Beau, das verwirrte Midlife-Wrack, gespielt von Joaquin Phoenix in „Beau Is Afraid“, hat nicht nur Angst, er wird terrorisiert: schikaniert, geschlagen, erstochen und sogar entführt in einer surrealen schwarzen Komödie, die sich oft weniger wie ein konventioneller Film anfühlt als ein dreistündige Panikattacke. (Betrachten Sie das in den Händen des ängstlichen Autors Ari Aster, der durch „Hereditary“ und „Midsommar“ berühmt wurde, als Kompliment.)
Dank seiner monströsen Mutter ist er zu einem Mann geworden, der sich mit einem Leben ohne Liebe oder Gesellschaft abgefunden hat. Dann, tief im Film, kommt eine Atempause – eine späte Chance auf eine Romanze mit seinem Schwarm aus Kindertagen (Parker Posey), der Soundtrack ist unpassend zu den trällernden Klängen von Mariah Careys Erfolgsballade von 1995 „Always Be My Baby“. Von da an laufen die Dinge obszön, katastrophal schief, wie sie es bei Beau gewohnt sind, aber der Song spielt weiter.
Als die Szene diesen Monat bei einer Vorpremiere im Metrograph Theatre in Manhattan gezeigt wurde, keuchte ein voller Saal voller Brancheninsider, Presse und Prominenter, darunter Phoenix und der Schauspieler Robert Pattinson, gemeinsam vor Anerkennung und jubelte dann. Wie genau ist die Königin des Fünf-Oktaven-Pop gelandet? Hier? Es stellt sich heraus, dass es für Aster nie eine zweite Wahl gab.
„Ari hatte vor über 10 Jahren einen ersten Entwurf des Drehbuchs geschrieben, und ‚Always Be My Baby‘ war von Anfang an dabei“, sagte sein Produktionspartner Lars Knudsen, der auch häufig mit Filmemachern wie Robert Eggers zusammenarbeitet („ The Northman“) und Mike Mills („Beginners“). „Ich wusste ehrlich gesagt nicht, wie wichtig und wichtig es für ihn war, diesen Song zu haben, bis wir in der Bearbeitung waren, aber wir wussten, dass es sehr teuer werden würde und dass Mariah es möglicherweise nicht genehmigen würde. Es gab ein Gefühl wie: ‚Schauen Sie, wir werden es versuchen, aber wir werden es uns wahrscheinlich nicht leisten können.’“
Trotzdem schrieb Aster einen, wie Knudsen es nannte, „sehr schön geschriebenen Brief“ an den Sänger und plädierte für seinen Fall; unwahrscheinlich, sie sagte ja. Als sie die Anfrage zum ersten Mal erhielt, sagte Carey per E-Mail: „Ich war ziemlich fasziniert. Als ich mir dann die Szene ansah, war ich zunächst etwas geschockt wegen meiner prüden Art (ha!), verstand aber sofort die Bedeutung dieses besonderen Moments.“
Sie fuhr fort: „Ich bin wirklich glücklich darüber, wie die Leute darauf reagieren, und begeistert, dass Ari für sein Talent, seine Kreativität und seine künstlerische Vision anerkannt wird.“
(Einige Tage nach der Metrograph-Vorführung entzündete Carey kurz das Internet, als sie bei der offiziellen New Yorker Premiere des Films neben Posey und Aster strahlend auf dem roten Teppich erschien, strahlend in schwarzem Leder.)
„Beau“ ist vielleicht das prominenteste aktuelle Beispiel für Indie-Filme – von denen viele aus dem Tastemaking-Studio A24 zu stammen scheinen – die ihre kühnsten Hoffnungen darauf setzen, die Rechte an einem sofort erkennbaren und oft furchtbar teuren Popsong zu ergattern. Wenn das Paar gut läuft, kann es ein zeitgeistiger Segen für die Art von Projekten sein, die mehr auf Mundpropaganda als auf Marketing angewiesen sind (zusätzlich natürlich zur Erfüllung der hochspezifischen Vision ihrer Schöpfer).
Denken Sie an die elastische Boyband-Hymne „Bye Bye Bye“ von ‘N Sync, die in „Red Rocket“, dem Festival-Hit von Autor und Regisseur Sean Baker („The Florida Project“) von 2021, über einen abgewrackten Pornostar an prominenter Stelle zu finden ist. oder Paris Hiltons federleichter Bop „Stars Are Blind“, der einen seltenen Moment der Leichtigkeit im düsteren Bonbon-Noir von Emerald Fennells 2020 „Promising Young Woman“ bietet.
Ein Film wie „Guardians of the Galaxy“ hat Marvel Studios, um seine umfassende Nutzung von Hits unter anderem von David Bowie, den Jackson 5 und Marvin Gaye zu untermauern. (Der Regisseur der Franchise, James Gunn, sagte einmal, er habe „eine Million Dollar“ für einen einzigen Song bezahlt.) Für kleine unabhängige Projekte wie „Aftersun“, das verträumte, elliptische Vater-Tochter-Drama von der erstmaligen Regisseurin Charlotte Wells, ein Track wie die Hymne „Under Pressure“ von Queen und Bowie – die in einer Höhepunktszene mit erschütternder Wirkung verwendet wird – kann leicht das gesamte Budget verschlingen.
Hier kommen oft sehr persönliche Appelle an den Künstler oder Nachlass mit den Rechten an dem Song – und nicht wenig Zufall – ins Spiel. Für „American Honey“ (2016), einen sexuell freimütigen Verité-Roadtrip mit weitgehend unbekannter Besetzung, blieb der britischen Regisseurin Andrea Arnold nichts anderes übrig, als nachträglich die Erlaubnis einzuholen oder den Film komplett umzuschneiden; Tracks wie „We Found Love“ von Rihanna und Calvin Harris wurden nicht überlagert, sondern mit bereits gedrehten Szenen verwoben.
In diesem Fall, sagte Knudsen, der auch „Honey“ produzierte, waren beide Künstler von dem Material so bewegt, dass sie nicht nur ihre Erlaubnis gaben, sondern auch eine Art Rabatt für Freunde und Familie gewährten: „Wenn es von einem gemacht worden wäre größeres Studio, dann müssten wir natürlich den vollen Preis zahlen“, sagte er. „Aber weil wir einen unter fünf Millionen Dollar teuren Film mit einem angesehenen Regisseur hatten, der versuchte, diese sehr persönliche Geschichte zu erzählen, in der dieser Song im Mittelpunkt stand, denke ich, dass es definitiv geholfen hat.“
Unter den richtigen Umständen können weniger erwartete Kooperationen wie diese natürlich auch den Musikern sehr dienen, selbst wenn sie ihre Gagen reduzieren – eine Rückkopplungsschleife von Indie-Credential und Mainstream-Appeal, die beiden Parteien neue Relevanz verleiht.
„Wenn Sie überzeugend argumentieren, verstehen die Verlage und die Künstler“, sagte Knudsen. „Ich meine, ‚American Honey’ spielte im Wettbewerb in Cannes, und A24 veröffentlichte es. Wenn es keine gleitende Skala gäbe, könnte kein unabhängiger Film einen dieser Songs in seinen Filmen haben.“
Für Regisseure wie Arnold oder Aster werden diese Szenen zu Markenzeichen. Und für eine bestimmte Art von Cinephilen „werden diese Songs einfach einen ganz anderen Platz in ihren Herzen haben. Das ist also gut für alle, oder?“
Kleiner Indie, großer Song
“Nach Sonne”: Der Klassiker „Under Pressure“ von David Bowie und Queen untermauert den emotionalen Höhepunkt dieses impressionistischen Dramas aus dem Jahr 2022, das Paul Mescal eine Oscar-Nominierung als bester Schauspieler einbrachte.
„Rote Rakete“: ‘N Syncs Hit „Bye Bye Bye“ aus dem Jahr 2000 ergänzt diesen schäbigen Film aus dem Jahr 2021, eine Charakterstudie eines verschwenderischen Pornostars (Simon Rex), der zu seinen texanischen Wurzeln zurückkehrt.
„Vielversprechende junge Frau“: „Stars Are Blind“ von Paris Hilton bietet in dieser hochstilisierten neofeministischen Rachegeschichte aus dem Jahr 2020 einen seltenen Moment der Verbindung zwischen zwei beschädigten Charakteren.
„Amerikanischer Honig“: Der Knaller „We Found Love“ von Rihanna und Calvin Harris wird in diesem Roadmovie von 2016 zu einer Art zentralem Thema für zerstrittene Liebende, gespielt von Sasha Lane und Shia LaBeouf.
“Frühjahr Leistungsschalter”: Britney Spears’ tränenreiche Ballade „Everytime“ aus dem Jahr 2003 spielt in dieser nihilistischen Komödie aus dem Jahr 2013, in der eine Mädchenbande in rosafarbenen Sturmhauben auf eine Verbrechenstour geht, angeführt von einem wahnsinnigen James Franco.