Als ich in São Paulo, Brasilien, aufwuchs, verbrachte ich viele meiner wachen Stunden damit, amerikanische Bücher für junge Erwachsene zu lesen und mich intensiv mit den Mechanismen des amerikanischen Teenagerlebens zu beschäftigen. Diese Bücher waren nicht immer schön geschrieben, aber ich liebte sie trotzdem, so wie ein anderes Kind vielleicht Dinosaurier geliebt hätte: Ich war von ihrer Exotik fasziniert; ihre Beobachtungen über Bälle, Parkplätze und Einkaufszentren; ihre Beschreibungen darüber, was Mädchen in den USA aßen und wie sie lebten. Nichts davon hatte etwas mit mir zu tun, daher war ich überrascht, als ich mich mit 16 in Esther Greenwood, der Heldin von Sylvia Plath, wiederfand Die Glasglocke und ein kaum verhüllter Avatar für Plath selbst. Plaths bissige Prosa lähmte mich vor Neid; Ihr Roman enthüllte eine traurige und wütende Seite einer Sprache, die ich nur als funktional und starr erlebt hatte.
Mit einem eifrigen Wissensdurst begann ich Plaths Ruf als archetypisches amerikanisches Mädchen der Mitte des Jahrhunderts zu verstehen. Die Legende von Plath ist untrennbar mit der visuellen Mythologie des Nachkriegswohlstands verbunden – weiße Lattenzäune, Bilder von John und Jackie Kennedy beim Segeln –, die sich mit dem Babyboom entwickelte. Die Glasglocke, mit seinen höhnischen Beschreibungen von Skiausflügen in die Adirondacks und von Jungen, die querfeldein liefen, gab mir die Erlaubnis, auf eine bestimmte Art zu schreiben: intensiv, schneidend, auf Englisch. Es lieferte auch einen emotionalen Kontext für die Ostküstenkultur, den ich so verlockend fand und den ich herauszufinden versucht hatte. Aber mein jugendliches Ich hat einen Teil des Projekts des Romans verpasst: seinen Versuch, die Fassade selbstgefälliger Befriedigung abzureißen, die den amerikanischen Vorstadtlebensstil umhüllte.
Die Glasglocke erschien erstmals vor 60 Jahren, einen Monat vor dem Selbstmord der Autorin, unter dem Pseudonym Victoria Lucas in England. Nach einem Urheberrechtsstreit wurde es schließlich 1971 in den Vereinigten Staaten mit Plaths Namen auf dem Cover veröffentlicht. Der Roman beginnt, als Esther ihre Kleinstadt in Massachusetts verlässt und nach New York City zieht, nachdem sie einen begehrten Platz für einen Sommerjob bei gewonnen hat Damentag Magazin (eine fiktive Version von Mademoiselle). Der Glanz und die Künstlichkeit der Modewelt schockieren und stoßen sie ab; Als sie in die abgeschiedenen Vororte zurückkehrt, gerät sie ins Wanken. Die Handlung gipfelt in ihrem Selbstmordversuch und ihrem Aufenthalt in einer Nervenheilanstalt, basierend auf Plaths eigenen Erfahrungen im renommierten McLean Hospital.
Heute gilt der Roman als ein ergreifender Bericht über die erdrückende Unterdrückung der Eisenhower-Jahre, die insbesondere junge Frauen erlebten. In der Einleitung zu ihrer jüngsten Biografie Roter Komet: Das kurze Leben und die lodernde Kunst von Sylvia PlathHeather Clark schreibt das Die Glasglocke „Entlarvte ein repressives Amerika im Kalten Krieg, das selbst die ‚besten Köpfe‘ einer Generation in den Wahnsinn treiben könnte.“ Im Leben fiel es Plath schwer, ihre Vorstellung von sich selbst als ehrgeizige Schriftstellerin mit den Erwartungen in Einklang zu bringen, die an ein Mädchen wie sie gestellt wurden – jung zu heiraten und Kinder zu bekommen. Ein Teil der Wirkung ihrer Gedichte resultierte aus dieser Fehlausrichtung. Oft zitierte Zeilen aus ihrem Gedicht „Edge“ lauten: „Die Frau ist perfektioniert. / Ihr toter / Körper trägt das Lächeln der Leistung.“ Als Clark das Bild analysiert, bemerkt er: „Nur eine tote Frau ist ‚perfektioniert‘.“ Nicht perfekt, perfektioniert––wie … etwas Kontrolliertes, ohne Handlungsmacht.“
Die GlasglockeDie Leistung wiederum bestand darin, ein Porträt Amerikas voller zackiger Widersprüche zu zeichnen. „Ich sollte die beste Zeit meines Lebens haben“, erklärt Esther auf den ersten Seiten. Sie wird beschrieben als „Martinis trinkend … in Gesellschaft mehrerer anonymer junger Männer mit rein amerikanischen Knochenstrukturen“ und verkörpert das Ideal der Mitte des Jahrhunderts eines gebildeten, gebildeten Mädchens – allerdings nur bis zu einem gewissen Punkt. Bei Damentag, Esther, eine aufstrebende Dichterin, hofft, mit ihrem Herausgeber über Literatur zu diskutieren; Stattdessen werden ihre Ziele mit Herablassung behandelt. Auf dem Campus beschränkt sich ihr Erfolgserlebnis auf vier Jahre Pseudofreiheit, die ihren Höhepunkt in der Heirat mit einem respektablen Medizinstudenten aus Yale finden sollen, für den man von ihr erwartet, dass sie „wie Mrs. Willard abflacht“. [her would-be mother-in-law] Küchenmatte.“ Diese Aussicht – die ein sicheres Leben in der Vorstadt gewährleisten würde – ist eine dringende Bedrohung für jemanden, der sich den Tumult der Erfahrung wünscht; Dadurch fühlt sich Esther „sehr still und sehr leer, so wie sich das Auge eines Tornados anfühlen muss, der sich dumpf inmitten des umgebenden Trubels bewegt.“
Im Gegensatz zu ihrem verfallenden Selbstbewusstsein wird der übertriebene Glanz des Nordostens unheimlich. Spannende Prosa verdeutlicht dieses Gefühl: Esther schwimmt weit vom Ufer entfernt und denkt über das Ertrinken nach, bevor sie sich zu einem Selbsterhaltungstrieb bekennt („Ich wusste, als ich geschlagen wurde“). Längere, weitschweifigere Sätze beschreiben die ungewöhnliche Schönheit der Landschaft und wie sie zu Esthers Stimmung passt: Auf der Fahrt zu den Adirondacks „warf uns die Landschaft, die bereits tief unter alten Schneefällen lag, einen düstereren Rand zu, und wie die Tanne.“ Bäume drängten sich von den grauen Hügeln bis zum Straßenrand, so dunkelgrün, dass sie schwarz aussahen, ich wurde immer düsterer.“
Die Kritikerin Elizabeth Hardwick schrieb über den Roman und bemerkte, dass „die Freuden und Gefühle der Jugend – der Wunsch, zum Abschlussball in Yale eingeladen zu werden, die eigene Jungfräulichkeit zu verlieren – in einem Szenario des Zerfalls, der Wut und einer perversen Liebe eher unwirklich sind.“ der Schreckliche.” Als Teenager, der diese Zeichen der amerikanischen Jugend unbedingt verstehen wollte, fühlte ich mich von diesem Gefühl der Unwirklichkeit angezogen, selbst als ich auf Esthers Frustration über ihre kodifizierte Umgebung reagierte. Aus dem Schreiben ging mir hervor, dass die angeblich freudigen Rituale des Erwachsenwerdens von Wut begleitet waren, aber Plath deutete auch auf eine Quelle dieser Wut: die Kultur, die diese Rituale überhaupt erst geschaffen hat.
Der Titel des Romans ist, wie sich die Leser vielleicht erinnern, ein Bild von Esthers Klaustrophobie: Gefangen in ihrer Umgebung und ihrer Depression gleichermaßen, hat Esther das Gefühl, als würde sie immer „unter derselben Glasglocke sitzen und darin schmoren“. [her] eigene saure Luft.“ Laut Clarks Biografie dachte Plath über ein Ende nach, bei dem Esther nach Europa gehen und vor der Brutalität des Nordostens fliehen würde. Es war, was Plath selbst tat; Sie hat ihr bestes Werk geschrieben—Die Glasglocke Und Ariel, die Gedichtsammlung, die ihr posthumen Ruhm verschaffte – während sie in England lebte. In diesem Sinne, Die GlasglockeDas Misstrauen des Autors gegenüber dem Wohlstand in den Vorstädten kann als Vorläufer späterer Werke gelesen werden, die sich in ähnlicher Weise mit den dunklen Seiten der amerikanischen Kleinstädte befassen. es wird oft mit dem von Jeffrey Eugenides kombiniert Die Selbstmorde der Jungfrau, sein Einfluss war tiefgreifend auf die Darstellung der Lissabonner Mädchen. Und Esthers Beschreibung des schmutzigen Lochs im Keller ihrer Mutter, in das sie kriecht, um einen Selbstmordversuch zu unternehmen, erinnert an den Anfang von David Lynchs Buch Blauer Samtwenn die Kamera unter einem makellosen Vorstadtrasen gräbt, um die darunter lauernde Fäule freizulegen.
Plaths Schreiben und Biografie scheinen darauf hinzudeuten, dass sie in Wirklichkeit Freiheit wollte: sie selbst zu sein und ihre Widersprüche offen zur Schau zu stellen. Aber dieser Anspruch ging mit der Besessenheit einher, die Distanz zwischen ihr und anderen zu betonen – und gleichzeitig diejenigen zu stereotypisieren, gegen die sie sich definierte. Wie die Autorin Janet Malcolm in betont Die stille FrauIn ihrem Buch über Plaths Legende und Biografien haben Kritiker wie Leon Wieseltier und Irving Howe Plaths Aneignung des Leidens des jüdischen Volkes in ihren Gedichten kritisiert: Durch die Verwendung von Holocaust-Bildern in „Daddy“ setzt sie ihren individuellen Schmerz mit dem generationsübergreifenden Schmerz gleich Trauma durch den Nationalsozialismus. Und in Die Glasglockewie in Gedichten wie „Lady Lazarus“, könnte ihre Fetischisierung der Differenz eine kurzsichtige Art sein, ihre Unterscheidung von denen zu behaupten, die sie als unter ihr zu sehen schien.
Als solcher stellt der Roman gelegentlich die überhebliche Homogenität dar, die das angeblich verachtete America Plath charakterisierte. Rassistische Bilder durchdringen den Text: Besonders beunruhigend ist die antischwarze Stimmung, die in ihrer Beschreibung einer schwarzen Arbeiterin im Krankenhaus, in dem Esther untergebracht ist, zum Ausdruck kommt. Auf den ersten Seiten vergleicht Esther ihre Blässe mit der Haut eines „Chinesen“, und mein eigenes Heimatland ist ein Symbol für ferne Exotik: An einem feuchten Tag war der Regen „nicht die schöne Art … der einen sauber wäscht.“ , aber ich stelle mir vor, dass es in Brasilien so viel Regen gibt.“ Die Glasglocke, die über den Vororten herabstieg, schien für Plath nur insoweit ins Blickfeld zu geraten, als sie gefangen war. Sie konnte nicht ganz aus sich herausschauen, um zu erkennen, wie diese Glasglocke andere ersticken könnte.
Als ich zum ersten Mal las Die Glasglocke, Neuengland war für mich ein abstraktes Konzept: ein erfundener Ort, an dem das Hin und Her von Konformität und Subversion in vollkommener Klarheit zum Vorschein kam. Da ich in einem Land aufwuchs, das die amerikanische Erfahrung idealisierte, hielt ich Plaths Amerika auf Distanz. Wie ein Gemälde von Norman Rockwell stand es in der Zeit still, unbeweglich, sentimental und unwahr. Wenn man als Erwachsener, der fast ein Jahrzehnt in den Vereinigten Staaten gelebt hat, das Buch jetzt noch einmal aufgreift, muss man die Idee eines romantischen, adretten Ostküstenzusammenbruchs unter dem harten, aufschlussreicheren Licht der Erfahrung erleben. Plaths Roman entstand nicht aus diesen wunderschönen Bildern der amerikanischen Küstenjugend; Es entstand aus einer heiklen, schädlichen Beziehung zu einer Umgebung, die ebenso grausam wie lohnend sein konnte.
Auf dem College verliebte ich mich in einen Jungen aus Massachusetts und begab mich auf eigene Faust nach Neuengland. Alles sah genauso aus, wie ich es erwartet hatte, auch wenn sich in den letzten etwa 70 Jahren viel verändert hatte; nicht zuletzt die Tatsache, dass der Staat laut einem Bericht der University of Massachusetts at Boston aus dem Jahr 2020 die zweitgrößte brasilianische Bevölkerung des Landes beheimatet. Aber die Luft in Massachusetts ist voller Geschichte und sein raffiniertes Erscheinungsbild ist immer noch faszinierend. Der Anblick dieser von Ahorn und Kiefern umgebenen Kolonialhäuser, deren Böden mit Füßen in GH-Bass-Slippern betreten wurden, verbunden mit der seltsamen Erkenntnis, einen Ort zu besuchen, den ich mir bisher nur vorgestellt hatte, fesselte mich an Plaths eigene Beschreibungen. Doch obwohl ihre Legende darauf beharrt, dass sie ein typisches amerikanisches Mädchen war, starb Plath als Ausländerin und Außenseiterin. Laut Clarks Biografie fand die letzte Dinnerparty, an der sie jemals teilnahm, im englischen Haus von Freunden der Familie statt.
Es dauerte Jahre, bis mir klar wurde, dass ich, egal wie sorgfältig ich das Amerika studierte, das ich ursprünglich in Plaths Werk sah, immer in erster Linie ein Ausländer und Außenseiter sein würde – jemand mit einer gequälten Vorliebe für eine Kultur, die einen ausschließt, einengt und dafür bestraft passt nicht hinein. Trotzdem denke ich gerne, dass Plath geschrieben hat Die Glasglocke für diejenigen, die, wie ich und sie, von bestimmten Bildern und bestimmten Vorstellungen erfasst und verfolgt werden – sogar solchen, die sich irgendwann gegen uns wenden könnten.
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