Die Klavieretüden von Philip Glass sind die Musik des Augenblicks

1994 schrieb Philip Glass anlässlich seines 50. Geburtstags sechs scheinbar gewöhnliche Klavieretüden für den Dirigenten und Pianisten Dennis Russell Davies. Glass hat sie auch für sich selbst geschrieben. Etüden sind traditionell technische Studien, und hier sind sie Übungen eines immer pragmatischen Komponisten, um sein eigenes Spiel zu verbessern.

Davies gab die Uraufführung 1994 in Bonn, Deutschland, und spielte sie bald darauf an der Brooklyn Academy of Music. Damals schienen sie sowohl technische als auch kompositorische Studien zu sein, die sich auf diese melodische Zelle oder diese treibende rhythmische Idee konzentrierten, die dazu gedacht war, die Finger in Schwung zu bringen und die kompositorischen Säfte zum Fließen zu bringen, aber nicht viel mehr als das.

Bei Glass weiß man jedoch nie, wo etwas landet. Vielleicht beginnt er in allzu vertrautem Terrain, doch dann wird der Endpunkt durch kaum wahrnehmbare, allmähliche Veränderungen zu einem unerwarteten Wunder. Dass der Kern des Wunders immer da war, spürt man erst im Nachhinein.

Ähnliches geschah mit der Komposition der Etüden selbst. Über einen Zeitraum von zwei Jahrzehnten schrieb Glass zwei Bücher zu je zehn Stücken, die über die eigenen Klavierkenntnisse des Komponisten hinaus immer üppiger und virtuoser wurden. Der feierliche und wunderschöne 20th ist ein Glass-Meisterwerk, das die Musik zu Godfrey Reggios Film „Visitors“ aus dem Jahr 2013 abstrakt widerspiegelt, einer Reihe kleiner Porträts, die mit Hilfe von Glass‘ Partitur zu einer Art filmischer Seelenwanderung werden.

Die gesamten 20 Etüden sind heute unverzichtbarer Teil von Glass, seiner meistgespielten Musik. Es gab mindestens ein Dutzend Gesamtaufnahmen, die neueste vom eloquenten polnischen Pianisten Maciej Ganski, veröffentlicht am 25. März. Sie sind zu Zugabe-Lieblingen namhafter Pianisten geworden. Yuja Wang verwandelt Nr. 6 in ein atemberaubendes Prunkstück. Sowohl Choreografen als auch Pianisten (professionelle und Amateure) können nicht genug davon bekommen.

Ende letzten Jahres erschien eine liebevoll gestaltete große Box mit Noten zu jeder Etüde und einem Buch mit vielseitigen Essays über die Etüden. Zu denjenigen, die den Etüden darin Tribut zollen, gehören die Köchin Alice Waters, die Malerin Jenny Saville, die Choreografen Justin Peck und Lucinda Childs, der Filmregisseur Martin Scorsese, die Performancekünstlerin Laurie Anderson, der Schriftsteller Pico Iyer und der NPR-Nachrichtensprecher Ari Shapiro.

Die 20 Etüden waren im letzten Jahrzehnt auch Teil einer Tournee einer Produktion von Pomegranate Arts. Letzten Monat erreichte der Zyklus schließlich LA, präsentiert vom Los Angeles Philharmonic als Green Umbrella-Konzert.

Es war eine Offenbarung, aber nicht so sehr wegen dem, was es uns über die Etüden erzählte, obwohl es das gab, sondern wegen dem, was Glass in der Musik im Allgemeinen bewirkt hat. Die Akzeptanz des 87-jährigen Komponisten durch das Establishment der klassischen Musik verlief quälend langsam und seltsam unregelmäßig. Am selben Tag der Etüden-Veranstaltung in der Walt Disney Concert Hall gab das New York Philharmonic bekannt, dass in seiner Saison 2024–25 Gustavo Dudamel die 11. Sinfonie von Glass dirigieren wird. Erstaunlicherweise wird es das erste Mal sein, dass das Orchester eine Glass-Symphonie spielen wird (er ist bis zu 14) und erst zum zweiten Mal mit einem Konzertwerk von New Yorks berühmtestem Komponisten seit Leonard Bernstein.

In den 10 Tagen nach den Etüden bei Disney, bei Konzerten nach Konzerten in der Halle und in der Stadt, im internationalen Radio und bei Aufnahmen gab es Beweise dafür, dass – ob man ihn liebt, hasst, ihm oder seiner Musik egal ist, oder Tu so, als wäre er egal – du kannst Philip Glass nicht entkommen. Sein Einfluss auf Komponisten nachfolgender Generationen, ob sie ihn nun akzeptieren oder ablehnen, ist unauslöschlich.

Am Wochenende der Konzerte des San Francisco Symphony, des LA Phil und des Colburn Orchestra in Disney im Anschluss an die Etüden traten drei zentrale Post-Glass-Generationen von Komponisten und Interpreten auf – John Adams, Esa-Pekka Salonen und Timo Andres –, die alle davon betroffen waren So oder so von Glass. Ihre Musik klingt vielleicht nicht annähernd nach Glass (im Fall von Salonen entschieden nicht), aber ohne Glass’ Vorbild wäre nichts davon dasselbe gewesen.

Dabei ist Adams eine zentrale Figur. Als langjähriger Kreativvorsitzender von LA Phil programmiert er die Green Umbrella-Serie, und es war bezeichnend, dass Glass-Vorspiele einem Wochenende vorausgingen, das Adams und seinem Einfluss bei Disney gewidmet war. Ein großer Teil von Glass‘ eigenem Einfluss auf die klassische amerikanische Musik wurde durch Adams vermittelt. Er war es, der einen Weg fand, die Hardcore-Outsider-Minimalisten-Musikrevolution von Glass, Steve Reich und Terry Riley auf eine umfassendere und originellere Musiksprache anzuwenden. Mit verblüffender Originalität verband Adams die treibende Energie von Glass mit seinen eher Mainstream-Musikbegeisterungen, seien es Sibelius-Symphonien, späte Beethoven-Streichquartette, Strawinsky, amerikanischer Jazz und vieles mehr.

Bei Disney leitete Salonen auf Tournee mit seinem San Francisco Symphony Orchestra eine fesselnde Aufführung von Adams‘ „Naive and Sentimental Music“, einer großen Symphonie, die Salonen 1999 mit dem LA Phil uraufgeführt hatte Glas ist in dieser riesigen Klanglandschaft hörbar, aber sein Antrieb hat minimalistische Wurzeln und im exquisiten ruhigen Zentrum seines langsamen Satzes liegt eine Art glassisches Empfinden. Der Empfang war bei dieser Gelegenheit fast wie ein Rockkonzert vor einem jubelnden, kreischenden Publikum. Auch die Musiker applaudierten Salonen und stampften mit den Füßen und zeigten damit ihre Unterstützung für ihren Musikdirektor, der angekündigt hatte, dass er seinen Vertrag als Musikdirektor wegen mangelnder Unterstützung durch den Vorstand des Orchesters nicht verlängern werde.

Glass hatte nicht nur dazu beigetragen, Adams den Weg zu ebnen, sondern es war auch Adams, der Salonen den Weg als Komponist ebnete. Soweit ich weiß, war Glass das einzige Mal, dass Salonen jemals aufgetreten ist, in einem Moment der Albernheit beim Ojai Music Festival 1999 in einem Hasenkostüm gekleidet. Er und der Komponist Magnus Lindberg begannen am Samstagmorgen ein Kinderkonzert zum Thema Oper, das als Hasen am Klavier saß und den Anfang von „Einstein on the Beach“ anstimmte. An diesem Abend dirigierte Salonen Adams‘ Kammersymphonie, in der Glass und wenige andere Komponisten respektlos auf Schönberg treffen.

Es waren Adams und insbesondere die Kammersymphonie, die Salonen zwei Jahre zuvor mit „LA Variations“ zu seinem eigenen kompositorischen Durchbruch verholfen hatten, nicht so sehr als Stil (mit Sicherheit kein Glass), sondern als Erlaubnis, neue Verwendungsmöglichkeiten von Melodie und Harmonie zu ermöglichen seine Musik.

Adams war gerade zurück in der Stadt nach der Londoner Premiere seiner neuesten wilden und äußerst einnehmenden symphonischen Partitur „Frenzy“, dirigiert von Simon Rattle mit dem London Symphony Orchestra. (Ein Co-Auftrag von LA Phil, der in der Saison 2025-26 hier erscheinen soll, aber bis zum 24. April in einer archivierten Sendung auf BBC Radio 3 zu hören ist.) Bei Adams‘ Konzert als Dirigent der LA Phil im letzten Monat drehte er sich um zu einem weiteren seiner großen symphonischen Werke, „City Noir“, das 2009 für Dudamel in Auftrag gegeben wurde. In einer ebenso stimmungsvollen wie treibenden Aufführung genoss Adams seine Anklänge an Jazz und klassische Soundtracks aus den Hollywood-Noir-Soundtracks der 1950er Jahre.

Er dirigierte auch eine Uraufführung seines jüngeren Kollegen Timo Andres, der ein hervorragender Pianist ist und zufällig einer der fünf Teilnehmer des Etüdenkonzerts war. „Made of Tunes“ ist jedoch ein Konzert für Aaron Diehl, einen Pianisten, der sich gleichermaßen mit klassischer Musik und Jazz auskennt und jemand mit einer ganz eigenen Affinität zu Glass: Er hat ein funkelndes Jazz-Trio-Arrangement von Nr. 16 angefertigt. Die „Tunes“ Andres greift in seinem Konzert auf amerikanische Volkslieder, Salonlieder, Blues und Ragtime zurück und durchläuft farbenfrohe, repetitive Transformationen, verschönert durch Diehls Improvisationen. Obwohl er kaum nach Glass oder Adams klingt, deuten die Art und Weise, wie Andres seine Melodien als Prozess entwickelt, sein fesselnder Einsatz von Percussion und die Vorwärtsbewegung der Musik darauf hin, dass er Glass und Adams in seine eigene, einzigartige Stimme integriert hat.

Diese Originalität kam beim Etüden-Marathon selbst deutlich zur Geltung. Zusammen mit Andres’ brillant leuchtenden Darbietungen brachte Maki Namekawa, die Muse von Glass, ihren Glanz zu allem, was sie berührte, insbesondere zu Nr. 20. Jenny Lin sorgte dafür, dass wir die Etüden als brillant virtuose neue Musik hörten. Der russische Pianist Anton Batagov sorgte dafür, dass wir sie als brillant hypnotisierende traditionelle Musik hörten. Die Crossover-Pianistin Lara Downes könnte einen glauben machen, dass die Etüden im Jahr 2024 geschrieben wurden.

In dem Buch mit kurzen Essays über die Etüden behauptet Davies, der fast alle Opern und Symphonien von Glass dirigiert hat und mit Namekawa verheiratet ist, dass die Herausforderung der Etüden darin besteht, sie rein zu halten, „im Sinne der Wahrung der …“ Ego raus.“ Als seine Frau sie lernte, schrieb er, musste er nach draußen gehen, um sie in Ruhe zu lassen.

Er hat ein Argument. Die Prozesse in Glass‘ Musik für sich selbst sprechen zu lassen, gibt anderen, darunter auch Glass-Dissidenten wie Salonen, die Erlaubnis, ihre eigenen Prozesse zu finden. Aber wenn es darum geht, die Etüden zu interpretieren, von denen Davies befürchtet, dass sie in den falschen Händen übermäßig romantisiert werden könnten, wird er viel Zeit draußen verbringen müssen.

In der Woche nach dem Disney-Zyklus wurden die zweite und fünfte Etüde im „Maya Beiser X Philip Glass in Concert“ im Nimoy des Center for the Art of Performance der UCLA komplett überarbeitet. Die Cellistin verlangsamte zusammen mit vier Cellokollegen die Etüden auf fast die halbe Geschwindigkeit und umhüllte und verzauberte ihre Umgebung mit der Klangdecke verstärkter Celli. Bei diesen Transkriptionen handelte es sich nicht mehr per se um Klavieretüden, aber die Aufführungen vermittelten die Essenz des Übens, des Erlernens eines Stücks durch langsames Wiederholen von Passagen, um immer mehr in den Klang des Instruments einzudringen. Sie und Ihr Instrument verschmelzen.

Der Widerhall der Offenheit von Glass in den Etüden ist in der Tat unausweichlich. Laurie Anderson und der Komponist Jlin schreiben beide, dass Glass ein Gefühl für das Unendliche erzeugt. Näher dran: Third Coast Percussion nimmt am Freitag Glass und Jlin in sein Konzert im Nimoy auf. Werke von Anderson und Jlin werden am 28. April Teil des Programms des Kronos Quartetts in der Royce Hall sein.