Auch der britische Regisseur Terence Davies, dessen Filme Stil und Emotion exquisit und einfallsreich verbinden, gehört zu den großen filmischen Autobiographen. Sein dritter Spielfilm, „The Neon Bible“ von 1995 (der jetzt kostenlos auf Tubi und Pluto gestreamt wird), ist eine abgelenkte Autobiografie – eine Adaption eines Romans des Teenagers John Kennedy Toole, der die Geschichte des Geburt der ästhetischen Sensibilität eines einsamen, unruhigen Jungen. Es ist der erste von Davies’ mächtiger Reihe von ausdrücklich literarischen Features. Dazu gehören „The House of Mirth“, einfach eine der besten amerikanischen Literaturadaptionen, die jemals gedreht wurden (und nicht zum Streamen verfügbar ist – behalten Sie Ihre DVDs), „A Quiet Passion“ und sein neuer Film „Benediction“ a Bio-Pic des Dichters Siegfried Sassoon, das diese Woche beim Toronto Film Festival uraufgeführt wurde und nächstes Jahr in den USA erscheinen soll. Auch „The Neon Bible“ ist – wie alle Features von Davies – ein Musical, persönlicher und origineller Art. Davies hat gesagt, dass die Kunst, der Filme am ähnlichsten sind, Musik ist. (Ich stimme zu.) Er hat von der Erweckung seiner eigenen Sensibilität durch den Gesang gesprochen (und übrigens autobiographisch gefilmt) – den häuslichen, beiläufigen Gesang der Frauen –, der das tägliche Leben während seiner Kindheit, in Liverpool, sowie durch die Hollywood-Musicals, die seither seine Inspirationen sind. „The Neon Bible“ erzählt die Geschichte eines professionellen Sängers, der in einer Kleinstadt im Süden in das enge Leben eines Jungen eindringt. Die Sängerin wird von einer der größten aller Schauspielerinnen, Gena Rowlands, porträtiert, die den Film mit Leidenschaft und Stil übernimmt, ebenso wie ihr Charakter das Leben des Jungen.
„The Neon Bible“ ist ein Erinnerungsfilm. Es ist komplett als Rückblende aus dem desolaten Nachtzug gebaut, in dem der heranwachsende David (Jacob Tierney), der alle fünfzehn oder sechzehn Jahre alt ist, aus seiner Heimatstadt flieht und sich an die Ereignisse erinnert, die zu seiner verzweifelten Flucht führten. (Seine tiefe Stimmung wird von einem Glenn Miller Deep Cut begleitet, dem chromatischen und melodramatischen „Perfidia“.) Die Handlung spielt in den vierziger Jahren, vom Beginn des Jahrzehnts bis zum Ende des Zweiten Weltkriegs; es beginnt mit den Kindheitserinnerungen des Teenagers (der junge David wird von Drake Bell gespielt), als seine Tante Mae (Rowlands) bei ihm, seiner Mutter Sarah (Diana Scarwid) und seinem Vater Frank (Denis Leary) einzieht. in ihrem beengten und kämpfenden, eintönigen und von Depressionen gestressten Haushalt. Mae ist von Anfang an eine Außenseiterin für ihre freigeistige Art und die Freiheit, mit der sie diese zur Schau stellt. Die Gemeinde ist inbrünstig, konservativ religiös, und Sarah macht ihr schon bei ihrer Ankunft Vorwürfe wegen der leuchtenden Farben und des engen Schnitts ihrer Kleidung. Frank will sie rauswerfen, aber Sarah – in Davids Hörweite – sagt, dass Mae nirgendwo anders hingehen kann. Mae selbst kommt mit der bittersüßen Last der Erinnerung an – ihre Karriere als Sängerin bei lokalen Bands (ihr krönender Abschluss war Biloxi zu spielen) ist ins Stocken geraten und sie ist arbeitslos, mittellos und mittellos. Was ihr geblieben ist, sind ihre Presseausschnitte (die sie David vorliest wie ein Märchenbuch einer fernen, glorreichen Legende) und ihre Erinnerungen – die Davies mit schmerzlicher Romantik filmt, in einer einzigen umherziehenden Aufnahme, die von der kahlen Veranda der Familie auf die halkyonische Bühne schwebt Licht, in dem sie „How Long Has This Been Going On?“ performt. mit einer Jazzband und zurück zu ihrer aktuellen, müßigen Melancholie.
David wird gemobbt und baut eine tiefe Bindung zu Mae auf, die ihn weiter von seinen Schulkameraden entfremdet. Mae fordert ihn auf, sich die Haare zu waschen; Sie nimmt ihn mit, wie er durch die Stadt schlendert, und nennt ihn flotten Franchot Tone (ein Star der Zeit) und sich selbst Jean Harlow. Das Traumleben des jungen David ist schnell zerstört: In der Nähe des Hauses herrscht Geschrei, und Frank trägt David auf dem Rücken, um den Tumult zu beobachten, der sich als Lynchmord entpuppt, den die Nachbarn, natürlich alle weiß, als festliches Ereignis behandeln. Es ist wieder erschüttert: Während er über Geld streitet, schlägt Frank Sarah brutal, sodass Mae sich um sie kümmert und David um ihr Leben fürchten muss. Mit diesen beiden Ereignissen geht David – auf der Leinwand, mit einem ebenso einfachen wie gewagten Spezialeffekt – aus der Kindheit und wird zu einer vorzeitigen Reife gezwungen, einem offenen Erkennen der vorliegenden Monstrosität und der erschreckenden Dringlichkeit, sich ihr zu stellen. Er wird jetzt auch Maes Vertrauter, und sie nimmt ihn von den Visionen ihres früheren Ruhms ab und kontrastiert ihre Liebe zum Auftritt mit den Erniedrigungen des Berufs des Wandermusikers und des damit verbundenen rücksichtslosen, schmerzerfüllten Liebeslebens. (Rowlands spielt Mae mit ihren eigenen einzigartigen Energien – weise für die Welt, aber hoffnungsvoll und impulsiv, belastet von der Vergangenheit, aber taumelnd vor sich hin.) David wird sich sowohl Mae als auch seiner Mutter als Figuren in einer Tragödie bewusst, in der er nur ein Nebendarsteller ist aber in dem er im Erwachsenenalter als Mann eine Rolle spielen wird, die ihm noch im Dunkeln bleibt.
Dann treten die Vereinigten Staaten in den Zweiten Weltkrieg ein. Frank zieht in den Krieg – und das Eindringen der Geschichte mit einem großen „H“ in das Familienleben erweist sich als verheerend. Davies filmt die bedeutsamen Zeiten mit einem großartigen und gleichzeitig überempfindlichen Stil. Majestätisch choreografierte Reiseaufnahmen zeigen die Männer der Stadt, die zu dem Zug marschieren, der sie in den Krieg entführt; die spontane Aufführung von „Chattanooga Choo Choo“ von Mae, die mit einer anderen Frau tanzt, in einer örtlichen Halle, die zu einem Wiedererwachen von Maes beruflichen Ambitionen und Karriereaussichten führt; Davids Rezitation eines Gedichts (von Longfellow), das ihn mit einer Sensibilität auszeichnet, die ihn, wie er weiß, der Stadt, in der er lebt, völlig fremd macht. Die hektische Predigt bei einem Erweckungstreffen (die Davies mit glühender, rhetorischer Faszination filmt), die rassistischen und fremdenfeindlichen politischen Beschimpfungen im Radio verstärken Davids Fluchtverzweiflung nur. Dennoch bleibt David durch seine Verantwortung gegenüber Sarah, die einen erschütternden Abstieg in eine Geisteskrankheit beginnt, an seine Stadt gebunden. Sein eigenes romantisches Erwachen und emotionale Frustrationen, zusammen mit einem zunehmenden Verantwortungsgefühl und Verwirrung über seinen eigenen Platz in der Welt, treiben zu einer explosiven Lösung, die ihn letztendlich dazu zwingt, in viel zu jungem Alter seinen Weg zu gehen.
Davies filmt diese Erinnerungen an Mühsal und Qual – an Schimmer ästhetischer Freude und weltlicher Verlockung, an romantische Intensität und erotische Qual, an den Kampf um persönliche Freiheit – mit langsam schwebenden Bildern träumerisch choreografierter Action in einem einzigartigen, komplizierten Stil, der sich vermischend Majestät und Intimität, verkörpert die Paradoxien der Geschichte. Davies ist ein schwuler Mann, der in einer frommen katholischen Gemeinde aufgewachsen ist. Nicht weniger als in seinen direkt autobiografischen, Liverpool-basierten Filmen schildert er im amerikanischen Süden Spannungen privater Selbstbestimmung und die Luft der Unterdrückung mit einem hinreißenden Gefühl des Staunens und einer zitternden Verletzlichkeit. Er verwandelt “The Neon Bible” in eine persönliche Geschichte von Ricochet, eine Vision der sowohl entsetzlichen als auch elektrisierenden Realitäten der amerikanischen Kultur, die seine eigene jugendliche Sensibilität verfeinerte und erweiterte – die umgebende Gewalt und verzweifelte Kämpfe, das rohe Überleben edler Impulse , der einsame Geist eigenwilliger Abenteuer, aus dem die Phantasie selbst besteht.
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