Das Leben eines Künstlers in Objekten, vom Warhol-Druck bis zur postmodernen Lampe

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In den 1980er Jahren hat der Künstler Peter Halley zusammen mit Zeitgenossen wie Jeff Koons und Ashley Bickerton dazu beigetragen, die New Yorker East Village Kunstszene zu entzünden. 1996 war er Mitbegründer des einflussreichen Kunst- und Kulturmagazins Index. Und zwischen 2002 und 2011 war er Direktor des MFA-Malprogramms von Yale. Am bekanntesten ist er jedoch für seine oft gigantischen neonabstrakten Leinwände, die er seit vier Jahrzehnten in subtil variierenden Formen anfertigt (eine Ausstellung seiner jüngsten Arbeiten ist derzeit bei Dallas Contemporary zu sehen). Aus zellenartigen Formen, die durch „Rohre“ verbunden sind, sind seine Gemälde leuchtend und streng zugleich, mit strukturierten Oberflächen, die er mühsam aus Acrylschichten aufbaut, die er häufig mit Roll-a-Tex, einem Oberflächenmaterial für Häuser, vermischt. Der gebürtige New Yorker arbeitet hauptsächlich in einem 5.000 Quadratmeter großen Studio in West Chelsea, einem ehemaligen Industriegebäude voller Eimer mit Day-Glo-Farbe und Mülleimern mit bespritzten Walzen. Aber sein Studio in Connecticut, ein bescheidenes zweistöckiges Haus, das er 2010 gekauft und renoviert hat und in dem er jetzt jede Woche ein paar Tage verbringt, ist eine ganz andere Art von Arbeitsplatz. Es dient sowohl als Zufluchtsort für die 17 mal 22 Zoll großen Studien, auf denen seine großformatigen Gemälde basieren – ein meditativer Prozess, den er mit dem Komponieren von Musik vergleicht, aber mit Farben statt Akkorden – und als eine Art Erinnerungspalast. gefüllt mit Möbeln und Gegenständen aus jedem Kapitel seines Lebens.

„Ich interessiere mich wirklich sehr für Design“, sagte mir Halley kürzlich über Zoom. „Und dies ist ein Ort geworden, an den ich all meine Schätze bringe.“ Im Wohn- und Esszimmer im Erdgeschoss des Gebäudes steht ein indischer Tisch aus geschnitztem Holz aus dem 19. Und oben – wo Halley auf dem Boden sitzend an einem Marcel Breuer-Beistelltisch aus Stahlrohr mit Blick auf den Long Island Sound arbeitet – befindet sich ein Technicolor-Treffpunkt, der von einem pummeligen französischen Indigo-Sofa aus den 60er oder 70er Jahren verankert wird und ein niedriger Missoni Roche Bobois Mah Jong Stuhl, dessen pinke und braune Streifen die Schattierungen eines 1972er Drucks von Andy Warhol widerspiegeln, der an der Rückwand hängt. „Mein Geschmack ist sehr vielseitig und unorganisiert“, sagte Halley, „und darauf bin ich ein bisschen stolz.“ Sein Sammeldrang wird jedoch nicht nur von seiner Bewunderung für die unterschiedlichsten Designer und Künstlerkollegen angetrieben, sondern auch von dem tief verwurzelten Wunsch, sich mit Objekten zu umgeben, mit denen seine Lieben und kreativen Helden ebenfalls Zeit verbracht haben. Abgewechselt mit Werken, die er im Laufe der Jahre durch Handel mit befreundeten Künstlern erworben hat, finden sich Möbelstücke aus der Wohnung seiner Mutter in Manhattan, in der er seine Kindheit verbrachte, sowie Gemälde seines Großonkels. „Der Impuls zum Sammeln scheint sehr darauf zu bestehen, an der Zeit festzuhalten oder an etwas festzuhalten, das sich sonst auflösen könnte“, sagte er. Hier spricht er über sechs seiner Lieblingsstücke.

Ich lernte Sottsass’ Arbeiten in den 1980er Jahren kennen und machte 1995 eine Ausstellung in der Jay Gorney Gallery in New York, die einige seiner Keramiken und Möbel sowie zwei meiner Gemälde umfasste. Meine Arbeit spricht definitiv zu seinem Design; es reimt sich gut darauf. Diese fliegende Untertassenlampe ist sehr empfindlich, sodass ich nicht viel damit interagiere, aber ich habe sie von meinem Freund, dem Designberater Jim Walrod, dessen Sammlung nach seinem Tod im Jahr 2017 versteigert wurde. Ich weiß nie genau, was etwas ist. weil ich nicht sehr viel über Stücke recherchiere, aber die Lampe ist früh und, soweit ich weiß, sehr selten. Es sieht einfach verrückt aus. Ich habe auch einen Sottsass-Esstisch mit Glasplatte und gemusterten Beinen, und ich liebe dieses Ding. In gewisser Weise ist es ein klassisches Stück der Memphis Group – auch wenn Memphis nicht unbedingt mein Lieblingsteil von Sottsass’ Karriere ist – aber es hat einen so paradigmatischen postmodernen Witz: Es hat eine Stahlkonstruktion, die das Glas trägt und könnte von einem modernistischen Architekten entworfen worden sein , aber dann verschwindet es in diesen rechteckigen Beinen, die mit einem roten Laminat überzogen sind. Das Ganze ist wahnsinnig beeindruckend. Ich habe im Laufe der Jahre viel in Italien gearbeitet und Sottsass in den 90ern ein paar Mal in Mailand getroffen. Später begann ich mit dem Designer Alessandro Mendini zu arbeiten und habe in seinem letzten Lebensjahrzehnt gemeinsame Projekte mit ihm durchgeführt. Ich bin also irgendwie in italienische Kunst und Design eingebettet.

Ich bin sehr stolz auf dieses Stück. Es hängt im Treppenhaus unter einer surrealistisch anmutenden Lampe mit flexiblem Hals der französischen Designer Ronan und Erwan Bouroullec um das Jahr 2000. Es ist eines von 472 einzigartigen Monoprints – jedes ist anders, weil die Farben über sie gedruckt wurden – das Warhol für das von Phillip Johnson entworfene Hotel Marquette in Minneapolis gemacht hat. Es gab einen in jedem Zimmer und als das Hotel renoviert wurde, wurden die Abdrücke verstreut. Warhol hat einige wirklich erstaunliche Drucke auf Papier gemacht, darunter ein Poster für das Lincoln Center Film Festival 1967 in Form einer riesigen Eintrittskarte. Ich glaube, er hat Sonnenuntergänge für diese Ausgabe ausgewählt, weil ein Sonnenuntergang das düsterste Ding der Welt ist – es ist das ansprechendste Bild, das man sich vorstellen kann – aber diese sehen aus wie Sonnenuntergänge in der am stärksten verschmutzten Stadt der Welt. Sie alle haben einen sehr unnatürlichen Grünton.

Ich habe diese Arbeit von Nadine Witkin, der Besitzerin der Galerie Alpha 137, bekommen. Sie ist eine wundervolle Person, die sich mit Künstlereditionen und Ephemera beschäftigt. Sie verkauft Poster, Einladungen zu Eröffnungen und einige kleine Zeichnungen. Ich habe eine Ausgabe von mir gegen dieses Stück eingetauscht. Ich liebe Morris’ Arbeit sehr und ich denke, er ist ein wichtiger Künstler, daher ist es schön, etwas von ihm zu haben. Es ist ein Modell für ein Erdwerk. Ich habe auch zwei Dennis Oppenheim-Drucke aus den 70er Jahren, die Erdarbeiten dokumentieren oder Vorschläge dafür sind. Ich bin in der Ära des Konzeptualismus und der Erdarbeiten und all dieser Künstler aufgewachsen. An anderer Stelle habe ich Stücke von Vito Acconci und ein bisschen Sol LeWitt.

Ich muss wohl zugeben, dass ich Plastikmöbel und die Verwendung von Plastik im Design mag. Und so habe ich irgendwann in den 90er Jahren diese Reliefs gemacht, die aus Fiberglas geformt und mit Perlglanzfarbe veredelt sind. Ich behalte meine eigenen Bilder eher nicht, aber diese beziehen sich auf das Morris-Relief, das Teil meiner Faszination für glänzende, leuchtende Designobjekte aus Kunststoff ist. Wir halten Plastik oft für etwas Antinatürliches oder Billiges, aber es ist großartig, Dinge daraus herzustellen. Nicht umsonst heißt es Plastik: Es ist formbar und außerdem leicht, kann aber mit Farbe eingebettet werden. Sowohl Sottsass als auch später Philippe Starck, der auch viele Möbel aus Kunststoff herstellt, haben seine Tugenden gepriesen.

Mein Großonkel hat dieses Bild gemalt. Er war Verleger und in den 60er Jahren veröffentlichte seine Firma Ace Books zum ersten Mal alle großen Science-Fiction-Autoren: Ursula K. Le Guin, Philip K. Dick, Samuel R. Delany. Durch seinen Neffen veröffentlichte es 1953 auch das erste Buch von William Burroughs, „Junky“. Aber sie lehnten Jack Kerouacs „On the Road“ ab. Mein Großonkel ging um 1965 in den Ruhestand und begann zu malen. Er war ein sehr kluger Mann und seine Malerei war ziemlich gut und intelligent gemacht. Er starb ein paar Jahre später, als ich 14 war und hinterließ ein voll ausgestattetes Atelier in seinem Haus in Larchmont, NY. Ich begann in diesem Atelier zu malen. Und ich glaube nicht, dass ich Künstlerin geworden wäre, wenn ich nicht die Malerei entdeckt hätte. Es war sehr zufällig. Er verwendete geometrische Formen und viel Farbe. Ich habe nie, außer zu meiner eigenen Belustigung, gegenständlich gemalt, also habe ich von Anfang an auch abstrakte Bilder gemalt. Einige habe ich noch irgendwo.

Dies ist ein Katalog zu Newmans Ausstellung im Museum of Modern Art im Jahr 1971. Es ist ein wirklich wichtiges Buch für mich. Hess war ein sehr bekannter Kritiker und Redakteur von ARTnews für einige Jahre, und das Porträt, das er von Newman und seinem heroischen Glauben an seine eigene Arbeit trotz aller Widrigkeiten webte – dieser Typ malte Streifen auf große Leinwände, die für viele Jahre, niemand hat mich wirklich unterstützt – war für mich als junger Mensch sehr bewegend. Ich habe diese MoMA-Show gesehen, als ich 18 war, und ich habe sie damals nicht wirklich verstanden, aber ich bin froh, dass ich sie gesehen habe. Ich hatte gerade die High School an der Phillips Academy Andover mit einem großartigen Kunstprogramm abgeschlossen und wollte nach Yale, um Kunst zu studieren. Das lief nicht so gut, weil die Kunstabteilung viel konservativer war, als ich dachte, und sie mir kein Kunststudium erlaubte, weil ich nicht das tun würde, was sie von mir wollte, nämlich Farbe Stillleben. So landete ich im Hauptfach Kunstgeschichte. Das war damals ziemlich entmutigend. Und dann, Jahre später, kam ich zurück und wurde Direktor des Programms, was ein wirklich wunderbarer Moment war. Das Buch findet auch Anklang, denn es hat ziemlich lange gedauert, bis meine Arbeit in New York Anerkennung fand. Ich kam 1980 dorthin zurück und hatte meine erste Einzelausstellung erst ’85, als ich 31 war, was noch jung ist, aber nicht mehr so ​​jung. Als ich anfing, meine Bilder zu machen, sagten die Leute: „Oh, sie sind so altmodisch. Sie sind wie Minimalismus, was nicht interessant ist.“ Einige Jahre musste ich einfach dabei bleiben.

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