Es ist nicht alltäglich, dass New Yorker zwischen zwei gleichzeitig stattfindenden Ausstellungen mit Werken von Jean-Michel Basquiat wählen können. „King Pleasure“, ein immersives Erlebnis, entworfen vom Architekten David Adjaye und kuratiert von den Schwestern des Künstlers, Lisane Basquiat und Jeanine Heriveaux, umfasst eine Nachbildung von Jean-Michels Kindheitszimmer und seinem Atelier und kostet 35 US-Dollar Eintritt. „Art and Objecthood“, kuratiert vom Kunsthistoriker Dieter Buchhart bei Nahmad Contemporary, versammelt eine außergewöhnliche Fundgrube von Gemälden, die Basquiat auf Türen, Fenstern und einem Kühlschrank malte.
Obwohl „King Pleasure“ auch eine Reihe von nie zuvor gezeigten Stücken enthält, liegt der Schwerpunkt eindeutig auf dem Leben des Künstlers, daher habe ich mich auf die Nahmad-Show konzentriert, deren spärliche Inszenierung Ihnen eine bessere Chance gibt, sich mit dem Werk auseinanderzusetzen selbst. Aber man sollte seine biografischen Grundlagen im Auge behalten.
Jung und ehrgeizig schoss Basquiat direkt ins Zentrum der New Yorker Kunstwelt, als er kaum ein Teenager war, zeigte mit einigen der einflussreichsten Galeristen des Landes, spukte mit Andy Warhol durch Nachtclubs und produzierte zuvor eine erstaunliche Menge an Kunstwerken starb 1988 im Alter von 27 Jahren an einer Überdosis Heroin. Im Jahr 2017 wurde eines seiner Gemälde für mehr als 110 Millionen Dollar verkauft, der höchste Preis, der jemals auf einer Auktion für ein Werk eines amerikanischen Künstlers gezahlt wurde.
Er war auch der in Brooklyn geborene Sohn eines haitianischen Vaters und einer Boricua-Mutter, und obwohl seine Familie nicht arm war, verbrachte er einige magere Jahre alleine, bevor er anfing, Arbeit zu verkaufen. Als er künstlerisch groß herauskam, war er dort eines der wenigen schwarzen Gesichter – und Rassen- und Klassenfragen, kompliziert durch seine eigene extreme Erfahrung, sind überall in seiner Arbeit.
Materialien
Wie die meisten Künstler zeichnete Basquiat als Kind und kopierte bekanntermaßen anatomische Zeichnungen aus „Gray’s Anatomy“.” während er sich von einem Autounfall erholt. Sein erster wirklicher Ausflug in die Kunstwelt der Erwachsenen war jedoch das Graffiti-Tag SAMO, das er und sein Highschool-Freund Al Diaz in SoHo und der School of Visual Arts aufstellten. Bevor er mit der Leinwand fortfuhr, verwendete Basquiat „gefundene Materialien“ wie weggeworfene Pappe und Papier oder Bauschutt. Zum Teil war dies aus der Not geboren – Leinwand kostet Geld, während in Downtown Manhattan in den 1970er Jahren zerbrochene Fenster zum Mitnehmen da waren.
Aber Basquiats Verwendung gefundener Materialien war auch, wie die bemalten Fenster, Türen und Holzzäune in „Art and Objecthood“ deutlich machen, eine gewagte künstlerische Strategie, die selbst seine konventionelleren Bemühungen widerspiegelte. Anders als Readymades, die Manufakturwaren, die Marcel Duchamp in den frühen Jahren des 20. Jahrhunderts als Kunst ausstellte, sind Basquiats Fundstücke nicht gerade Skulpturen. Sie sind Oberflächen, auf denen er malen kann. Da sie aber auch eigenständig erkennbare Objekte sind, haben sie eine betörende Mehrdeutigkeit. Man kann „Untitled (Refrigerator)“ (1981) nicht ganz als nur sehen ein Gerät, oder nur eine Oberfläche zum Zeichnen – je länger man hinschaut, desto mehr scheint es zwischen beiden Kategorien zu schwanken. Und sobald Sie auf diese Art von Zweideutigkeit vorbereitet sind, sehen Sie sie überall. In einem anderen Kontext könnte „Multiflavors“ (1982), eine königsblaue Leinwand auf freigelegten Holzkeilrahmen, wie ein Gemälde aussehen. Auch hier ist es ein sehr eigenartiges Objekt.
Ikonographie
Basquiat verbrachte nicht viel Zeit damit, Graffiti zu schreiben, aber er verwendete ihre Techniken während seiner gesamten Karriere. Das reduzierte Repertoire des Graffiti-Writers an leicht erkennbaren Zeichen kann an einer Galeriewand genauso effektiv sein wie an einer Gebäudeseite, und einer seiner Favoriten – eine einfache, ikonenhafte Krone – zeigt sich auf dem erstes Stück in „Art and Objecthood“, eine weiße Holzschranktür mit dem Titel „Minor Success“ (1980). Darunter ein gesichtsloses Gesicht und ein karikaturhafter Sportwagen.
„Wenn Sie 10 Leute nach der Krone fragen“, sagt Kurator Buchhart, „sagen sie Ihnen 10 verschiedene Bedeutungen.“ Er zitiert weiter Basquiats oft zitierte Bemerkung, dass seine künstlerischen Themen – Musiker, Sportler, Künstler – „Könige, Heldentum und die Straßen“ waren, und die Art und Weise, wie die Krone dazu dient, Bilder oder Werke hervorzuheben, die für den Künstler besonders sind.
Im Wesentlichen beansprucht die Krone jedoch einen figurativen königlichen Mantel für den Künstler selbst, für die Figur, die er darstellt, oder für beides – Basquiats Gesichter und Körper werden oft zumindest teilweise als Selbstporträts gelesen. Aber es ist auch nuancierter als das, besonders wenn es von einem jungen schwarzen Künstler verwendet wird, der fest entschlossen ist, sich selbst zu einer Berühmtheit zu machen. Man muss sich fragen, welcher soziale Kontext es erforderte, dass er so pointierte Würdebehauptungen machte. Ist es eines, in dem schwarze Gesichter darum kämpfen, als Individuen anerkannt zu werden? Oder einen Status, der sich aus dem Besitz materieller Objekte wie eines schicken Autos ergibt?
Schreiben/Zeichnen
Ein weiterer Aspekt von Graffiti, an dem Basquiat festhielt, war die Verwendung von Schrift für visuelle Effekte. In vielen früheren Collagen und Arbeiten auf Papier füllt eine Flut von Großbuchstaben jeden verfügbaren Quadratzentimeter. Aber Sie können nicht von Anfang bis Ende lesen und erwarten, ein Argument zu finden. Was Sie stattdessen erhalten, ist eine Wolke loser Assoziationen, die in der Art, wie Sie es lesen, einem Bild ähnlicher sind als gewöhnlicher Prosa oder sogar Poesie.
Diese Qualität wird durch die Art und Weise verstärkt, wie Basquiat Zeichnen und Schreiben miteinander vermischt. Wenn Sie auf „Multiflavors“ zurückblicken, werden Sie feststellen, dass es eine dreizackige gelbe Krone in der Mitte und eine Wolke aus roten und gelben Kreisen auf einer Seite hat, und dass die weiße, gelbe und rosa Schrift über Blöcke angeordnet ist aus Schwarz und Blau, bildet eine markante Komposition. Wenn Sie es lesen, finden Sie eine Reihe von Hinweisen auf Anzeigen oder Restaurantschilder, Sätze wie „billiges Essen“ und „HACKED CHICKEN WITH MULTIFLAVOURS“. Ob es Satire oder Poesie, wütend oder überschwänglich oder lustig ist, kann man nicht genau sagen. Aber es könnten fast alle sein.
Komposition
Eine Sache, die insbesondere in „Art and Objecthood“ leichter zu erkennen ist als in der überwältigenden visuellen Kakophonie von „King Pleasure“, ist, wie konservativ Basquiat die Elemente seiner Gemälde organisiert hat. Die schiere Fülle von Markierungen kann irreführend sein, aber wenn Sie beispielsweise die Kratzer und Kritzeleien von „Minor Success“ erkennen, die eher eine Textur als so viele einzelne Informationen liefern, werden Sie sehen, dass die Anordnung von Krone und Gesicht und Auto könnte nicht einfacher sein. Ein gedrungener kleiner Kühlschrank ist mit einer Reihe von Buchstaben und einem Gesicht in „Untitled (Refrigerator)“ geschmückt, aber sie enden kurz vor dem Griff und lassen den größtenteils leeren unteren Teil ihre Wirkung ausgleichen. Und selbst wenn wirklich jede Markierung das gleiche Gewicht hat, wie bei einer aufwendig bemalten gelben Tür, behält Basquiat sorgfältige Kontrolle über Form und Farbe, um einen Gesamteffekt von Harmonie und Stabilität zu schaffen, der die hektische Energie seiner Linien ausgleicht.
Linie
Das beeindruckendste Stück in „Art and Objecthood“ ist vielleicht ein Gemälde ohne Titel aus dem Jahr 1982 – dem Jahr, in dem der Künstler selbst behauptete, „die besten Gemälde aller Zeiten gemacht“ zu haben. Es ist in Acryl und Emaille auf einer Packdecke ausgeführt, die auf freiliegenden Holzkeilrahmen montiert ist, und zeigt ein schwarzes Gesicht mit weißen Zügen und einen blutroten Schädel, der mit kleinen schwarzen Strichen wie Wassermelonenkernen markiert ist.
Es ist ein sengendes Porträt des psychischen Tributs des Rassismus: Selbst wenn Beleidigungen und beleidigende Ausdrucksformen ihn blutig und entblößt zurücklassen, trägt die Figur einen „weißen“ Ausdruck, um sich zurechtzufinden. Es ist auch eine weitere stattliche Komposition, die eine dichte Figur auf der einen Seite mit leerem Raum auf der anderen Seite balanciert und beide zur Betonung unterstreicht. Und es ist so gut wie jeder andere Ort, um das vielleicht markanteste Merkmal von Basquiats Werk zu studieren – seine Linie.
Die Linie, die diesen Schädel beschreibt, zittert wie jemand, der nackt in einem Schneesturm ist. Es macht einen Bruch im Kiefer, ungleichmäßige Augenbrauen, eine Beule auf der Schädelkrone. Es lässt nichts unklar; Die Zeichnung ist so einfach zu lesen wie ein geometrisches Diagramm. Aber dieses Wackeln überträgt zusätzliche Informationen. Es verleiht der Figur eine besondere Intensität, lässt die Augen zusammenkneifen und die Zähne knirschen, und es verleiht dem Kunstwerk als Ganzes eine ähnliche Intensität und erinnert an die Spannung und Energie, die in seiner Entstehung geflossen sein müssen. Gleichzeitig vermittelt es Ihnen, lebendiger als jede bloße Biografie, ein Gefühl für die Persönlichkeit des Mannes, der es gezeichnet hat – manisch und melancholisch, elektrisierend, glühend.
Jean-Michel Basquiat: Kunst und Objekthaftigkeit
Bis zum 11. Juni, Nahmad Contemporary, 980 Madison Avenue, dritte Etage, 646-449-9118; nahmadcontemporary.com.