Paul Thek
Bis 16. Oktober. Alexander und Bonin, 47 Walker St., Manhattan. 212 367-7474; alexanderandbonin.com.
Der Karriereweg von Paul Thek ähnelt einer umgekehrten Glockenkurve: frühreifer Erfolg, Vernachlässigung und Verbitterung in der Mitte der Karriere, Tod an AIDS im Jahr 1988 und sich ständig aufbauender posthumer Ruhm.
Die Mini-Retrospektive „Relativity Clock“ zeigt Aspekte des facettenreichen Künstlers, mit Notizbuchskizzen, die Thek als tägliche Praxis anfertigte, Gemälden, die er auf Zeitungspapier schuf, ein paar der „Fleischkabel“, die er während seines Aufenthalts in Amsterdam aufhängte, und Gemälde, die er mit hochbürgerlichen Gold-Künstlerrahmen und Bilderleuchten schmückte. Der Showstopper ist ein „technologisches Reliquiar“ oder „Fleischstück“ – ein Objekt mit einer schillernden blauen Haut und einem Inneren aus zerfleischtem Fleisch, das in einem durchsichtigen Plastikbehälter präsentiert wird.
Thek formte und färbte Wachs, um rohe Fleischstücke zu simulieren, die er mit Stahl kombinierte, wie in den Kabeln, oder häufiger in Plexiglaskästen eingeschlossen. Wie der Name schon sagt, platzierten die technologischen Reliquiare viszeralen Inhalt in einem rationalen Gefäß. Thek rümpfte zum Teil die Nase über Minimalismus. Gleichzeitig durchdringt eine römisch-katholische Religiosität, die Spiritualität mit Fleischlichkeit verbindet, einen Großteil seiner Arbeit.
Ende der 60er und Anfang der 70er Jahre schuf er eine Reihe von Installationen in Europa, in denen er während der Ausstellung immer wieder neue Stücke schuf, so dass sich die Ausstellung in einer Weise veränderte, die heute ihrer Zeit voraus zu sein scheint.
Aber seine legendärste Ausstellung wurde 1967 in der Stable Gallery in New York inszeniert. Sie zeigte einen Wachsabguss seines Körpers in einem rosa lackierten Anzug mit einer geschwärzten Zunge und einer abgeschnittenen rechten Hand, die in einer Zikkurat untergebracht war. Er nannte es „The Tomb“, obwohl es zu seinem Missfallen als „Tod eines Hippies“ bekannt wurde. (Wie sein Schöpfer hatte das Bildnis lange blonde Haare.) Der Hippie starb, aber in der aktuellen Ausstellung ist die Stable-Schau mit Fotografien und einem Poster von Peter Hujar vertreten, der damals Theks Geliebter war und ein weiterer Künstler ist dessen Ruf seit seinem frühen Tod im Jahr 1987 in die Höhe geschnellt ist.
ARTHUR LUBOW
Julia Bland
Bis 9. Oktober. Derek Eller Gallery, 300 Broome Street, Manhattan. 212-206-6411; derekeller.com.
Die Kunstwerke von Julia Bland aus der Nähe zu betrachten, kann ein kleines Abenteuer sein. In einem Stück – zum Beispiel „Canyon“ (2020), in ihrer aktuellen Ausstellung in der Derek Eller Gallery – finden Sie handgewebtes Leinen neben vorgefertigtem Denim, Seide und einem umfunktionierten Hudson Bay-Mantel, mit Tinte und Farbe, die auf verschiedene Stoffe, die alle zusammen geschnitten, genäht, gewebt oder geflochten wurden. Ihr Auge kann sich auf eine ästhetische Schatzsuche verfangen und staunen, wie viele Texturen, Farben, Formen und Prozesse bequem nebeneinander existieren können.
Bland, der in Bachelor- und Masterstudiengängen Malerei und Druckgrafik studiert hat, fertigt seit mehreren Jahren collageartige Textilarbeiten an. Für ihre erste Einzelausstellung bei Derek Eller mit dem Titel „Some Love Holds Water“ wurde sie sowohl in Größe als auch Komplexität skaliert, wobei drei monumentale Stücke (einschließlich „Canyon“) den Hauptraum der Galerie dominieren. Sie sind die unbestreitbaren Stars der Ausstellung, ambitionierte formale Experimente, die Elemente westlicher Faserkunst, traditionelle islamische Textilien, moderne abstrakte Malerei und mehr verschmelzen.
Leider leidet der Rest der Ausstellung etwas darunter: Drei kleine Zeichnungen mit Leinenfaden und Ölfarbe und eine Reihe von Leinen- und Wolldecken wirken zahm. Aber diese Stücke fangen immer noch einen Teil der totemistischen Qualität ein, die das größere Trio so fesselnd macht. Die geometrischen Formen, die den Kern von Blands Arbeit bilden, und ihre iterativen Schichten und Riffs darauf strahlen eine Art psychedelische Kraft aus. Sie müssen ihre genaue Bedeutung nicht kennen, um sie zu fühlen.
JILLIAN STEINHAUER
McArthur Binion
Bis 23. Oktober. Lehmann Maupin, 501 West 24th Street, Manhattan. 212-255-2923; lehmannmaupin.com.
In Mississippi geboren und in Detroit aufgewachsen, folgte McArthur Binion 1973 der schwarzen Avantgarde nach New York. 1991 folgte er einer Frau – und einem Lehrerjob – nach Chicago. Die ganze Zeit über führte er auch ein Adressbuch voller Namen von Künstlerkollegen, von denen viele später berühmt wurden. Im Jahr 2013 begann er, dieses Buch zusammen mit seiner Geburtsurkunde, gefundenen Fotos von Lynchmorden und anderen persönlich resonanten Dokumenten als Grundlage für minimale Gemälde zu verwenden. Er hatte Farbfotokopien der Papiere in 10-Zoll-Quadrate geschnitten, die Quadrate wie Kacheln ausgelegt und jedes mit einem Ölstiftgitter bedeckt.
Binion ließ diese Arbeit größtenteils ins Konzeptuelle kippen. Er verwendete düstere Farben, die nicht von der berauschenden Idee ablenkten, das Persönliche mit dem Universellen zu verbinden, seine Identität an einer Galeriewand zu unterstreichen, auch wenn sie sie durchdrückte. Aber die neun großen Gemälde von „Modern: Ancient: Brown“ – eines der letzten seiner „DNA-Serie“, die er nach mehr als 250 Gemälden und Drucken im Jahr 2020 für beendet erklärte – verwenden Farben mit glorreicher Hingabe. Primär- und Sekundärfarben schimmern wie Lichterketten über ein erweitertes Adressbuch. Auf den Gemälden, die einen relativ dunklen, sich wiederholenden Kopfschuss verwenden, oder Binions Geburtsurkunde in Weiß auf Schwarz gedruckt, sinken die gleichen Farben, aber sie verblassen nicht. Zwei schwarz-auf-schwarze Stücke hingegen bringen Konzept und Praxis auf gleiche Höhe – sie sind gleichermaßen fesselnd zum Anschauen oder Nachdenken.
WIRD HEINRICH