Der Mittelteil von Sibelius ‘„Rakastava“ ist ein ruhiger, glasiger Tanz der Freude. Es ist nicht ungestört. Es gibt Dissonanzen; Die Feier ist gedämpft, zurückhaltend, fast geheimnisvoll. Es dauert ungefähr zwei Minuten und verschwindet dann in der Nachtluft, bevor Sie es wissen.
Aber es ist trotzdem freudig. Und es war der beeindruckendste Teil des Konzerts, den ich hörte, nachdem ich am Mittwochabend ein Gebäude für die New York Philharmonic betreten hatte.
Ja, das stimmt: die New York Philharmonic im Inneren. Genau 400 Tage, nachdem es sich das letzte Mal drinnen versammelt hatte, um vor Publikum zu spielen, kehrte das Orchester zurück. Im Rahmen der Serie „An Audience With“ traten im höhlenartigen McCourt-Raum des Shed etwa zwei Dutzend Streichmusiker der Philharmonie unter einem Dach vor einer kleinen, distanzierten, maskierten, geimpften oder getesteten Menge auf.
Dass eine so einfache Handlung so bedeutsam war, spricht für die Entbehrungen der letzten 13 Monate und die Kompromisse, die wir gerne eingehen werden, um an ihnen vorbeizukommen. Das McCourt ist kein klassischer Konzertsaal; Eine gewisse Verstärkung ist erforderlich, damit akustische Instrumente in eine im Wesentlichen riesige Box eindringen können. Und obwohl es heutzutage beruhigend ist zu wissen, dass die Belüftung Überstunden macht, war das HLK-System des Raums ein sehr hörbarer Begleiter.
Aber es war über ein Jahr her, seit ich von den Vibrationen eines beträchtlichen Kontingents von Musikern getroffen worden war, die vor mir saßen, und das Gefühl war süß. Ich fühlte mich dankbar und fast beschämt, entblößt – genau wie ich mich im letzten Sommer fühlte, als ich nach monatelangen Geräuschen von meinem Computer und meinen Ohrhörern zum ersten Mal ein Streichquartett im Freien hörte. (Auch die Philharmoniker gingen letztes Jahr für Kammermusik nach draußen und lieferten Pop-up-Auftritte mit einem gemieteten Pickup, der voraussichtlich wieder auf der Straße sein wird, wenn das Wetter wärmer wird.)
Am Mittwoch, dem ersten in einem zweitägigen Stand im Schuppen, fehlten die charakteristischen klanglichen Erfolge dieses Orchesters. Es gab keine Mahler-Trompetenstöße, keine Beckenstürze. Aber nach so langer Zeit gab es einen verblüffenden Aufprall beim Zupfen einer einzelnen Geige, bei der Interaktion von Hörgeräten im Weltraum, wobei eine Bratschenlinie aus einigen Metern Entfernung hinter den Celli hervorkam. Die gefiederten Schatten, die Caroline Shaws “Entr’acte” öffnen; die samtigen Bässe, die „Rakastava“ („The Lover“) verankern; Der überfließende Kontrapunkt und die Mahagoni-Einstimmigkeit von „Metamorphosen“, Richard Strauss ‘langgestreckter Elegie in den letzten Monaten des Zweiten Weltkriegs: Bei diesem gedämpften, zurückhaltenden Tanz eines Konzerts war sehr wenig laut, aber jedes Detail fühlte sich in die Luft und ins Ohr eingraviert .
Auf dem Podium für den Meilenstein stand nicht der Musikdirektor der Philharmoniker, Jaap van Zweden, der zuvor nach einem Aufenthalt in New York vor einigen Wochen ein Engagement in Übersee hatte und Programme für den NYPhil + -Abonnement-Streaming-Service aufzeichnete. Der Dirigent war vielmehr Esa-Pekka Salonen, eine langjährige Freundin des Orchesters, von der viele hofften, dass sie vor einigen Jahren dessen Leiter werden würde, anstatt des schlagkräftigeren, weniger kreativen und weniger engagierten van Zweden. (Die San Francisco Symphony bekam stattdessen Salonen.)
Dies war etwas umständlich, da es in dieser Frühlingssaison so viel Leben mit Burnout und vorläufigem Wiederauftauchen gibt. “Wie spät ist es?” Sarah Lyall fragte Anfang dieses Monats in der New York Times. “Welcher Tag ist es? Was haben wir im Oktober gemacht? Warum stehen wir vor dem Kühlschrank und starren auf eine alte Knoblauchzehe? “
Institutionen für darstellende Künste sind nicht anders. Sie sind auch rostig und stehen wie wir vor dem Kühlschrank und fragen sich, was sie tun. Salonen sprach von der Bühne der “drei Werke, die wir heute Abend spielen wollen”. Damit entfällt jedoch die Tatsache, dass das ursprünglich angekündigte Shed-Programm die Werke von Sibelius und Strauss mit Arvo Pärt ‘extravaganten, wenn auch selbstlosen, traurigen „Fratres“ zusammenbringt.
Jemand erkannte anscheinend, dass es für die Philharmoniker nicht gut war, nach dem Jahr, das wir hatten, zurückzukehren – die Aufstände für Rassengerechtigkeit, die Intensität des Leidens in New York City, insbesondere ein gesteigertes Bewusstsein für unsere lokalen Gemeinschaften – mit drei Stücken weißer europäischer Männer, von denen zwei seit Mitte des 20. Jahrhunderts tot waren und die andere im September 86 Jahre alt wurde.
Also war Pärt draußen und Shaw, ein 38-jähriger weißer New Yorker, war drin. Dies weckte in mir die Mischung von Gefühlen, die viele dieser institutionellen Gesten in Richtung Vielfalt haben: den Wunsch, den Philharmonikern auf den Rücken zu klopfen verspätet in die richtige Richtung bewegen; ein Erstaunen darüber, dass sie nach einem Jahr, um darüber nachzudenken, dieses erste Programm überhaupt erst konzipiert hatten; Schuld, dass ich die Homogenität nicht bemerkt hatte, bis sie angepasst worden war; Noch etwas ungläubiger, dass die Philharmoniker selbst nach dem Hinzufügen von Shaws Stück in eine Stadt zurückkehren würden, die nur ein Drittel Weiß ist, ohne dass schwarze oder lateinamerikanische Spieler auf der Bühne stehen und Musik von Komponisten der Farbe.
Da „Fratres“ und „Entr’acte“ mit 11 Minuten fast genau gleich lang sind, war die Situation auch eine Art Witz über die veralteten Traditionen der Orchesterprogrammierung. Ein Stück dieser Proportionen ist der Standard-Konzerteröffner, der oft zu einem längeren Konzert vor der Pause und danach zu einer fleischigen Symphonie führt.
Werke lebender Komponisten – und damit der meisten Frauen und Künstlerinnen der Farbe – werden normalerweise in die kurze Amuse-Bouche-Position verbannt. Welche Vielfalt in der Programmierung passiert, ist in der Regel dort, wo die Leute es am wenigsten bemerken werden. Der Kanon marschiert mit einer 11-minütigen Schaufensterdekoration weiter.
Darüber sollten die Philharmoniker nach der nüchternen, ergreifenden Aufführung am Mittwoch nachdenken. Nicht um ein paar kleine Stücke in Auftrag zu geben, die in die alten Modelle passen, sondern darum, wie sich die Grundstrukturen seiner Saison, seiner Konzerte und seines Personals ändern müssen, um ihre Werte widerzuspiegeln – wenn Vielfalt in jeder Hinsicht tatsächlich zu ihren zentralen Werten gehört .
Vielleicht hilfreich, wird der Schiefer für dieses Orchester sauberer abgewischt als für viele kulturelle Organisationen: Es hat einen Silberstreifen in der erzwungenen Schließung seines Theaters gefunden, um durch das, was ursprünglich als Stop-and-Go-Renovierung geplant war, die Macht zu übernehmen. Wenn das Ensemble im Herbst 2022 in die David Geffen Hall zurückkehrt, wird es sich in einen völlig verwandelten Raum verwandeln. Möge eine verwandelte Philharmonie es füllen.