Francesca Woodman kam nicht zufällig zu ihrer künstlerischen Frühreife. Ihr Vater George war ein abstrakter Maler. Ihre Mutter Betty war Keramikerin. Beide machten Francesca klar, dass es sich lohnt, die Kunst in den Mittelpunkt des Lebens zu stellen. Im Sommer zog sich die Familie in ein Haus in der toskanischen Landschaft zurück und unternahm Ausflüge, um die Werke der Florentiner Meister zu besichtigen. Während ihre Eltern ihrer eigenen künstlerischen Hingabe nachgingen, durfte Francesca allein durch die Museen schlendern und kam mit Skizzenbüchern voller Frauen in aufwendigen Gewändern zurück, die jahrhundertealten Hofgemälden nachempfunden waren. Ihr älterer Bruder Charles litt an Jugenddiabetes, was in den 1960er Jahren vergleichsweise gefährlich und selten war. „Es entstand eine Art Familiendynamik, in der Charlie immer Aufmerksamkeit und Kontrolle hatte, während Francesca in ihrem Leben viel freier war“, erinnerte sich ihr Vater einmal. „Wenn sie nicht zum Abendessen nach Hause kam, wen interessiert das dann?“
„Ohne Titel“, ca. 1975-76.
George schenkte Francesca ihre erste Kamera, als sie dreizehn war, und sie begann bald, gewagte Bilder in einem unheimlichen, romantischen Stil zu machen, der unverwechselbar ihr eigener Stil war. Auf einem Bild steht sie nackt, bis auf wadenhohe weiße Socken, mit aus dem Bild geratenem Kopf und einem Schatten, der über ihren Oberkörper fällt, neben einer jungfräulichen weißen Lilie, wie sie sie auf unzähligen Renaissance-Gemälden gesehen hätte. In einem anderen Fall hat sie Wäscheklammern an ihrem nackten Oberkörper befestigt, die fast wie ein Schwarm geflügelter Insekten wirken, die in ihr Fleisch beißen. In Vorwegnahme ihrer späteren Obsession mit der Art und Weise, wie Körper bei einer Langzeitbelichtung zu Nebel verschwimmen können, wenn sie sich bewegen, machte sie ein Bild von einer Figur, die sich durch eine Öffnung in einem Grabstein bewegt und halb in dieser Welt und halb draußen zu sein scheint. Als Woodman sich an der Rhode Island School of Design einschrieb, war ihre enge Freundin und RISD Klassenkameradin Sloan Rankin erzählte mir kürzlich: „Sie kam mit dem Wissen, dass sie Fotografin ist.“
Die darauf folgende bemerkenswerte Karriere wurde auf tragische Weise verkürzt, als Woodman 1981 im Alter von zweiundzwanzig Jahren durch Selbstmord starb. Seitdem hat Woodman in der Kunstwelt einen mythologischen Status als Symbol der gequälten Jugend erlangt, eine Art Sylvia Plath der Fotografie. In solchen Situationen besteht die perverse Tendenz, den Akt der Selbstzerstörung des Künstlers als eine Art letzten künstlerischen Höhepunkt zu betrachten. Aber eine neue Ausstellung in der Gagosian Gallery, die gerade Woodmans Nachlass übernommen hat, gibt uns eine neue Gelegenheit, das Werk auf seine eigene Art und Weise kennenzulernen.
„Ohne Titel“, ca. 1977-78.
Vieles von dem, was wir als Woodmans reifes Werk kennen, wurde im Rahmen von Schulaufgaben fertiggestellt. Als ihre Abzüge nach ihrem Tod inventarisiert wurden, waren einige von ihnen noch mit pädagogischen Bezeichnungen wie „Schärfentiefe“ oder „Sprungbewegung“ versehen. „Die Gagosian-Show zeigt einige bekannte Bilder aus dieser Zeit, von denen die meisten im selben verlassenen Haus in Providence aufgenommen wurden. Auf einem Bild erscheint Woodman unheimlich gekleidet wie Lewis Carrolls Alice, ihr Kleid in Bewegung und die Arme so, als würde sie eine Tür vor sich aufzaubern, die bedrohlich weit geöffnet ist und dahinter nichts als tintenschwarze Schwärze preisgibt. In einer anderen Werkgruppe schützt Woodman ihren nackten Körper mit großen, abgezogenen Tapetenstücken, ein Akt rudimentärer Tarnung, der häufig mit Charlotte Perkins Gilmans feministischer Parabel „The Yellow Wallpaper“ verglichen wird.
„Self-Deceit #4“ aus der „Self-Deceit“-Reihe, 1978.
Der heute 66-jährige Rankin diente Woodman oft als Modell für seine Fotografien. Sie erinnert sich, dass Woodman damals brillant, aber impulsiv und unreif war: „Sie wusste bereits über die Geschichte der Kunst, des Schreibens und alles andere Bescheid. Sie war so, so aufgeweckt, und sie hatte wirklich ihren Verstand. Aber gleichzeitig war sie wirklich wie ein kleines Kind, das jeden Abend Sex wollte und nur Maraschinokirschen und Gebäck essen wollte.“ Woodmans Bilder offenbaren ihre Liebe für das Verwitterte, das Abgenutzte und das düster Sinnliche und belegen ihre bewusste oder unbewusste Affinität zum gotischen Surrealismus von Fotografen wie Clarence John Laughlin, Ralph Eugene Meatyard und Frederick Sommer. Doch es war Woodmans fast monomanischer Fokus auf sich selbst als Subjekt, der sie auszeichnete. Rankin beschrieb dies liebevoll als Ausdruck jugendlichen „Narzissmus“, obwohl Woodman in einem undatierten Brief einmal gestand: „Ich bin genauso müde wie der Rest von euch, mich anzusehen.“ So oder so kann man sich kaum eine Fotografin vorstellen, die es erfolgreicher geschafft hätte, sich in eine Art jenseitiges Wesen zu verwandeln.
„Ohne Titel“, ca. 1979-80.
„Ohne Titel“, ca. 1977-78.
Ein bedeutender Teil der Gagosian-Ausstellung ist Bildern gewidmet, die Woodman während eines einjährigen Auslandsstudiums in Rom gemacht hat. Rankin, die während dieser Zeit mit Woodman zusammenlebte, erzählte mir, dass Woodman diese Zeit später als ihre „heiligen Tage“ bezeichnete. Sie und die Stadt passten gut zusammen. An einem Ort, an dem man sich vorstellen kann, dass jeder Kopfsteinpflasterstein die Schritte von Kaisern und Heiligen widerspiegelt, erreichte Woodmans Opernvision ihren vollen Ausdruck. In einer Werkserie mit dem gemeinsamen Titel „Self-Deceit“ ist sie nackt vor den pockennarbigen Wänden einer heruntergekommenen Spaghettifabrik abgebildet, in die sie und Rankin sich schlichen und einen Spiegelsplitter manipulierten, der scheinbar nichts widerspiegelte. Eine Sammlung von Bildern – wahrscheinlich in derselben Fabrik aufgenommen – zeigt Woodman vor einer abblätternden bemalten Wand, die an einen ramponierten Rothko erinnert. In einem Fall versucht die Künstlerin erneut, sich in ihre Umgebung einzufügen, diesmal indem sie die untere Hälfte ihres Körpers mit Farbe oder Schmutz einfärbt. Ein anderer findet sie verdreht und nach hinten gebeugt, den Arm über den Kopf geworfen, ihr Gesicht ist eine Mischung aus Schmerz und erotischer Glückseligkeit, die an Berninis „Ekstase der heiligen Teresa“ erinnert. „Ich zeige dir, was du nicht siehst“, schrieb Woodman einmal, „die innere Kraft des Körpers.“ Von dort aus, wo ich mich selbst betrachte, kannst du mich nicht sehen.“
„Blaupause für einen Tempel (II)“, 1980.
Die beeindruckendste Offenbarung der Gagosian-Show ist Woodmans bisher unveröffentlichtes Meisterwerk „Blueprint for a Temple (II)“, das eine eher klassische Herangehensweise an den Körper verfolgt. Das imposante vier Meter hohe Werk ist eine Sammlung von Diazotypie-Drucken, Fotografien und Collageelementen, die anhand von Bildern aus ihrer Umgebung in Manhattan die Architektur des antiken Griechenlands heraufbeschwören. Die auf den Böden der Badezimmer von Mietshäusern eingravierten griechischen Schlüsselmuster werden als Teil eines architektonischen Frieses umfunktioniert, und Woodmans Freunde – darunter Rankin – werden in hoch aufragende Karyatiden verwandelt. „Es ist komisch, dass mich die Kultur dort nicht so sehr beeinflusst hat, als ich in Italien gelebt habe“, schrieb Woodman. „Und jetzt bin ich so fasziniert von der Architektur usw., Francesca, die als Kind dreimal und immer die Akropolis besuchte.“ gähnte.“ Es ist ein Stück, das von der Sehnsucht nach einer anderen Zeit und einem anderen Ort erfüllt zu sein scheint.
„Ohne Titel“, ca. 1977-78.
Woodman hatte Mühe, außerhalb der komfortablen Grenzen der Schule Fuß zu fassen. Der Erfolg kam zu langsam. Sie arbeitete in einfachen Berufen, die sie hasste. Sie versuchte, in der Modewelt Fuß zu fassen, ohne großen Erfolg. Rankin, der damals bei der aufstrebenden Kunsthändlerin Mary Boone lebte, erinnert sich, dass er Woodman zu einem Treffen mit einem anderen Händler in der Innenstadt begleitete, aber daraus wurde nichts. Rankin kehrte nach Rom zurück, nachdem ein finanzieller Glücksfall es ihr ermöglichte, den Mann zu verfolgen, den sie schließlich heiraten würde. Woodman schrieb ihre Briefe, in denen sie ihre zunehmende Traurigkeit und Frustration zum Ausdruck brachte. Sie versuchte Selbstmord. Ihre Eltern schickten sie zu einem Psychiater, der ihr Medikamente verschrieb. „Am Ende sagte ich: ‚Komm nach Rom‘“, erinnert sich Rankin. „‚New York ist hart. Wir waren hier glücklich. Komm zurück.’ Sie hatte ein Ticket, um zu mir zu fliegen.“ Laut Rankin galt das Ticket für den 19. Januar 1981. An diesem Tag sprang Woodman in den Tod, anstatt ihren Flug zu erreichen. In einem letzten, rätselhaften Eintrag in ihrem Tagebuch schrieb sie: „Ich war (bin?) nicht einzigartig, sondern etwas Besonderes. Deshalb war ich Künstler. . . Ich habe eine Sprache erfunden, damit die Menschen die alltäglichen Dinge sehen können, die ich auch sehe.“
„Ohne Titel“, ca. 1979-80.