DIE GESCHICHTE DER KUNST OHNE MÄNNERvon Katy Hessel
„Männer haben mich als die beste Malerin bezeichnet“, sagte Georgia O’Keeffe einmal. „Ich glaube, ich bin einer der besten Maler.“ Dieses berühmte Zitat des amerikanischen Modernisten dient als Epigraph in Teil 2 des Guardian Kolumnistin Katy Hessels mitreißendes erstes Buch „The Story of Art Without Men“. „Künstlerinnen sind kein Trend“, behauptet Hessel; und doch bleibt die umkämpfte Kategorie bestehen, nicht als sinnvolle Unterscheidung, sondern eher als Folge des Patriarchats, einer Kategorie, die die männlich dominierte Kunstwelt konsequent, in O’Keeffes Begriffen, herabsetzt.
Hessels Abhandlung ist teils revisionistische Geschichte, teils Bildband, teils kollektives Porträt, teils Archivschatzsuche und deckt das 15. Jahrhundert bis zur Gegenwart ab, um seinem Titel gerecht zu werden. Aber trotz ihrer größten Bemühungen können Männer nicht anders, als reiche Ehemänner, missbräuchliche Freunde, Künstlerväter, bedürftige Söhne, musenhungrige Maler, Institutionen und sogar als der höchste männliche Blick Gottes zu erscheinen.
In diesem 500-seitigen Wälzer stellt uns Hessel, die ihren Instagram-Account @thegreatwomenartists als Teil der Entstehung des Buches zitiert, effizient ein Mosaik von Künstlern vor, darunter die bekannte Artemisia Gentileschi, Frida Kahlo, Hilma af Klint, Tracey Emin und Kara Walker zu den weniger bekannten Elisabetta Sirani, Marie Denise Villers und Lady Butler und deutet sogar auf die Vielzahl von Namen hin, die wir vielleicht nie erfahren werden.
Die chronologische und kompendiumartige Struktur des Buches lässt eine Fülle von „Premieren“ zu: Lavinia Fontana gilt „als eine der ersten Frauen in der westlichen Kunst, die weibliche Akte malte“ im Jahr 1595; Alma Thomas ist „die erste Afroamerikanerin, die 1972 eine Einzelausstellung im Whitney erhielt“; „A Lesbian Show“ war „die erste rein lesbische Kunstausstellung in den USA“ in New York City im Jahr 1978; die mexikanische Künstlerin Aurora Reyes Flores aus dem 20. Jahrhundert gilt als „die erste Wandmalerin“; usw. Das Ergebnis ist eine ansprechende, aber notwendigerweise verkürzte Perspektive. Durch ihre narrative Form und ihren Fokus auf Repräsentation verschleiert Hessels Abfolge von Meilensteinen sowohl die politische Geschichte hinter dem Ausschluss von Frauen aus dem Kanon als auch die Möglichkeit, dagegen anzukämpfen.
Hessels Zielgruppe ist „jeder, egal auf welchem kunsthistorischen Niveau, der daran interessiert ist, die Geschichten dieser meist im Schatten stehenden Künstler zu erfahren“. Es ist daher nicht verwunderlich, dass ihre Übersicht – die rund 300 Bilder, ein Glossar kunsthistorischer Terminologie und eine sechsseitige Zeitleiste von Künstlern vom niederländischen Goldenen Zeitalter über die Harlem Renaissance bis heute umfasst – das Globale dem Lokalen vorzieht.
Von Anfang an warnt Hessel, dass „dies keine endgültige Geschichte ist – es wäre eine unmögliche Aufgabe“, und erkennt die Herausforderungen ihres grob gefassten Ansatzes an: die Komplikationen, Individuen in sanktionierte ästhetische Bewegungen einzupassen; die Befindlichkeiten rund um die umstrittene Kategorie der „Künstlerinnen“, die für Hessel kein „abwertender“ Begriff mehr ist, sondern „eine Verkörperung von Macht“; und der sich ständig weiterentwickelnde Status dieser Unterscheidungen in unserer Gegenwart und Zukunft.
Doch obwohl es Linda Nochlins bahnbrechendem Essay „Warum gab es keine großen Künstlerinnen?“ von 1971 mit ihrem Namensregister eine Antwort geben kann, bringt Hessel weniger als Nochlin vor 50 Jahren die Begrifflichkeiten der selbst hinterfragen. Kann die Aufnahme von Frauen in den kunsthistorischen Kanon das Kanonisierungssystem selbst unterbrechen? Warum verlässt sich Hessel auf die gleichen Methoden der Archivorganisation – lineare Geschichte, marktbasierter Geschmack, eindeutige Genregrenzen – die eine Rolle bei der Ausgrenzung von Frauen gespielt haben? Wie könnte stattdessen die Tatsache der Präsenz von Frauen die Voraussetzungen für den Platz der Kunst in der Welt stören?
Ein besonders bewegendes Kapitel „Der Körper in der Skulptur“ leitet eine Antwort ein. Hier untersucht Hessel die Mid-Century-Skulptur von Eva Hesse, die selbst „schwer zu beschreiben“ ist, und die Performance-Kunst von Yoko Ono („ein Genre, das durch Risikobereitschaft definiert ist“) und ihre Auseinandersetzung mit den Tugenden und der Groteske des Körpers und liefert den Kontext für Second -Wave-Feminismus mit Fokus auf sexuelle Gewalt und Reproduktionspolitik.
„Wie kann man durch die Kraft der Kunst“, fragt Hessel, „den Menschen das viszerale Gefühl eines Körpers vermitteln, der verletzt oder unter die Lupe genommen, idealisiert oder mit Narben einer kaum fassbaren Geschichte versehen wurde?“
Hessel unterstreicht auch, wie vielen der Künstler in „The Story of Art Without Men“ der Zugang zu Bildung, Finanzierung, Galerievertretung, Medienaufmerksamkeit, Zuschreibung und sogar Teilnahme am öffentlichen Leben verweigert wurde. Sie sind arm, depressiv, institutionalisiert oder einfach unbekannt gestorben. Kein Buch könnte diese Fehler wiedergutmachen – vor allem aber keins, das sich weiterhin mit Indexierung und Inklusion beschäftigt, anstatt mit einer breiteren und leidenschaftlicheren Gesellschaftskritik.
Tiana Reid ist Assistenzprofessorin für Englisch an der York University. Ihre Texte sind in The Times, Bookforum, Art in America und anderen Publikationen erschienen.
DIE GESCHICHTE DER KUNST OHNE MÄNNER | Von Katy Hessel | Illustriert | 459 S. | WW Norton & Company | $45