Ich kann mich nicht erinnern, wo ich genau in dem Moment war, als Lehman Brothers zusammenbrach – vermutlich im Schlaf, als die Firma um 1:45 Uhr Konkurs anmeldete bin an einem Montag – aber ich erinnere mich, wie die Nachricht angekommen ist. Es war Mitte September 2008, der Beginn meines letzten Studienjahres; Ich machte mich auf den Weg zu einer Karrieremesse, auf dem Zufall, dass irgendein Vertreter der Zukunft mein Leben auf mysteriöse Weise lenken könnte. Studenten in dunklen Anzügen, die den Sommer in den Geschäftsräumen von Banken und Beratungsfirmen verbracht hatten, stürmten voraus. Schade für sie. Da stand Lehmans Plakattafel, deren Text mit dickem schwarzem Filzstift durchgestrichen war: eine Geste, deren symbolische Bedeutung niemandem entgehen konnte.
Die hundertvierundsechzigjährige Geschichte, die diesem plötzlichen Ende vorausging, wird in „The Lehman Trilogy“ (im Nederlander) in hervorragender – und vielleicht verdächtiger – Form präsentiert. Geschrieben vom italienischen Dramatiker Stefano Massini (von Ben Power ins Englische adaptiert) und von Sam Mendes inszeniert, begann die Produktion im Londoner National Theatre, bevor sie zu einem kurzen Lauf vor der Pandemie in die Park Avenue Armory wechselte, wo Tickets skalpiert wurden das Gesetz von Angebot und Nachfrage, angeblich bis zu zweitausend Dollar. Es ist gut, die Show in dieser schicksalhaften Septembernacht in New York zu erleben, wo sie in einem verglasten Konferenzraum eröffnet und endet. Und hier beginnt die größere Geschichte, in einer Rückblende in die vierziger Jahre, als Heyum Lehmann (Simon Russell Beale), ein bayerischer Jude auf der Suche nach einem neuen Leben in der Neuen Welt, in Manhattan von Bord geht. Als Henry Lehman reist er nach Montgomery, Alabama, wo er einen kleinen Laden gründet, in dem Stoffe aus Baumwolle verkauft werden, die auf lokalen Plantagen gepflückt wird. Sein Bruder Emanuel (Adrian Lester) – ein Mann der Tat, der Arm des klugen Henrys – kommt zu ihm, gefolgt vom jüngsten Lehman, dem sanftmütigen Mayer (Adam Godley), der die Familienpartnerschaft zusammenhält.
Drei Brüder aus einem fernen Land auf der Suche nach ihrem Glück: Hier weht ein starker Hauch des bekannten amerikanischen Märchens. Das Wunderbare ist die wissende Art, wie die Geschichte erzählt wird – und „erzählt“ ist das Wort. „Die Lehman-Trilogie“ wird von diesen drei Ausnahmekünstlern weniger gespielt als mit hypnotisierender Virtuosität erzählt. In schlichten schwarzen Gehröcken gekleidet, arbeiten Beale, Lester und Godley als Team und werfen den Ball ihrer Erzählung geschickt hin und her. Sie stehen sowohl innerhalb als auch abseits der Figuren, die sie spielen, veranschaulichen die Handlung und beschreiben sie in einer Sprache, deren wiegende Rhythmen und thematische Echos eine Art Beschwörungseffekt erzeugen, teils Gebet, teils Zauber:
Diese ausgeklügelte Inszenierung ermöglicht uns die bescheidene Freude, uns der Kraft einer guten Geschichte zu unterwerfen. Mit Hilfe eines digitalen Schwarz-Weiß-Hintergrunds und eines live gespielten Piano-Soundtracks bringt Mendes seinem Publikum bei, in einem einzigen Set – diesem eleganten Konferenzraum mit seinem langen Tisch und dem niedrigen Sofa – Orte zu sehen, die so unterschiedlich sind wie das Lehmans ‘ kleine Ladenfront von Montgomery, die New York Stock Exchange und ein Teil von Maryland, wo die Gleise für eine von Firmen finanzierte Eisenbahn gelegt werden. Bankierslogen verwandeln sich in ein Klavier, eine Pferdekutsche und ein Paar Laternenpfähle, und im Laufe der drei Akte (und über drei Stunden) des Stücks verwandeln sich auch die Schauspieler in die Ehefrauen, Söhne der Lehmans , Enkel und andere Gefährten, mit wenig mehr als der einfachen Magie eines nach oben gerichteten Blicks, hochgezogenen Schultern oder eines kokett zuckenden Handgelenks.
Aber die größte Metamorphose ist die der Firma. Als ein Feuer die Baumwollernte zerstört, von der das Stoffgeschäft der Lehmans abhängt, entdecken die Brüder, dass sie mehr Geld verdienen können, wenn sie als Zwischenhändler der Baumwollindustrie dienen und die Rohprodukte der Plantagen kaufen, um sie an Fabriken im Norden zu verkaufen. Nachdem der Bürgerkrieg den Süden verwüstet hat, etablieren sie sich in New York als Bank und investieren in Waren. Diese Bank wird schließlich zu einem Unternehmen, dessen Produkt Geld selbst ist, mit Tentakeln auf den Märkten auf der ganzen Welt und einem Vorstand, dessen Appetit auf Reichtum auf der Bühne durch eine rasende Sequenz signalisiert wird, in der die Wendung buchstäblich bis zum Tod getanzt wird.
Wenn sich der Kreis im Jahr 2008 schließt, könnte man wie ich vermuten, dass „Die Lehman-Trilogie“ ein wenig zu sehr in die Geschichte verliebt ist, die sie so gut erzählt. Als ich die Armory-Produktion sah, war ich sowohl von der Tatsache beeindruckt, dass die Lehmans ihr Finanzimperium auf dem Rücken von Sklaven aufgebaut hatten, als auch von der seltsamen Elisierung dieser Realität im Stück, als ob Mendes zögerte, ein härteres Licht auf die Lehmans Bootstrap-Idealismus. Dieses Versehen wurde im aktuellen Drehbuch etwas angepasst – in gewisser Weise auch bei der Besetzung von Lester, der Black ist und einige pointierte Zeilen über die Leute spricht, die „einmal Lehmans Baumwolle pflückten“ und den anschließenden Kampf ihrer Nachkommen für Bürgerrechte – obwohl nicht erwähnt wird, dass die Lehmans selbst Sklaven hielten. Das ist das Problem, so viel dichte Realität als Futter für eine Fabel zu behandeln. „The Lehman Trilogy“ endet in einer Trauer um Henry, Emanuel und Mayer, deren American Dream in Rauch aufging. Zu diesem Zeitpunkt hatte es die Träume von Millionen anderer Amerikaner genutzt und zerstört: derer, deren Geschichten hier nicht vorkommen.
Unten auf der Straße von „The Lehman Trilogy“ im Lyceum ist eine weitere fesselnde Übung in der Kunst des Geschichtenerzählens, Lucas Hnaths „Dana H“. Das Stück, das kaum mehr als das gesprochene Wort verwendet, um sein Publikum zu fesseln, fordert uns auf, die erschütternden Dinge, die es uns zu erzählen hat, zu glauben und zu hinterfragen. Es ist anders als alles, was ich gesehen habe.
In den späten Neunzigern, als Hnath College-Student an der NYU war, wurde seine Mutter Dana Higginbotham von einem Mann entführt, den sie kennengelernt hatte, als sie als Seelsorger in einem Krankenhaus in Florida arbeitete. Sie verbrachte fünf schreckliche Monate als seine Gefangene, eilte zwischen den Staatsgrenzen hin und her, während er Verbrechen beging und sich mit ruchlosen Gefährten traf. (Die Organisation, der dieser Mann angehörte, ist so furchterregend, dass Rezensenten gebeten wurden, sie nicht zu nennen.) Zu dieser Zeit wusste Hnath anscheinend nichts von dem, was geschah; Fast zwanzig Jahre später bat er als Dramatiker einen Freund, den Regisseur und Schriftsteller Steve Cosson, eine Reihe von Interviews mit seiner Mutter über ihre Tortur aufzunehmen.
Hnaths Stück unter der Regie von Les Waters spielt in einem Motelzimmer von unheimlicher Banalität; die Rolle der Dana, einer Frau Ende fünfzig mit dezenter Berufsgarderobe und einem Hauch müder, distanzierter Ruhe, wird von Deirdre O’Connell gespielt, die eine gigantische emotionale und technische Meisterleistung vollbringt. Obwohl sie die einzige Schauspielerin auf der Bühne ist, ist O’Connells Teil eine Zusammenarbeit: In einem Sessel sitzend, eine Brille hoch auf den Kopf geschoben, synchronisiert sie sich lippensynchron zu der aufgenommenen Stimme der echten Dana. (Higginbotham wird in der gutgeschrieben Spielzettel als integrales Mitglied der Produktion, wie sie sein sollte.) O’Connell passt zu jeder Silbe, jeder Pause, jedem trockenen, ironischen Lachen und gibt dem Wort „verkörpert“ eine neue Bedeutung. Was wir erleben, ist ein Akt der Besessenheit und letztendlich der Katharsis, der Befreiung und der Befreiung. Sagt Dana die volle Wahrheit über das, was mit ihr passiert ist? Hat Hnath, der die Interviewmitschnitte bearbeitet hat – die Stellen, an denen sie geschnitten und gespleißt wurden, mit einem Piepton gekennzeichnet – die Geschichte seiner Mutter manipuliert? Es ist unmöglich zu sagen. In den zwei Jahrzehnten seit Danas Flucht hat sie weiterhin als Kaplanin gearbeitet, jetzt im Hospiz, wo sie Menschen hilft, dem Tod ohne Angst zu begegnen. Ihr Interesse an Religion könnte uns dazu inspirieren, unsere Teilnahme an diesem Ritual als säkularen Glaubensakt zu sehen. Nacht für Nacht begleitet O’Connell ihr Thema an die dunkelsten Orte, an die ein Mensch gehen kann, und bringt sie mit dem Publikum als Zeuge in die Welt zurück. ♦