Wenn es um neue Musik geht, die während der Pandemie geschrieben wurde, haben Komponisten einerseits dazu tendiert, Einsamkeit, Isolation und Trauer zu reflektieren. Auf der anderen Seite haben sie den erholsamen Glanz gesucht, der darin besteht, einfach am Leben zu sein und in einer Zeit der Schwierigkeiten und Entbehrungen Musik zu machen.
Aber der isländische Komponist Daníel Bjarnason will nichts davon haben. „FEAST“, sein Klavierkonzert, das am Wochenende von den Los Angeles Philharmonic in der Walt Disney Concert Hall uraufgeführt wurde, ist ein dunkel leuchtender Totentanz, inspiriert von Edgar Allan Poes „The Masque of the Red Death“.
„Der ‚Rote Tod’ hatte das Land lange verwüstet. Keine Pest war jemals so tödlich oder so abscheulich“, beginnt Poes Geschichte von 1842 über einen Prinzen, der mit Nachtschwärmern in seinem noblen Schloss sicher eingesperrt feiert, während die hoi polloi draußen zugrunde gehen. Was Poe vor 180 Jahren als „A Fantasy“ bezeichnete, klingt heute in Los Angeles durchaus glaubhaft.
Es muss auch Bjarnason glaubwürdig erschienen sein, der sich dieses Jahr an Poe wandte, als er sein Konzert fertigstellte. „FEAST“ wurde für den isländischen Starpianisten Vikingur Ólafsson geschrieben und war das Herzstück des Programms von Esa-Pekka Salonen an diesem Wochenende. Am Sonntag, dem Tag, an dem ich das Konzert hörte, hatte Island – obwohl ein Musterland in seiner Reaktion auf die Pandemie – dennoch die höchste Zahl von COVID-19-Fällen pro 100.000 Einwohner auf der Welt, was Poes „Fantasy“ nur noch weniger fantastisch macht .
Die Kreuzung von Melancholie und Verwunderung ist ein vertrautes Merkmal der isländischen Musik, sei es Björk oder Bjarnason. Als Bjarnasons Violinkonzert 2017 im Hollywood Bowl uraufgeführt wurde, begann der Solist mit Pfeifen und gleichzeitigem Geigenspiel, als würde er feierlich die Sterne herbeirufen. Zwei Jahre später drehte Bjarnason mit „From Space I Saw Earth“ den Spieß um, das zur Feier des 100-jährigen Jubiläums des LA Phil geschrieben wurde. Hier stellte er sich klanglich vor, wie er aus der Ferne auf uns herabblickte.
In ähnlicher Weise ist Bjarnasons Tagebuch der Pestjahre in diesem Konzert eher global als persönlich. Darin schreitet die Zeit voran. Das Jenseits bleibt immer das Jenseits. Der Pandemie-Düsternis kann entgegengewirkt werden, indem sie uns an die Bedeutung des Jetzt erinnert.
Das Programm, das Bjarnason für „FEAST“ vorschlägt, beginnt mit einem Schwelgen, das durch einladende Tonleitern vermittelt wird, die im Orchester und im Soloklavier ansteigen. Es kommen Andeutungen, die Welt auszusperren und den Zuhörer in den üppigen Luxus von Rachmaninoff-ähnlichen Harmonien zu verstricken. Aber die Uhr tickt. Glocken läuten. Erst ein Tanz, dann ein Totentanz. Und schließlich eine Prozession, ein Ausweg. Oder vielleicht ist das ein Weg hinein, zu einer neuen Wertschätzung des Lebens.
Das Konzert hat seine Höhen und Tiefen. Der Pianist lockt den Zuhörer und bringt dann in donnernden Höhepunkten alles zum Einsturz, nur um erneut unruhige Heiterkeit zu erzeugen. An einer Stelle stoppt das Orchester, lauscht eine Sekunde lang der Stille und geht dann direkt darauf zurück.
Ólafssons Lyrik ist derart, dass sein Klavier sowohl Bjarnasons Licht als auch den Schrecken verkörpert. Nichts kann seinen schönen Ton dämpfen, und sein Überleben wird durch all das zu einem Symbol des Überlebens. Bjarnasons Gefühl einer ominösen Allwissenheit bleibt, aber er hat das wundersame Talent, damit Sie sich deswegen nicht allzu schlecht fühlen.
Das Konzert war ursprünglich für die vergangene Spielzeit unter der Leitung von Gustavo Dudamel geplant, der Beethovens Siebte Symphonie als Begleitmusik geplant hatte. Salonen umgab in der zweiten und letzten Woche seiner jährlichen LA Phil Residency als Ehrendirigent des Orchesters allwissend das, was sich als ein ganz anderes „FEAST“ herausstellte, das ein Jahr später geschrieben wurde, mit zwei ernsten, großformatigen, wunderintensiven frühen 20ern Jahrhundert Werke. Das erste, Bartóks Musik für Streicher, Schlagzeug und Celesta, schwelgt in der Mechanik des Universums.
Die Streicher sind in zwei Gruppen unterteilt und arbeiten im kontrapunktischen Dialog, wobei sie aus den tiefsten Tönen ein Klanguniversum aufbauen. Für Bartók ist das Universum ein strukturelles Meisterwerk, das in Fuge und Tanz dargestellt werden soll. Aber er hat auch seine Hand im Staunen, das Schlagzeug, das das Geheimnis der Nacht und ihre Klänge im langsamen Satz heraufbeschwört.
Sibelius umfasst in seiner Siebten Symphonie, die auf „FEAST“ folgte, scheinbar weder Design noch offensichtliche dramatische Absicht. Doch sie beginnt, wie sowohl Bartóks als auch Bjarnasons Partitur, mit einer langsamen Aufwärtsbewegung, Musik, die langsam aus tiefen Vertiefungen hervortritt.
Die Symphonie hat das Geheimnisvollste von allen. Sibelius schrieb es 1924, in seinem 61. Lebensjahr, und schrieb dann in den nächsten 30 Jahren kaum etwas anderes. Bei dieser letzten Symphonie (es wird gemunkelt, dass der Komponist eine achte Symphonie verbrannt hat) ist Sibelius fast wie eine Meditation, bei der Sie Ihre Gedanken ihren eigenen Weg finden lassen, was in den geübtesten Fällen zur Erleuchtung führen könnte.
Wie auch immer Sibelius es erreicht hat, seine letzte Symphonie kann in den richtigen Händen eine transzendentale Kraft haben. Diese Hände waren Leonard Bernsteins und jetzt Salonens. Die Stimmung wird von einer hymnischen Andacht bestimmt. Eichhörnchen-kleine Themen im Wind wehen in diesem quasi-religiösen Wind. Eins folgt dem anderen, verwandt, sinnstiftend, aber nicht auf offensichtlich offensichtliche strukturelle Weise.
Was Sie bei einer großartigen Darbietung spüren, ist ein Gefühl der Ergänzung, wobei jedes Detail dazu beiträgt, die Stimmung zu heben. Das kulminierende Ende ist groß und kraftvoll, aber nicht riesig und überwältigend. Die Symphonie klingt, als wäre sie vorbei, scheint aber nicht vorbei zu sein. Die Erhabenheit hallte noch lange nach, nachdem die Töne in dieser hinreißenden, mitreißenden, außergewöhnlich gespielten Darbietung verklungen waren.