Die Geschichte von Harlem aufhellen

Leider sind die Möglichkeiten der fantasievollen Freiheit in ihrer aktuellen Ausstellung eingeschränkter, teils aufgrund des Ortes, an dem sie gezeigt wird, teils aufgrund dessen, was bereits über die Harlem Renaissance gesagt wurde. Murrells bislang größte Ausstellung – sie ist um ein Vielfaches größer als „Posing Modernity“ – umfasst elf Räume sowie eine „Coda“-Galerie, die späteren Jahren gewidmet ist, und ist in Abschnitte unterteilt, die sich auf verschiedene Aspekte der New Negro-Bewegung konzentrieren, wie z Die Harlem Renaissance wurde ursprünglich von der Philosophin Alaine Locke als „Die Denker“, „Alltagsleben in schwarzen Städten“, „Porträt und das neue schwarze Subjekt“ usw. bezeichnet. Jede Galerie ist voller Farben, die von der Palette des Künstlers Aaron Douglas inspiriert zu sein scheinen, insbesondere in seinen allegorischen Gemälden über das Leben der schwarzen Amerikaner: Lila, Hellgrün, Grautöne. Murrell hat rund um die Gemälde, Fotografien, Skulpturen und anderen Objekte genügend Luft gelassen, damit wir uns wirklich mit dem Werk befassen können, ohne darüber zu stolpern. Zuschauer, die beispielsweise mit der Arbeit von Winold Reiss nicht vertraut sind, kommen auf ihre Kosten – er ist in „The Thinkers“, dem ersten Raum neben dem Eingangsbereich, prominent zu sehen. Reiss wurde in Deutschland geboren und war Maler, Bildhauer und Grafikdesigner. Der Künstler, der 1913 in die USA emigrierte und sich schon immer von Andersartigkeit angezogen fühlte, verbrachte 1920 einige Zeit im Blackfeet-Reservat in Montana und fertigte einige bemerkenswerte Zeichnungen des Stammes an. Danach illustrierte er die historische Anthologie „The New Negro“ (1925), herausgegeben von Locke. Reiss’ kraftvoller grafischer Sinn unterstreicht seine psychologische Scharfsinnigkeit. Er fühlt sich zu seinen Untertanen nicht wegen ihrer Rasse hingezogen, sondern wegen ihrer bodenständigen, lyrischen Präsenz. (Es war klug von Murrell, ihn nicht mit den anderen europäischen Künstlern in einen Topf zu werfen, die auf einen anderen Teil der Ausstellung beschränkt sind.) Wie der Fotograf Richard Avedon stellt Reiss seine Dargestellten oft in weißen Raum, um ihre Gesichter und Gedanken besser sehen zu können auf Arbeit. Als ich seine pastellfarbene Illustration von Locke betrachtete, dachte ich darüber nach, wie weit man außerhalb der Schwärze stehen muss, um zu sehen, wie sie sich darstellt.

Ein Teil der Großartigkeit von „Posing Modernity“ hatte mit der Tatsache zu tun, dass die darin vorgestellten Künstler nicht davon ausgingen, dass sie Blackness verstanden; Sie haben es auch nicht romantisiert. Duval zum Beispiel ist in Manets Gemälde eine ebenso harte und moderne Figur wie die weiße Frau im Zentrum seines Werks „Eine Bar in den Folies-Bergères“ von 1882 und ebenso entfremdet. Aber diese Entfremdung – die Kehrseite des Modernismus – fehlt in Murrells Interpretation der Harlem Renaissance. Wir können aus dieser Show nicht erraten, wie niederschmetternd die 1920er Jahre für die Mehrheit der Schwarzen in Harlem und anderswo waren, die nach dem Ersten Weltkrieg darum kämpften, Rassismus, schlecht bezahlte Jobs, Segregation und mehr zu überleben Krieg. (Jervis Andersons Werk „This Was Harlem“, das erstmals 1981 auf diesen Seiten erschien, bleibt eine wesentliche Quelle, wenn es um die Politik jener Zeit geht.) Murrell deutet in diese Richtung nur dadurch, dass er einige Bücher in Vitrinen aufnimmt – das von Langston Hughes Zum Beispiel das Werk „One-Way Ticket“ von 1949, das sich wunderbar und oft schmerzhaft mit dem städtischen Leben der Schwarzen auseinandersetzt. Insgesamt sind die Gemälde und Zeichnungen, die Murrell ausgewählt hat, trotz ihres Pathos ein Lobgesang auf die Freuden des schwarzen Lebens, auf die Gemeinschaft, auf das Miteinander. Dies betont sie in dem Raum, der dem „Alltagsleben in den neuen schwarzen Städten“ gewidmet ist, mit Werken wie „Picnic“ (1934) von Archibald J. Motley Jr. und „Street Life, Harlem“ (1939–1939) von William Henry Johnson. 40), Gemälde, die zeigen, wie lebhaft Schwarze Menschen sein können. Ich nehme an, Murrell hatte das Gefühl, dass sie es auf diese Weise angehen musste – um Licht auf einen dunklen historischen Schatten zu werfen.

Im Jahr 1969 veranstaltete die Met eine Ausstellung mit dem Titel „Harlem on My Mind: Kulturhauptstadt des schwarzen Amerikas 1900–1968“, die ein kritisches und politisches Desaster war. In der Ausstellung waren keine Gemälde oder Zeichnungen zu sehen (obwohl die legendären Maler Romare Bearden, Faith Ringgold und Jacob Lawrence zu dieser Zeit in Harlem lebten und das Met Werke von ihnen in seiner Sammlung hatte). Stattdessen behandelte der Gastkurator Allon Schoener Harlem als eine soziale Erzählung, erzählt durch Zeitungsausschnitte, Zeitleisten und zahlreiche Fotografien von James Van Der Zee. „Harlem on My Mind“ verfolgt seit jeher die Met, und in gewissem Maße wurde Murrell gebeten, das wiedergutzumachen. Es gibt hier viele Gemälde, Zeichnungen und Skulpturen, aber weniger Dokumentationsmaterial, als man braucht, um die komplizierte Geschichte des Ortes und der Zeit zu verstehen. Durch diese Auslassung hat Murrell auf einige Ebenen der Komplexität verzichtet. Tatsächlich wurde ihre eigene Komplexität als Autorin und Denkerin abgeflacht und „zugänglicher“ gemacht, vermutlich für das breite Publikum der Met. Ihre Wandbeschriftungen überbewerten und reduzieren – zum Beispiel mit dem Wort „extravagant“, um das Aussehen oder die Art und Weise einer schwarzen Figur zu beschreiben. „Posing Modernity“ zeigte uns einen Kurator, der sich mit den Brüchen der Moderne auseinandersetzte, mit all den Geschichten, die unvollständig, manchmal unangenehm, aber kraftvoll waren, weil sie uns erschaffen haben. Die aktuelle Show hingegen macht die Geschichte von Harlem schmackhaft.

Romare Beardens „The Block“ (1971) erscheint – bezeichnenderweise – als Coda der Show, und dieses monumentale Stück zeigt, was Murrell hätte tun können, wenn sie von der Museumsmaschinerie befreit worden wäre: Sie hätte eine Show auf die Beine stellen können, die sich auf die Wahrheit von Bearden stützte Collage-Effekte, bei denen die zerschnittenen Papiere und Linien gebrochen und wieder zusammengesetzt und in etwas anderes verwandelt werden. „The Block“ erinnert an Ralph Ellisons komplizierten, aber notwendigen Aufsatz „Harlem Is Nowhere“ aus dem Jahr 1948. In Harlem, schreibt Ellison, „beleuchten die Enkel derer, die keine schriftliche Literatur besaßen, ihr Leben mit den Augen von Freud und Marx, Kierkegaard und Kafka, Malraux und Sartre.“ Es erklärt die Natur einer Welt, die so fließend und veränderlich ist, dass im Geist oft das Reale und das Unwirkliche verschmelzen und das Wunderbare hinter derselben schmutzigen Realität hervorlockt, die ihre Existenz leugnet.“ Harlem überall „schön“ und lebendig zu machen, bedeutet, die Widersprüche des Ortes auszubügeln – aufzuhellen – und sowohl alles zu leugnen, was er gegeben hat, als auch alles, was er weggenommen hat. ♦