„Ich war ein unglaublich frecher Teenager“, sagt der im österreichischen Graz aufgewachsene Keramiker Matthias Kaiser. “Eines Tages bin ich einfach verschwunden.” 1989, im Alter von 19 Jahren, verkaufte er sein Auto und kaufte ein One-Way-Flugticket nach New York in der Hoffnung, Jazzmusiker zu werden (er spielte Sopransaxophon) – nur um durch eine zufällige Begegnung seinen Plan radikal zu ändern. Als er etwa ein Jahr nach seiner Ankunft den West Broadway entlang ging, stieß er auf einen Stand, an dem eine Gruppe von Töpfern traditionelle, handgefertigte Keramik aus Pennsylvania und, obwohl einfach, die blau-weiße Schwammgefäße fesselten ihn. „Ich konnte einfach nicht glauben, dass sie diese selbst hergestellten Objekte verkauften“, sagt er. “Es hat mich umgehauen.”
Die Erfahrung zwang Kaiser, jetzt 51, sich für die Töpferei einzuschreiben an der Parsons School of Design, wo er sofort eine Affinität zur Arbeit mit Ton entdeckte. „Ich verbrachte meine Nächte damit, Tische zu warten und jede freie Minute im Keller der Schule zu experimentieren“, erinnert er sich. Zu seinen frühen Arbeiten gehörten Teller, Tassen, Schalen und Teekannen, deren Glasuren von den alten Keramikpraktiken Koreas, Chinas und Japans inspiriert waren. Und diese Auseinandersetzung mit künstlerischen Traditionen aus der ganzen Welt – begleitet von einer unerschütterlichen Reiselust – prägt seine Arbeitsweise weiter und formt ein Werk, das sich sowohl durch seine technische Strenge als auch durch seine stilistische Vielfalt auszeichnet. Kaisers Stücke reichen von antik wirkenden Steingutschalen, deren rissige Rutschflächen an Relikte aus archäologischen Stätten erinnern, bis hin zu kugelförmigen Gefäßen mit außermittig glasierten Stielen in glänzendem Japan tenmoku bis hin zu weißen geometrischen Porzellanvasen, die von der Ästhetik des Bauhauses, der deutschen Kunstschule des frühen 20. Er wurde mit einer ähnlich globalen Mischung von Veranstaltungsorten gezeigt, darunter die Londoner Flow Gallery, Sight Unseen Offsite in New York und Gallery Fukuda in Niigata, Japan, und erntete Anerkennung für sein tiefes Engagement für sein Handwerk.
Einige Jahre nachdem er Parsons verlassen hatte, zog Kaiser in dem Bemühen, die Wurzeln seiner Berufung besser zu verstehen, nach Japan, um bei zwei Töpfermeistern jeweils für ein Jahr eine Lehre zu machen. In seiner Ausbildung bei Fumitada Moriwaki in Seto, einem Epizentrum der glasierten Keramik seit dem 13. Jahrhundert, erlernte er Techniken wie orbe, eine Art, Steinzeuggefäße von Hand zu formen und zu glasieren, um lebendige Formen mit ausdrucksstarken Lackoberflächen zu schaffen. Während Takashi Nakazato, ein Hersteller in der 13. einschließlich e-Karatsu (bedeutet „Bild Karatsu“), in dem Stücke mit handgezeichneten Vögeln und Blumen verziert sind. Nach seiner Zeit in Japan machte sich Kaiser auf den Weg durch China, Indien und den Iran – wohin er für die nächsten 13 Jahre zweimal im Jahr zurückkehrte, um den Sufismus zu studieren – und dieses Reisekapitel hinterließ einen unauslöschlichen Eindruck in seiner Arbeit. „Das bedeutet, dass mir nie die Ideen ausgehen“, sagt er. „Das Schwierigste ist, die Zeit zu finden, sie alle zu realisieren.“
Heute arbeitet er die meiste Zeit des Jahres in seinem Atelier in dem weitläufigen, grünen Fensterladen aus dem 12. Der schlichte Raum mit Erdboden ist Nakazatos Arbeitsplatz nachempfunden, hat kahle, weiße Wände und ist minimalistisch eingerichtet. „Die Leere gibt mir Raum zum Nachdenken“, sagt Kaiser. Jedes Objekt, das er in den Raum gebracht hat – vom großen antiken ayurvedischen Medizinschrank aus Teakholz, in dem er seine Materialien und Werkzeuge (einschließlich der indischen Zungenschaber, die er zum Schnitzen verwendet) aufbewahrt, über sein Paar japanischer Treträder aus Eichenholz bis hin zum Trocknen Regale, die über ihnen von der Decke hängen – hat einen Zweck. Die Räder sind am nördlichen Ende des Ateliers im Boden versenkt, so dass er, wenn er auf einem sitzt, durch ein großes Flügelfenster nach Osten auf einen üppig fruchtenden Kirschbaum und einen Bach blicken kann, der durch das Grundstück fließt. Als Kind verbrachte er die Wochenenden in demselben Gartenteich, tauchte und sammelte Käfer. „Hier habe ich gelernt, verschiedene Pflanzen- und Tierarten zu erkennen“, sagt er. “Es war eine großartige Lektion, wie man seine Augen stimmt und wirklich lernt, wie man aussieht.”
Seit Kaiser 1994 im Haus sein Atelier eingerichtet hat, ist sein Leben in Österreich in einen klösterlichen Rhythmus gefallen, den er genießt. Wochenenden verbringt er mit seiner Tochter in Wien, wo er eine Wohnung hat, und arbeitet werktags vom späten Nachmittag bis in die Nacht in Grafendorf. Seine komplizierteren, skulpturalen Arbeiten – die er mit verschiedenen Kombinationen aus Wickeln, Paddeln und Radwerfen gestaltet – stammen in der Regel aus Tintenstiftzeichnungen, die er in einer Reihe von Notizbüchern anfertigt, aber er findet, dass das Radwerfen einfacherer Gefäße ein instinktiverer Prozess ist . „Diese müssen aus Ihrer eigenen Geste stammen, nicht aus einer Skizze“, erklärt er. „Und es braucht Zeit und Erfahrung, diese Techniken zu verinnerlichen.“
Von der Konzeption bis zum endgültigen Brennen kann Kaiser bis zu sechs Wochen in Anspruch nehmen, um ein einzelnes Stück fertigzustellen, was auch daran liegt, dass er seine eigenen Materialien mischt, um seinen Werken eine organische Anmutung zu verleihen. Seine Glasuren stellt er von Hand aus Pflanzenasche und Mineralien her, nach einer uralten Methode, die er in Japan erlernt hat. Und statt auf fertige Tonmischungen zu setzen, die er zu homogen findet, bezieht er eigene, entweder aus Österreich oder von Fachhändlern in Tschechien. “Wäre ich als Holzarbeiter möchte ich nicht nur mit Sperrholz arbeiten“, erklärt er. „So wie es verschiedene Holzarten gibt, von denen jede eine andere Schönheit hat, gibt es auch verschiedene Arten von Ton.“ Er schätzt einen mit Eisenerz gesprenkelten Ton, den er beispielsweise von einem Standort in der Nähe seines Ateliers schaufelt, wegen seiner Variabilität und strukturellen Vielfalt. Er mischt jedes Stück davon mit Wasser zu einer Aufschlämmung und trocknet es dann in Wäschekörben, die mit alten Baumwollbettlaken ausgekleidet sind, wodurch er seine Struktur kontrollieren kann; er macht eine weiche Charge für Teeschalen oder eine festere für größere Stücke wie Vasen. Es ist eine zeitaufwändige Operation, die Kaiser jedoch als zentral für seine Praxis betrachtet, die seit langem geprägt ist von wabi-sabi, das alte japanische Ethos, die Schönheit der Vergänglichkeit und Unvollkommenheit anzuerkennen. „Ich möchte, dass das, was jedes Stück durchgemacht hat, sichtbar ist und eine Geschichte erzählt“, sagt er. „Es sind die Unreinheiten, die Interesse und Emotionen wecken.“
Sein friedlicher Alltag in Grafendorf hat sein Fernweh jedoch nicht gestillt. 2015 startete er Loyal Exports, ein Projekt, für das er ein anderes Land besucht und untersucht, wie seine Arbeit in einem neuen Umfeld verstanden werden könnte und was er wiederum daraus lernen kann. „Ich verkaufe meine Stücke auf dem lokalen Markt für jeweils weniger als einen Dollar und besuche dann jeden Kunden zu Hause, um zu sehen, wie sie verwendet werden“, sagt Kaiser. Für das erste Kapitel verbrachte er 2015 einen Monat in Ahmedabad im Westen Indiens, einem Land, das er gut kennt, nachdem er für das Projekt mit einem Fotografen, Bindi Sheth, der in der Stadt lebte, und für den zweiten Kontakt aufgenommen hatte , im Jahr 2016, nachdem er durch Ghana, Nigeria und Tansania gereist war, entschied er sich für Porto-Novo, die Hauptstadt von Benin, nachdem er durch einen Freund, dessen Vater dort geboren wurde und lebt, Verbindungen geknüpft hatte.
Er fühlte sich Porto-Novo so verbunden, dass er dort 2019 ein einstöckiges Haus aus dem 20. Jahrhundert kaufte, das er langsam renoviert und nun fast die Hälfte des Jahres in der Stadt verbringt. Seine Zeit in Benin markiert auch den Beginn einer neuen Phase seines künstlerischen Lebens. „Während viele der einst aus Keramik gefertigten Gefäße heute aus Kunststoff oder Metall bestehen, ist praktisch jede neue Keramik eine Ritualkeramik für Voodoo.“ sagt er und beschreibt Gefäße einschließlich agondje, die schmucklosen Tassen, die bei bestimmten Zeremonien verwendet werden, und aufwendigere Behälter, die mit kleinen, abgerundeten stachelartigen Vorsprüngen verziert sind. „Alles ist für Benin sehr originell“, sagt er. „Nichts ist für Touristen gemacht oder von einer anderen Ästhetik als der des Landes beeinflusst.“ Diese unglasierte, in der Grube gebrannte Keramik hat ihn dazu ermutigt, in seiner eigenen Arbeit mit asymmetrischeren Formen und Silhouetten zu experimentieren und im weiteren Sinne seine Faszination für das Töpfern als ein Handwerk zu vertiefen, das seit Jahrtausenden kulturübergreifend praktiziert wird und dennoch Ehrfurcht einflößt. „Die Tatsache, dass man dieses klumpige Stück Ton, diesen Berg aus Mineralien, mit Wasser und Feuer verbinden kann, um etwas Dauerhaftes und Beständiges zu schaffen, das einen überlebt“, sagt er. “Es ist wie Magie.”