BERLIN – Vor einer kleinen Bühne an der Schaubühne hier am Dienstagabend warnte ein Schild davor, dass die chilenische Produktion „Oasis de la Impunidad“ („Oase der Straflosigkeit“) Blitzlichter und Nacktheit auf der Bühne enthielt.
Rückblickend wirkte dieser Vorbehalt komisch, ein bisschen wie die Warnung der Zuschauer, dass ein Tarantino-Film etwas blutig sein könnte. Während der 90-minütigen Laufzeit des Stücks saß das Publikum in fassungsloser Stille, als eine Band aus acht Darstellern eine makabere und ritualistisch präzise Untersuchung der zersetzenden Wirkung von Gewalt auf das Individuum und den sozialen Körper inszenierte. Szenen von Folter und Gewalt, einschließlich sexueller Gewalt, purzelten mit balletischer Eleganz hervor. Die Zartheit des Gefühls und die theatralische Finesse der Inszenierung standen in beunruhigendem Widerspruch zu den Schrecken, die sie darstellte.
„Oasis de la Impunidad“ wurde vom Regisseur Marco Layera und seiner Kompanie La Re-Sentida geschaffen und ist eine erschütternde künstlerische Antwort auf die jüngste Welle sozialer Unruhen in Chile, die als die schlimmste des Landes seit dem Ende des Pinochet-Regimes beschrieben wurde. Wie die anderen herausragenden Produktionen des Festivals International für Neue Dramatik oder FIND der Schaubühne nimmt „Oasis“ alptraumhafte und surreale zeitgenössische Ereignisse als Ausgangspunkt für provokative theatrale Erkundungen.
Ende 2019 wurde Chile von sozialen Unruhen erschüttert, nachdem eine Fahrpreiserhöhung in der U-Bahn von Santiago Massendemonstrationen und Unruhen gegen die zunehmende Ungleichheit ausgelöst hatte. Die Regierung rief den Ausnahmezustand aus und setzte die Armee ein, um Ruhe und Ordnung wiederherzustellen. Laut einem Bericht des Nationalen Instituts für Menschenrechte wurden in den ersten Wochen der Unruhen 18 Menschen getötet und fast 3.000 festgenommen, darunter Hunderte von Frauen und Kindern. Seitdem gab es zahlreiche Berichte über die Folterung und Vergewaltigung von Demonstranten durch Sicherheitskräfte.
Um „Oasis“ zu entwickeln, hielt Layera eine Reihe von Theaterlaboren und Workshops in Chile ab. 200 Menschen nahmen daran teil, darunter viele Überlebende staatlich geförderter Unterdrückung und Brutalität. Die daraus resultierende Show, die als „eine Untersuchung der Ursprünge und Mechanismen von Gewalt“ beschrieben wird, ist eine Reihe von finsteren und bedrohlichen Episoden, die von dunkler Komödie durchzogen sind.
In der Schaubühne zogen die Schauspieler, eine Mischung aus Profis und Laien, an ihren Genitalien, kniffen sich mit Werkzeugen in Zähne und Fleisch, brachen in Anfälle von Hysterie und Trauer aus und stellten liebevoll gebrochene, blutige Körper in einem lustigen Gruselhaus zur Schau. Nach der Weltpremiere in Berlin wandert die Show Ende Mai nach Santiago, Chile.
Gegen Ende der Aufführung drängte sich ein Schauspieler mit einer anscheinend ohnmächtigen, nackten Frau, die schlaff von seiner Schulter baumelte, durch eine Reihe von Zuschauern und ließ sie auf einen leeren Sitz fallen. Dort blieb sie bis lange nach dem Vorhang regungslos stehen. Mehrere Zuschauer blieben bei ihr und hielten ihren Kopf, bis sie wieder auflebte, nachdem sich das Theater geleert hatte. Es war ein Maßstab für den Erfolg der Produktion, dass alles andere als klar war, was echt und was simuliert war. Indem „Oasis de la Impunidad“ das Publikum zwang, sich ästhetisierter Gewalt aus nächster Nähe zu stellen, warf es unbequeme Fragen zu Macht, Kunst und Ethik auf.
Der Kampf zwischen dem Individuum und der Repression des Staates stand auch im Mittelpunkt von „Is This a Room“ der amerikanischen Regisseurin Tina Satter, das ebenfalls bei FIND zu sehen war. Der Text des Stücks ist die wortgetreue, unbearbeitete Abschrift eines FBI-Verhörs: Im Jahr 2017 wurde Reality Winner, ein 25-jähriger Luftwaffenveteran, Linguist und Geheimdienstspezialist, verhaftet, weil er einen geheimen Bericht über die russische Einmischung in die US-Präsidentschaftswahl 2016 veröffentlicht hatte Wahl zur Nachrichten-Website The Intercept. Sie wurde zu mehr als fünf Jahren Gefängnis verurteilt. Satters Inszenierung dramatisiert die Stunde des 3. Juni 2017, als FBI-Agenten Winner in ihrem Haus in Augusta, Georgia, mit einem Durchsuchungsbefehl überraschten.
Diese kurze, fesselnde Produktion war letztes Jahr eines der gewagtesten und abenteuerlichsten Stücke am Broadway (es hatte frühere Aufführungen sowohl Off als auch Off Off Broadway) und kam im Rahmen seiner internationalen Tournee mit seiner kleinen Besetzung, die vom Broadway intakt war, zu FIND , mit Ausnahme von Katherine Romans, die als Gewinnerin eintrat. (Emily Davis hat die Rolle ins Leben gerufen.) Romans ist juckend und geschwätzig und überzeugt als Whistleblower, der sich mehr Sorgen um das Wohlergehen ihrer Haustiere und das Schicksal ihrer Yoga-Musik-Playlist auf ihrem Handy zu machen scheint, als Jahre hinter Gittern zu verbringen . Sie plaudert mit den FBI-Agenten, die wie sie die Lage im Sekundentakt einzuschätzen scheinen, über ihre beruflichen Ambitionen, ihre Sprachkenntnisse und ihre Begeisterung für CrossFit.
In der Schaubühne spielten die Schauspieler am einfachen, unmöblierten Bühnenbild von Parker Lutz, das Publikum saß zu beiden Seiten der länglichen Bühne. Wenn man zusieht, wie Winners Leben innerhalb einer Stunde um sie herum zusammenbricht, wundert man sich, wie perfekt das dramatische Timing ist und wie die Enthüllungen, die durch die Drehungen und Wendungen des Verhörs erzeugt werden, zu so etwas wie Katharsis werden. Sogar die Non-Sequiturs, einschließlich der Titelfrage, die von einer Figur geäußert werden, die im Transkript als „unbekannter Mann“ identifiziert wird, sind wunderbar getimt und verleihen dieser klammen Produktion eine mysteriöse sowie komische Erleichterung.
Ein weiteres FIND-Angebot, Marcus Lindeens „L’Aventure Invisible“ („Das unsichtbare Abenteuer“), basierte ebenfalls auf wörtlichen Quellen. Diese Produktion – die ihren Dialog eher aus Interviews als aus einem Verhörprotokoll bezieht – war eindringlicher als „Is This a Room“, aber weniger überzeugend als Drama.
Der auffälligste Aspekt von „L’Aventure Invisible“ war sein physisches Format. Das Publikum und die Darsteller saßen zusammen in einer kleinen Holzarena. Der runde Sitzbereich erinnerte an ein anatomisches Theater oder Amphitheater. Die Schauspieler, die sich gegenüberstanden, waren bereits vor Beginn der Aufführung leicht zu erkennen, da sie die einzigen drei Personen waren, die keine medizinischen Masken trugen.
Sobald die Hauslichter ausgingen, nahmen sie die Rollen von Menschen an, deren Erfahrungen darauf hindeuten, dass Identität ein instabiler Begriff ist, der tiefgreifenden und unerwarteten Veränderungen unterliegt: Jérôme Hamon, der erste Mensch, der zwei vollständige Gesichtstransplantationen erhielt; Jill Bolte Taylor, eine Neuroanatomin, die einen schweren Schlaganfall erlitt und sich mit 37 komplett neu erfinden musste; und Sarah Pucill, die einen Film über den französischen surrealistischen Fotografen Claude Cahun, einen geschlechtsnichtkonformen Pionier, drehte.
Der Dialog basiert auf Interviews, die Lindeen mit dem Trio geführt hat, und in „L’Aventure Invisible“ befragen sich die drei Schauspieler abwechselnd. Während vieles von dem, was sie erzählen, faszinierend ist, fühlte sich das Format gekünstelt an und war gelegentlich umständlich, mit keksförmigen Interviewaufforderungen („Wie haben Sie sich dabei gefühlt?“ oder „Und dann passierte?“), die die langen Monologe unterbrachen.
Die Schauspieler erweckten den französischen Text in ernsthaften, meist dezenten Darbietungen zum Leben (das Publikum konnte Untertitel in Englisch oder Deutsch auf seinem Smartphone sehen). Es überrascht vielleicht nicht, dass Hamons Aussage am fesselndsten ist. Tom Menanteau, der junge Schauspieler, der Hamon spielt, beschrieb ruhig die degenerative Krankheit, die ihn einst entstellte, und wie er jetzt mit dem Gesicht eines toten Mannes lebt, 21 Jahre jünger als er.
Wenn Tatsachen seltsamer – und beängstigender – sind als Fiktion, wie können Theatermacher das Zeitgenössische auf künstlerisch sensible und politisch drängende Weise inszenieren? Das ist die Frage, zu deren Betrachtung uns die diesjährige FIND einlädt.
FIND 2022 läuft noch bis zum 10. April an der Schaubühne.