„Surrealism Beyond Borders“ im Metropolitan Museum ist ein riesiger, wahnsinnig unterhaltsamer Überblick über die transnationale Ausbreitung einer Bewegung, die 1924 in Paris vom Dichter und Polemiker André Breton kodifiziert wurde. Es hatte seine Wurzeln in Dada, das 1916 in Zürich entstand, in einer wütenden, taktisch-clownhaften Reaktion auf den sinnlos mörderischen Ersten Weltkrieg. Die meisten der Hunderte von Werken der Ausstellung – und fast alle der besten – stammen aus den nächsten zwanzig Jahren. Wie nicht anders zu erwarten, fügen sich das Telefon mit Hummerspitze von Salvador Dalí und die aus dem Kamin ragende Lokomotive von René Magritte von 1938 und Publikumsmagneten bis heute nahtlos in die Populärkultur ein. Aber die hervorragenden Kuratoren der Show, Stephanie D’Alessandro und Matthew Gale, beweisen, dass die Begeisterung für den Surrealismus unabhängig von Einzelpersonen und Gruppen auf der ganzen Welt wie ein Präriefeuer aufflammte. Der Zunder war ein aufständischer Geist, angewidert von Etablissements. Nicht dass die Revolte viel persönliche Tapferkeit erforderte: Sie konnten nicht für Ihre Träume verfolgt werden. Die Formel sah einfach aus. Es gab keine Regeln oder Hierarchien, trotz Bretons Bemühungen, die Reihen zu kontrollieren. Jeder konnte spielen, und für eine Weile taten es viele Leute.
Die Show verfolgt Eruptionen in etwa fünfundvierzig Ländern. Malerei und Fotografie dominieren, obwohl Zeitschriften, Texte und Filme bestimmte Szenen untersuchen, wie zum Beispiel eine späte Blüte politisch militanter Turbulenzen im Chicago der sechziger Jahre. Bis dahin war das, was als ästhetische Zauberei der Bewegung galt, verpufft. Aber es ist nicht gestorben. Heute gibt es eine überraschende Wiederbelebung, die an der Met nicht anerkannt wird, unter jüngeren Künstlern, die sich wie die Gründer der Bewegung von weltlichen Imperativen nach innen gewendet haben, um das sogenannte Unbewusste auszuloten, ein vermutlich zeitlos reales Reich, das der Vernunft überlegen ist. Sigmund Freud hatte, ohne es zu wollen, die lebhafte Illusion hervorgerufen, dass der Bruch der Rationalität (er war selbst sehr rational) ein Königsweg zur universellen Wahrheit sei und nicht, wie es oft der Fall zu sein schien, ein Repertoire von Klischees.
Vögel bedeuteten für den Deutschen Max Ernst immer Sex, obwohl man seine filigrane Figurenkonstruktion „Zwei Kinder werden von einer Nachtigall“ (1924) bewundert. Die Lebendigkeit der Bewegung reichte häufig bis ins Miniaturformat, wie bei den poetischen Kastenkonstruktionen von Joseph Cornell, die der amerikanische Künstler in den dreißiger Jahren zu schaffen begann, und zu Epiphänomenen wie dem Partyspiel exquisiter Leichnam, bei dem die Spieler abwechselnd Teile von Figuren auf gefaltetem Papier und hinterlassen Umrissspuren, damit andere fortfahren können. Die Show zeigt eine sechs Meter lange akkordeonartige Version, die der amerikanische Dichter Ted Joans bis zu seinem Tod im Jahr 2003 zu Begegnungen mit kulturellen Koryphäen mitnahm.
Der Surrealismus begann in der Literatur, allerdings mit Anstoß von den eindringlichen Stadtlandschaften, die der Italiener Giorgio de Chirico seit 1909 gemalt hatte. Er infizierte schnell Künstler weltweit und trat gegen die wohl bürgerliche Moderne wie Kubismus und Konstruktivismus auf, obwohl er ab und zu Formen davon abrieb . Die Bewegung war im Wesentlichen konservativ und lehnte die Auseinandersetzung mit der äußeren Moderne trotz einer sehnsüchtigen Identifikation mit radikalen Anliegen wie der einer von Breton zwischen 1930 und 1933 herausgegebenen Zeitschrift ab. Le Surréalisme au Service de la Révolution. (Die Sowjetunion hätte nichts davon.) Die Assoziation hält an den antikolonialen Gesinnungen mehrerer außereuropäischer Künstler fest. Tatsächlich war der Surrealismus nicht nur ein Geschmack, der von gebildeten Eliten bevorzugt wurde, sondern auch auf seine eigene Art kolonialistisch. Überall tauchten fast austauschbare Traumbilder auf. Eine doktrinäre Ablehnung des Nationalismus förderte das Gefühl, dass die Anhänger aus dem Nichts kamen. Surrealismus war individualistische Romantik auf Steroiden. Ich kenne den Magnetismus und seine Grenzen gut.
Ich war 1962 im Alter von zwanzig Jahren ein surrealistischer Dichter, betrunken, aber nicht besonders gut informiert an meinem kleinen College im Mittleren Westen. Obwohl ich gehindert war, so gut wie kein Französisch zu haben, hatte ich Mühe, einen Abschnitt von „Les Chants de Maldoror“ (1868-69) zu übersetzen – einem proto-surrealistischen Text des kurzlebigen in Uruguay geborenen Franzosen Isidore Ducasse, der sich selbst Comte . nannte de Lautréamont – in dem der Held zusammen mit einem weiblichen Hai Rivalen auf dem Meer tötet und dann hingebungsvollen Sex mit ihr hat. Extravagante Groteskerie in vielen Geschmacksrichtungen war in aller Munde. Das Böse erregte gewisse Surrealisten, die zum Beispiel den räuberischen Libertinismus des Marquis de Sade feierten. (Darüber zappelte ich.) Bretons Roman „Nadja“ aus dem Jahr 1928 über seine kurze Affäre mit einem jungen, wackeligen möglichen Hellseher war für mich biblisch; Ich habe nicht bemerkt, dass Bretons Verhalten gegenüber dem Mädchen ausbeuterisch war. Er trat zurück, als sie die Diagnose klinischen Wahnsinns erhielt.
Für mich war ein Großteil der Anziehungskraft der Bewegung glamouröse Männlichkeit, mit Dichtern wie Paul Éluard, Robert Desnos und fast einem Dutzend anderen, die eine sexy Coolness modellierten, in der ich schmerzlich war. Marcel Duchamp und Man Ray galten als geniale Gefährten, und der düstere Anthropologe und Philosoph Georges Bataille lieferte intellektuellen Ballast mit Pornografie. Frauen waren Sexobjekte oder Musen, mit seltenen Ausnahmen wie der in Großbritannien geborenen Mexikanerin Leonora Carrington, der Deutschen Meret Oppenheim, der Amerikanerin Dorothea Tanning und der unfehlbar erstaunlichen Frida Kahlo. Breton, als Kritiker nicht faul und in diesem Fall nur leicht sexistisch, bezeichnete Kahlos typisches Selbstporträt als „ein Band um eine Bombe“.
Ich vermisste die Tatsache, dass der Surrealismus, als ich darüber stolperte, aus westlicher Sicht veraltet war, da sein Einfluss von formal strengen Malern wie Joan Miró und Arshile Gorky, die in der Ausstellung vertreten sind, untergraben wurde, und , entscheidend, Jackson Pollock, der es nicht ist, und von lakonischen Dichtern wie John Ashbery und Frank O’Hara. Mir wurde klar, dass Pablo Picasso von Anfang an das Beste aus der dionysischen Kühnheit des Surrealismus gemacht hatte, indem er sie mit seiner eigenen apollinischen Souveränität kombinierte: One-Stop-Shopping in erotischer und wahrnehmungsbezogener Offenbarung. Nachdem ich etappenweise aus dem Osten geflohen war und 1964-65 ein desillusionierendes Jahr in Paris verbracht hatte, waren mir die Longueurs der modernen Surrealisten peinlich. Ich glaube, ich kann einen Aspekt meines Stils auf frühere Übungen im surrealistischen Schibboleth des ungeführten „automatischen Schreibens“ zurückführen, das darauf aus ist, das Alltägliche zu beleidigen. Es musste keinen Sinn ergeben. Vielleicht am besten, wenn nicht. Aber ich kam zu dem Schluss, dass das Bewusstsein, dieser flackernde Funke in der kosmischen Dunkelheit, der unverzichtbare Ort der Mysterien ist, auf die es ankommt.
Der Rest ist Charme, der an der Met mit besonderem Elan durch die grenzüberschreitenden Varianten der Show strotzt. Aufteilungen in multinationale Kohorten, nach Themen geordnet, bilden eine Weltreise mit lokalen Nuancen, die eine kollektive Leidenschaft modifizieren. Die Vielfalt der Entdeckungen, die mit außergewöhnlicher Gelehrsamkeit in einem hinreißenden Katalogbewahrer detailliert beschrieben wurden, besiegen die Verallgemeinerung mit solchen einmaligen, für mich neuen, tonischen Schocks wie einem hyperaktiven Gewirr abstrakter Formen, „Baton Blows“ (1937), von der französisch-ägyptische Mayo; „The Sea“ (1929), eine Fantasie des Japaners Koga Harue, die unter anderem eine Badeschönheit, einen Zeppelin, viele schwimmende Fische und ein geschundenes U-Boot zeigt; und „Untitled“ (1967), eine bewaffnete Schar menschlicher und tierischer Gesichter und Figuren, von der Mosambikanerin Malangatana Ngwenya. Sicherlich erfüllt das Angebot der Show das Ziel, die Geschichte der Bewegung aus dem Griff ihres Möchtegern-Mekkas in Paris zu befreien, wo Breton zu einem kirchlichen Tyrannen wurde, dessen Exkommunikationsgewalt 1935 sogar auf Alberto Giacometti gnadenlos herabfallen konnte, nach dem der größte verwandte Bildhauer wagte es, eine relativ objektive Figuration zu formulieren.
Selten wimmelt es in einem gewissenhaft geordneten Überblick von ungewohnten, verführerischen Genüssen wie einer Folge unheimlicher Fotografien meist von rätselhaften Frauen im Freien aus dem Jahr 1958 der Kolumbianerin Cecilia Porras. Die auf die Kunst des 20. Jahrhunderts angewandte Perspektive wird Ihnen als bleibende Herausforderung für den dominierenden Marsch der formalen Avantgarden der modernen Kunst bleiben. Man Ray idealisierte Originalkunst als „eine von Begierde motivierte Schöpfung“. Das ist für mich der Grundton des Surrealismus, der anarchischen Motiven gewidmet war, die keine institutionelle Autorität duldeten. Jedes Werk ist ein Jailbreak, erfolgreich oder nicht, aus einer Zivilisation, die für geisteszerstörende Konformität und, in den Annalen von Krieg und Ungerechtigkeit, für systemischen Wahn verantwortlich gemacht werden könnte. Am Ende kam der Surrealismus auf die Inkohärenz des Spiels hinaus. Aber sein Evangelium der Freiheit regt schon jetzt dazu an, darüber nachzudenken, worum es bei kulturellen Abenteuern geht. ♦