Willow Smith wird Pop-Punk | Der New Yorker

Willow Smith verbrachte den größten Teil ihrer Teenagerjahre damit, ihr Geburtsrecht der Berühmtheit zu umgehen und zu einer höheren Berufung zu gelangen. Sie war entschlossen, in ihrer Biografie „Freidenker und Bohème-Musiker“ über „Kind von Will und Jada Pinkett Smith“ zu stellen. „Nimm das Geld, nimm den Ruhm / Alles, was ich will, ist die Wahrheit“, sang sie 2014 auf „8“, bevor sie die Transformation, die sie durchmachte, nannte: „Mein drittes Auge öffnet sich.“

Mit zwanzig macht Willow ihr halbes Leben lang Musik, hauptsächlich um Einsichten in das Göttliche zu suchen oder, wie sie es ausdrückt, um dem Leben auf diesem Planeten zu dienen. Aber die Zusammenarbeit mit ihrem kreativen Partner Tyler Cole an einem gemeinsamen Album namens „The Anxiety“ im Jahr 2020 führte Willow dazu, nach innen zu schauen: Vor der Pandemie schlossen sich die beiden bereitwillig für zwanzig Jahre in einer Kiste im Museum of Contemporary Art in LA ein -vierstündige Performance mit Live- und Online-Zuschauern. Sie verbrachten die meiste Zeit damit, acht Stufen der Angst durchzuspielen – Paranoia, Wut, Traurigkeit, Taubheit, Euphorie, starkes Interesse, Mitgefühl und Akzeptanz – mit der Absicht, das Bewusstsein für psychische Gesundheit zu schärfen. Die Aufführung hatte den Nebeneffekt, dass etwas in Willow wach wurde; Sie sagte Das Gesicht, “Das Größte, was ich seit der Veröffentlichung von ‘The Anxiety’ über mich gelernt habe, ist, dass ich viele tiefsitzende emotionale Probleme habe, die meine Aufmerksamkeit erfordern.”

Willows viertes Soloalbum „lately I feel EVERYTHING“, das im Zuge dieser Erkenntnis entstand, ist ihre am wenigsten spirituellste, aber existenziellste Veröffentlichung. Sie taucht ein in die mitreißenden Klänge von Pop-Punk und Alternative Rock, um mit ihren eigenen Grenzen und denen anderer zu rechnen. Sie ist entschlossen, sich zu befreien. Mit Abstand die beste und sicherste Musik ihrer bisherigen Karriere, ist das Album das erste, das ihre Talente maximiert und die aufgestaute, aufgestaute Angst ihrer Jugend nach außen trägt. „Du musst mir sagen, wann ich naiv bin / weil ich weiß, dass ich es sein kann“, jault sie auf „naiv“, und es klingt oft so, als würde sie ihre einzigartige desorientierende Erfahrung verarbeiten – ein künstlerisches New Age Schwarzes Mädchen und widerstrebender Kinderstar, geboren in Hollywood-Königshäusern – durch den Einsatz eines bewährten Musikstils, der den Aufruhr des jungen und durcheinandergebrachten Seins signalisiert.

Willows Stimme hat einen Biss, während sie durch diese Songs über Abhängigkeit, Unsicherheit und Fortschritt navigiert. Ihre klangliche Entwicklung spiegelt ihre lyrische wider: Beide haben sich von verschwommen und ausdruckslos zu kühn und eindringlich entwickelt. Wenn sie nicht gerade die Entfernung („Come Home“) oder die Zeit („4ever“) in einer Beziehung misst, in den zurückhaltenderen Momenten des Albums, bewertet sie ihr eigenes Verhalten oder räumt direkt auf. Songs wie „Lipstick“ und „Don’t SAVE ME“ brechen zu klagenden Hooks aus, die nach Befreiung von Selbstzweifeln streben. Willow hat zugegeben, dass ein Teil dieser Zweifel mit der Produktion dieser Art von Album entstanden ist. Zu diesem Zweck tritt der Schlagzeuger von Blink-182, Travis Barker, der als Pop-Punk-Botschafter der Gen-Z hervorgegangen ist, auf drei Songs auf, als würde er Willows Referenzen bestätigen. Dieses Kissen ist nicht notwendig. Willow schien noch nie so entspannt und locker zu sein, als sie auf diesen widerspenstigen Riffs reitet.

Dieses Album wurde als Übergang aus dem linken Feld charakterisiert, aber es ist einfach die neueste Entwicklung für einen Künstler, der bereits Alanis Morrisette und Tori Amos gechannelt hat. Willows Musik war bereits zunehmend gitarrenbetonter geworden, aber auf früheren Alben drückte sie sich vor dem Genre und den vorgefertigten Attributen, die mit der Klassifizierung einhergehen. „Ich habe das Gefühl, dass Genre in einigen Fällen hilfreich sein kann, weil es historisch ist“, sagte sie she Alternative Presse. „Insgesamt bin ich dafür, die Kategorien loszuwerden und einfach das zu tun, was man fühlt. Aber manchmal, wenn ich Dinge konzeptualisiere, muss ich jede Art von Genre kennen, auf die ich nicke – zum Beispiel, eine Roadmap zu erstellen, die speziell für mich ist.“ Auf diesem Album bewohnen die Geister der Pop-Punk-Vergangenheit ihre Lieder und vermitteln jahrzehntelange Sehnsucht. Diese Klänge und ihre Geschichte verstärken ihre eigenen Gedanken über abweichende Meinungen.

Willow hinterfragt auch diese Geschichte mit „in letzter Zeit fühle ich ALLES“. Alternative Musik-Subkulturen wie Pop-Punk werden oft überproportional mit Weißheit in Verbindung gebracht, und schwarze Künstler und Fans sind in solchen Räumen mit Intoleranz konfrontiert. Willow hat die Erfahrung ihrer Mutter beim OzzFest 2005 als Ansporn angeführt, sich in diese Richtung zu bewegen, als sie sich mit ihrer Nu-Metal-Band Wicked Wisdom taktvoll gegen Rassisten stellte. Willow schafft nicht nur die generationsübergreifende Abstammung von schwarzen Mutter-und-Tochter-Rockstars, sondern erweitert auch eine Nischenbewegung, die darauf abzielt, Punk und andere Rockgenres zu diversifizieren und die Auslöschung ihrer schwarzen Wurzeln anzugehen. 2003 untersuchte James Spooners Dokumentarfilm „Afro-Punk“ die Entfremdung schwarzer Teilnehmer in diesen Gemeinschaften, und als eine Art Korrektiv entstand später eine Festivalreihe namens Afropunk. Willows Musik hat sich schon immer an ein alternatives Rock-Publikum gerichtet, aber jetzt ist die Affinität nicht nur ausgeprägt, sondern unbestreitbar.

Kompositorisch passt der Punk-Stil zu Willow. Sie ist in diesen Songs zentrierter als je zuvor und weniger mystisch. Ihre Absicht ist eindeutig: Die aufgeladene, kraftvolle Energie des Punks zu nutzen, um einen Überfluss an Emotionen auszudrücken. Ihre frühen Alben, die größtenteils selbst geschrieben und produziert wurden, waren voller Ideen und sie lösten sich in einem Durcheinander von Klängen auf, die oft als “alternativer R. & B” bezeichnet wurden. Tatsächlich umspannte die Musik einen viel größeren Raum zwischen halluzinatorischem Soul und instrumentalem Dream-Pop. Ihr psychedelisches, selbstbetiteltes Album aus dem Jahr 2019 setzte ihr Streben nach persönlicher Erleuchtung mit hauchdünnen Songs fort, die sich in Atmosphäre aufzulösen schienen. Cole, der dieses Album mitproduziert hat, kehrt mit „in letzter Zeit fühle ich ALLES“ zurück, und die beiden haben eine gemeinsame Trittsicherheit. Mit der Punk-Blaupause vor ihnen wissen sie genau, welche Wände sie einschlagen müssen.

Das Durchbrechen von Barrieren ist das Kernziel des Albums, und Willow verbringt genauso viel Zeit damit, sich einen Weg nach vorne auszudenken, wie sie den Spuren ihrer Vorgänger nachgeht. In den letzten Interviews hat sie sich lautstark dafür ausgesprochen, dass sie schwarze Stereotypen vermeidet und eine von weißen Männern dominierte Gitarrenwelt zurückerobert, was ihre endgültige Abkehr vom R. & B.-Label hin zu Pop-Punk noch zielstrebiger erscheinen lässt. R. & B. kann eine rassistische Konnotation haben, die experimentelle schwarze Musiker, auf die der Begriff bedeutungslos angewendet wird, in eine Schublade steckt. Es trägt die Art von Last, die Künstler wie Willow dazu bringt, dem Genre zu trotzen. Als sie am Ende des Albums scharf singt, „¡BREAKOUT!“, über das Verdrängen dessen, was für sie bestimmt ist, ist das Ergebnis eine mutwillige, fast vergnügte Subversion. „Ich will nicht angekettet werden, angekettet / In meinem Kopf“, singt sie und beschreibt den psychischen Tribut, die Erwartungen anderer zu verinnerlichen. Aber „in letzter Zeit fühle ich ALLES“ findet seinen Abschluss einen Track früher, auf „G R O W“ mit Avril Lavigne, wo sie ihre „Wachstumsschmerzen“ übersteht, Optimismus wählt und jeden unterstützt, der mit ähnlicher Verwirrung konfrontiert ist. Das wahre Gegenmittel gegen das Gefühl, alles zu fühlen, ist der Trost zu wissen, dass jemand anderes bereits hat.

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