STUTTGART, Deutschland – Vielleicht wird kein Theaterregisseur, der heute arbeitet, mehr von der Erinnerung verfolgt als Krzysztof Warlikowski.
Um seine gewundenen Mechanismen darzustellen, bevorzugt der Pole Warlikowski Rätsel und fragmentierte Erzählungen gegenüber einfachen Antworten. In den letzten 20 Jahren hat dies dazu beigetragen, ihn zu einem der renommiertesten und unverwechselbarsten Regisseure Europas zu machen. Neben seinen Produktionen für das 2008 gegründete Nowy Teatr in Warschau inszeniert Warlikowski auch Werke für viele der führenden europäischen Schauspiel- und Opernfestivals.
In seiner neuesten Produktion „Odyssey. A Story for Hollywood“ nimmt er den Zuschauer mit auf eine kaleidoskopische Reise von Homer über den Holocaust bis nach Tinseltown und erzählt die Geschichte einer Jüdin, die während des Zweiten Weltkriegs ihr Leben riskiert, um ihren deportierten Ehemann zu suchen. Sie wird sowohl als neuzeitlicher Odysseus als auch als Penelope dargestellt: die schlaue und müde Abenteurerin auf der Suche nach ihrer schwer fassbaren Heimat und die treue, geduldige Ehefrau, die den Herd hütet.
Lose inspiriert von „Jagd auf den König der Herzen“, einem Roman der polnischen Autorin Hanna Krall aus dem Jahr 2006, ist die Produktion ein episches Assoziationsnetz, das auf Malgorzata Szczesniaks hübschem und vielseitigem Set zum Leben erweckt wird, dessen düstere Industriekomponenten für Verhörkammern und Verhörkammern stehen Warteräume.
Geschichte, Mythologie und Philosophie sowie Pop- und Hochkultur treffen aufeinander in einer vierstündigen Produktion, die durchweg fesselnd ist, auch wenn man sich nicht immer sicher ist, was es bedeutet. (Eine internationale Koproduktion mit dem Nowy Teatr, „Odyssey“, wurde kürzlich hier am Schauspiel Stuttgart aufgeführt und wird später in diesem Monat nach Paris touren.)
Izolda Regensberg, die Protagonistin von Kralls Kurzroman, ist überzeugt, dass ihr Leben als Survival-Künstlerin einen großen Hollywood-Film abgeben würde. Die Eröffnungsszenen des Stücks, die im kriegszerrütteten Europa und kurz danach spielen, zeigen Regensberg, wie er durch eine Film-Noir-Landschaft voller Gewalt und Bedrohung navigiert. Ein riesiger Käfig, der immer wieder über die Bühne gerollt wird, verstärkt das Gefühl von Klaustrophobie.
Von dort aus geht es nach Los Angeles, wo sich ein viel älterer Regensberg mit dem Regisseur Roman Polanski, dem Filmproduzenten Robert Evans und Elizabeth Taylor trifft, die Regensberg in einem Film spielen soll. Die polnischen Schauspieler spielen die Szene auf Englisch mit übertriebenen amerikanischen Akzenten, die die Vulgarität und Ignoranz ihres Hinterzimmergesprächs noch verstärken.
Diese Sendung von Hollywoods Ahnungslosigkeit wird durch den Dokumentarfilm „Shoah“ des französischen Filmemachers Claude Lanzmann aus dem Jahr 1985 widerlegt, eine neunstündige mündliche Überlieferung des Holocaust, die einen Meilenstein in der Geschichte des Kinos darstellt und der sich Warlikowski später am Abend zuwendet. Ein Bildschirm fährt herunter und wir sehen uns einen berühmten Ausschnitt aus dem Film an, in dem Lanzmann Abraham Bomba interviewt, einen in Israel lebenden Barbier, der einst jüdischen Frauen, die für die Gaskammern von Treblinka bestimmt waren, die Haare schnitt. Bombas erschütternde Aussage steht in scharfem Kontrast zu einer auffälligen Testrolle, die wir während Regensbergs Treffen mit Polanski sehen – eine punktgenaue Parodie auf Hollywood-Holocaust-Schock, in der ein gutaussehender Gestapo-Offizier sein Verhöropfer foltert und erregt, indem er Wagner auf dem Klavier spielt.
In „Odyssey“ durchforstet Warlikowski viele der gleichen Tropen wie Lanzmanns Film, wühlt in Traumata und Erinnerungen herum, während er die ethischen und ästhetischen Implikationen der Darstellung des Holocaust durchforstet. Warlikowskis assoziative und ergebnisoffene Herangehensweise führt die Inszenierung bisweilen in ungewöhnliche Richtungen und an unerwartete Orte.
An einem Punkt verlagert sich die Szene abrupt in den Schwarzwald des Jahres 1950, wo Hannah Arendt mit Martin Heidegger picknickt. Während die deutschen Philosophen (und ehemaligen Liebhaber) um Versöhnung kämpfen – Heidegger bleibt trotzig in Bezug auf seine Unterstützung des Nazi-Regimes –, belästigt sie ein aufdringlicher, kamerabewaffneter Tourist (möglicherweise ein Besucher aus der Zukunft) mit Fragen. Der düstere Verlauf des Stücks ist oft mit solchen surrealen und humorvollen Details gesprenkelt.
Für das Finale der Produktion wendet sich Warlikowski an die Coen-Brüder, indem er den Prolog zu ihrem Film „A Serious Man“ aus dem Jahr 2009 originalgetreu nachstellt. In diesem atmosphärischen Kurzfilm, einer jiddischen Horrorkomödie, die scheinbar vom Rest des Films getrennt ist, wird ein frommes Paar in einem Schtetl aus dem 19. Jahrhundert von einem Dybbuk (einem bösen Geist in der jüdischen Folklore) besucht, der den Körper eines toten Rabbiners besitzt.
Diese letzte Szene ist ein schriller Kontrast zu dem „Shoah“-Material, das ihr direkt vorausgeht, und schließt diese weitläufige Produktion mit einer merkwürdig gedämpften Note ab. Thema existentieller Heimatlosigkeit ist jedoch das Bindegewebe, das die verschiedenen Stränge von „Odyssee“ verbindet.
Die Schnittmenge von persönlichem und gemeinschaftlichem Trauma, erzählt aus der Sicht einer Frau, ist auch das Thema von Irina Kastrinidis dramatischem Monolog „Schwarzes Meer“, dessen Uraufführung am Landestheater Niederösterreich in St. Pölten, Österreich, inszeniert wurde von der deutschen Theaterlegende Frank Castorf. Eine überraschende Inszenierung, nicht zuletzt, weil Castorf, dessen Ruhm auf seiner dekonstruktiven Herangehensweise an literarische Klassiker beruht, nicht gerade für seine einfühlsamen Darstellungen weiblicher Protagonistinnen bekannt ist.
In „Schwarzes Meer“ hat Kastrinidis, eine ehemalige Schauspielerin in Castorfs Truppe, als er die Berliner Volksbühne leitete (sie ist auch die Ex-Freundin des Regisseurs), griechische Mythen mit der Geschichte ihrer jüngeren Vorfahren verschmolzen: Pontosgriechen, die in was lebten ist jetzt die Türkei, die in den 1920er Jahren gewaltsam vertrieben wurden. Ihr Monolog – eine gestelzte und nichtlineare Rede in erhöhter und manchmal archaischer Sprache – wird von der deutschen Schauspielerin Julia Kreusch gehalten, deren körperlich leidenschaftliches Eintauchen in den Text ihn zu erheben scheint. Kastrinidis’ Text vermischt alltägliche, ja banale Beobachtungen mit Lobgesängen auf die Argonauten und Passagen, in denen Penelope mit Pop-Ikonen wie Jane Birkin zu verschmelzen scheint. Im Hintergrund schwebt die Vertreibung und Ermordung der Vorfahren von Kastrinidis. Und während die Ich-Erzählung zwischen Paris, Athen, Berlin und Zürich hin- und herpendelt, suggeriert Kastrinidis eine Kontinuität von Exil und ererbtem Trauma und Erinnerung, die ihr eigenes halluzinogenes Heimweh erklärt.
Vielleicht um der Monotonie vorzubeugen, fügt Castorf zwei Charaktere hinzu, die in Kastrinidis’ Text nicht vorkommen, darunter eine, die von seinem 12-jährigen Sohn Mikis Kastrinidis gespielt wird, dessen temperamentvolle Darstellung zwischen liebenswert und irritierend wechselt. Er teilt sich die Bühne mit Kreusch (und gelegentlich einer echten Ziege) und erinnert das Publikum immer wieder daran, dass er im Stück seiner Eltern mitspielt, indem er mit seiner Mutter telefoniert und Witze darüber macht, wie alt sein Vater ist.
Diese Kammerinszenierung eines brandneuen Werks ist für den heute 70-jährigen Castorf eine Abwechslung. Seine klassischen Inszenierungen, theatralische Tour de Force-Marathons, nahmen sich mit ihren Ausgangsmaterialien extreme Freiheiten und waren für Schauspieler und Publikum oft anstrengend. Kreusch kommt in „Schwarzes Meer“ durchaus ins Schwitzen, aber abgesehen davon gibt es erstaunlich wenige stilistische Merkmale von Castorf.
Am überraschendsten ist, dass es im Großen und Ganzen dem Text von Kastrinidis treu bleibt, als ob das einstige Enfant terrible entschieden hätte, dass es unangemessen wäre, sein Ego dem persönlichen und poetischen Cri de Coeur seines ehemaligen Geliebten aufzuzwingen.
Wie „Odyssee“ ist auch „Schwarzes Meer“ letztlich eine künstlerische Ausgrabung des Erinnerungstheaters. In den assoziativen Spielen, die sie mit der griechischen Mythologie und der modernen europäischen Geschichte spielen, deuten diese beiden beeindruckenden Neuproduktionen darauf hin, dass Vertreibung und Exil für das moderne menschliche Dasein grundlegend sind.
Odyssee. Eine Geschichte für Hollywood. Regie führte Krzysztof Warlikowski. Auf Tour im Théâtre National La Colline in Paris, 12.-21. Mai; Nowy Tear, in Warschau, 2.-5. Juni.
Schwarzes Meer. Regie führt Frank Castorf. Landestheater Niederösterreich. 5. Mai und 24. September.