der unmöglich zu reproduzieren scheint. Dennoch ist der Dokumentarfilm so lebendig, dass er bei dem Gedanken an all die kommenden Versammlungen Angst einflößt. Befinden wir uns derzeit nicht in einem Moment übertriebenen Hypes, schwelenden Ressentiments und logistischem Chaos? Wie viele Veranstaltungen werden sich in diesem Jahr als einmalige Zeugnisse des Gemeinschaftssinns bezeichnen, und wie viele davon werden wirklich nur von Gewinnstreben um jeden Preis motiviert? Wer kann darauf vertrauen, dass die Entscheidungen der Konzertveranstalter über Absagen oder Sicherheitsmaßnahmen nach Treu und Glauben getroffen werden, wenn neue virale Varianten durch die Bevölkerung fegen?
Für jeden, der mit solchen Ängsten konfrontiert ist, ist es beruhigend zuzusehen Sommer der Seele, das unglaubliche Auftritte von Stevie Wonder, Nina Simone, Mahalia Jackson und einer Vielzahl anderer wichtiger schwarzer Stimmen während einer Zeit der Abrechnung und Transformation in Amerika bietet. Eine wichtige Aussage des Dokumentarfilms ist, dass es beim kostenlosen Harlem Cultural Festival 1969, wie Gladys Knight es ausdrückte, „nicht nur um die Musik ging“ – es ging um Gemeinschaft und Gesellschaft und einen Moment in der Geschichte. Alle Beteiligten, zumindest der Darstellung des Films nach, ruderten gemeinsam in eine friedliche und fortschrittliche Richtung. Eine Masse von Menschen auf die gleiche Wellenlänge zu bringen, ist eine seltene und kraftvolle Sache, die wir alle seit März 2020 vermisst haben – aber diese Kraft, die wir am besten nicht vergessen sollten, kann für viele verschiedene Zwecke verwendet werden.
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