Dorothy Dehner
„Eine Zukunft, die wir zu spüren beginnen“
Bis 11. September. Rosenberg & Co., 19 East 66th Street, Manhattan, (212) 202-3270, rosenbergco.com.
Diese betörende Einzelausstellung von vier Skulpturen und neun Arbeiten auf Papier der Künstlerin Dorothy Dehner (1901-1994) wird durch eine faszinierende, wenn auch stückchenweise Gruppenausstellung mit dem Titel „A Future We Begin to Feel: Women Artists 1921-1971“ kontextualisiert.
Als aktive Künstlerin seit 1925 begann Dehner ihre Arbeiten erst 1950 zu zeigen, nach dem Ende ihrer 23-jährigen Ehe mit dem Bildhauer David Smith, der keinen Bedarf für einen weiteren Bildhauer in der Familie sah. Die Holzarbeiten sind die Hauptattraktion; Mitte der 1970er Jahre entstanden, nicken sie Brancusi und Giacometti zu, behalten aber ihre Individualität bei. Noch besser ist eine kleine bronzene Schönheit mit dem Titel „Garden at Night“, die eine Leichtigkeit hat, die Smith selten erreichte auf der Seite zu Konstellationen verschmelzen.
Die Gruppenausstellung „A Future“ präsentiert Gemälde, Collagen und Aquarelle überwiegend aus den 1950er und 60er Jahren von 22 Künstlern (einschließlich Dehner). Die meisten wurden um 1900 geboren und arbeiteten abstrakt in den Vereinigten Staaten. Ein interessanter Ausreißer ist die russische Konstruktivistin Natalia Goncharova (1881-1962), deren Dorfszene um 1950 eine abgemilderte Version des Schnittstils des Rayonismus, einer russischen Form des Kubofuturismus, zeigt. Eine weitere Überraschung ist das Werk der türkischen Künstlerin Fahrelnissa Zeid (1901-91): abstrakte Malerei auf Papier, deren leuchtende Farben durch Netze aus schwarzen, mit Tusche gezeichneten Linien spähen. Hier gibt es viel zu sehen, darunter uncharakteristische Werke von Alma Thomas, Charlotte Park, Sonja Sekula, Esphyr Slobodkina und Eileen Agars’ elegante Verschmelzung von Surrealismus und Geometrie. Diese beiden Shows passen gut zusammen: Die Dehner-Werke erinnern uns daran, dass jedes Stück in der Gruppenausstellung eine Karriere darstellt, die eine größere Sichtbarkeit verdient. (Rosenberg & Co. bleibt vom 28.08. bis 07.09. geschlossen)
ROBERTA SMITH
‘Spieglein Spieglein’
Bis 27. August. Nathalie Karg Gallery, 291 Grand Street, 4. Stock, Manhattan; (212) 563-7821, nathaliekarg.com.
Verbringen Sie heutzutage genug Zeit in sozialen Medien und fotografische Selbstporträts können banal erscheinen. Die Gruppenausstellung „Mirror, Mirror“ ist eine Widerlegung und Mahnung, dass dies eine fruchtbare, faszinierende Kunstform bleibt.
Nehmen Sie zum Beispiel „Guise Like Me“ (2021) des Künstlers Tommy Kha. Auf dem größten von drei Bildern liegt etwas, das wie ein Ausschnitt von Kha aussieht, mit dem Rücken zur Kamera und hält eine Maske seines Gesichts. Auf einem kleineren Foto taucht das Gesicht über der Schulter von Khas Mutter wieder auf, die von einem alten Bild von sich heimgesucht zu werden scheint. Kha nutzt spielerische Kunstgriffe, um zu einer emotionalen Wahrheit zu gelangen: der gebrochenen Schichtung der Identität.
Ilona Szwarc verfolgt einen ähnlichen Ansatz mit Bildern, die zeigen, wie sich ihr Doppelgänger in eine werwolfartige Kreatur verwandelt. Die Frau erscheint in farbenfrohen, üppigen Umgebungen, und es ist unklar, ob sie die Verwandlung einleitet oder ob sie ihr widerfährt. In „She was unsexed as a doll“ (2019) stellt der Ausdruck der Frau eine Art Herausforderung dar: Ist das ein Albtraum oder ein Märchen?
Die Fotografien von Paul Mpagi Sepuya sind echter, aber nicht geradliniger. Er fängt sich und Freunde im Studio ein, oft nackt und ineinander verschlungen, mit Gesichtern, die von Kameras verdeckt oder verdeckt werden. Es gibt einen Push-Pull zwischen Lässigkeit und Formalität, dem, was versteckt und gezeigt wird – eine Spannung, die auch Whitney Hubbs anzustreben scheint, obwohl in den beiden Stücken hier ihre konzeptionelle Grundlage fehlt.
Was diese Werke so auffallend macht, ist, dass sie sowohl zurückhalten als auch enthüllen. Sie bestreiten die oft mit Fotografie (und Selfies) verbundene Lesbarkeit und bieten stattdessen geschickt inszenierte Rätsel.
JILLIAN STEINHAUER
Markus Lüpertz
Bis zum 11. September. Michael Werner, 4 East 77th Street, Manhattan, (212) 988-1623, michaelwerner.com.
Schwere, grüblerische Landschaften breiten sich in den 13 jüngsten Gemälden von Markus Lüpertz in der Upper East Side Gallery von Michael Werner aus. Der Bezug zur europäischen Kunst und Geschichte und Literatur ist offenkundig: Seine wackeligen Bäume, der beschmierte Himmel und das unnatürliche Licht sind eine Hommage an die postimpressionistische Kunstbewegung in Frankreich. Die Stimmung der Gemälde erinnert an das Oeuvre von Paul Gauguin – insbesondere an seine Arbeit in Tahiti, die Lüpertz besonders auffällig macht, indem er eine wiederkehrende weibliche Figur ähnlich der in Gauguins Gestik einbezieht; Auch in anderen Lüpertz-Werken wie „Nymphe Märkisch“, „Idylle“ und „Fisher und Nymphe“ ist sie präsent, immer mit dem Rücken zum Betrachter. Mythologische Figuren aus griechischen Sagen wie Jason tauchen auch in Gemälden wie „Jasons Abschied“ auf.
Doch Lüpertz biegt nach der Tributzahlung schnell auf seinen eigenen Weg ab. Anders als Gauguin, der mit leuchtenden, lebendigen Farben arbeitete, die eine manchmal problematische Exotik evozieren, verwendet Lüpertz dunkle und gewichtige Farben, die Sehnsucht suggerieren. In Gauguin legt er die glatte Haut ab und umarmt für die Menschen in seinen Bildern eine felsige, blockartige Körperstruktur, als wären es Skulpturen, die die Landschaft unterbrechen.
Die Hand des mittlerweile 80-jährigen Lüpertz ist definitiv stark, durchtrainiert und erfahren – er transportiert seine Einflüsse gekonnt in seine eigene ausgeformte Landschaft, sein eigenes Universum. Man fragt sich: In welcher Atmosphäre hat dieser Maler gearbeitet? Hat seine Arbeit als Bildhauer seine Wahl dieser fetten Striche und dicken Tupfer bei der Erschaffung von Menschen mit steinigem Fleisch beeinflusst? Warum ist es in all den Bildern Abend?
2010 zeigte Lüpertz in dieser Galerie „Pastoral Thoughts“ mit Themen wie Geschichte, Abstraktion und seinen charakteristischen Landschaftsmotiven. Jahrzehnte später, in „Recent Paintings“, legt er die Abstraktion ab, bewegt sich aber weiter in die Geschichte. Es ist, als würde er rückwärts träumen – wenn auch jetzt klarer, und neigt sich wieder dem Gefühl zu, am Anfang dort zu sein, im Garten Eden.
YINKA ELUJOBA