Ich habe große Hoffnungen auf die Veröffentlichung von „Ant-Man and the Wasp: Quantumania“ an diesem Freitag, denn sein Regisseur, Peyton Reed, hat bei einem der fantasievollsten Superheldenfilme der letzten Zeit, dem ersten „Ant-Man“-Film, Regie geführt 2015. So unverwechselbar dieser großvolumige, auf das Studio zugeschnittene Franchise-Film auch ist, er hält kaum eine Kerze in Bezug auf Inspiration oder thematische Tiefe für einige der Filme, die er früher in seiner Karriere gedreht hat. Seine ersten drei Spielfilme gehören zu den sprunghaftesten Spritzern aus den Startlöchern eines Hollywood-Regisseurs jener Zeit.
Reed war bereits ein junger Fernseh- und Musikvideoveteran, als er seinen ersten Spielfilm „Bring It On“ drehte, der im Jahr 2000 veröffentlicht wurde, ein sofortiger Klassiker des Highschool-Cheerleadings. Es verdankt viel dem Drehbuch von Jessica Bendinger, das die Grausamkeit des jugendlichen Wettbewerbs und die düstere Allgegenwart kultureller Aneignung hervorhebt, auf der die Erfolge der Mainstream-Kultur (dh der überwiegend weißen) basieren. Aber Reed fügt ein scharfes Gespür für Stil und einen äußerst ausgewogenen Ton hinzu, der von Melodram gefärbt ist und die Bandbreite und Tiefe seiner prominentesten jungen Schauspieler, Kirsten Dunst und Gabrielle Union, demonstriert.
Doch es gibt wenig in „Bring It On“, das die kontrollierte Explosion umfassender kreativer Energie in Reeds zweitem Spielfilm „Down With Love“ von 2003 erahnen lässt. Es steht als Meilenstein des filmischen Stils – und der Substanz, die diesem Stil innewohnt . „Down with Love“ ist ein Film im billigsten Genre, nämlich Parodie – es ist eine Pastiche der Töne und Elemente von drei Doris Day/Rock Hudson-Komödien der späten fünfziger und frühen sechziger Jahre, aber es ist auch eine Verbesserung ihnen. (Unnötig zu sagen, dass das eine seltene Leistung ist.) Die Originale wurden von erfahrenen, aber unoriginellen Regisseuren inszeniert, die ihre Stars ins Rampenlicht rückten und die Komödie hell und breit hielten. In „Down with Love“ macht Reed einen Retro-Live-Action-Cartoon, der den Geist und die Ideen des größten Hollywood-Comedy-Regisseurs der Day/Hudson-Ära, Frank Tashlin, widerspiegelt, mit haarsträubender physischer Komödie, übertriebener Stilisierung und skurriler Kameraführung , und ein Blick auf die transformative Kraft der Massenmedien.
Renée Zellweger spielt eine Autorin namens Barbara Novak, deren Buch – ebenfalls mit dem Titel „Nieder mit der Liebe“ – ein mehrstufiges Programm anbietet, um Frauen von den einseitigen Anforderungen romantischer Beziehungen mit Männern zu befreien. Ihr Programm bereitet Frauen darauf vor, in den Arbeitsmarkt einzusteigen und finanziell unabhängig zu werden und sexuelle Beziehungen ausschließlich zum Vergnügen zu pflegen, losgelöst von emotionalen Bindungen, streng „à la carte“. Ihre Geschichte ist Teil des Verkaufsarguments – Erstautorin außerhalb der Verlagswelt, Bibliothekarin aus einer Kleinstadt in Maine – und ihre Lektorin Vikki Hiller (Sarah Paulson) versucht, einen Werbecoup zu landen: eine Titelgeschichte in das führende Männermagazin, Wissenvon seinem führenden investigativen Journalisten, einem großen britischen Emigranten-Swinger im Stil von 007 namens Catcher Block (Ewan McGregor), „Damenmann, Männermann, Mann in der Stadt“.
Aber mit seinem vollen soziosexuellen Terminkalender findet Catcher keine Zeit für Barbara. Stattdessen landet Vikki einen noch größeren Coup – indem er Judy Garland dazu bringt, „Down with Love“ (ein echtes Lied von Harold Arlen und EY Harburg, aus dem Jahr 1937) in „The Ed Sullivan Show“ zu singen – was das Buch zu einem Best- Verkäufer und macht Barbara zu einer Berühmtheit. Als sie den Seriennutzer Catcher öffentlich ausruft, beschließt er, gegen Barbara zu ermitteln, in der Hoffnung, sie als Heuchlerin zu beweisen, die sich allzu bereitwillig in einen Mann verlieben würde – und er wird dieser Mann sein. Währenddessen sind Vikki und der hyperneurotische Herausgeber von WissenPeter MacMannus (David Hyde Pierce, der Tony Randall kanalisiert, der auch einen Cameo-Auftritt hat – eine seiner letzten Filmrollen), verlieben sich ineinander, aber der unsichere Peter, so etwas wie eine vierzigjährige Jungfrau, gibt sein Bestes Angestellter und bester Freund, Catcher, für Ratschläge zur todsicheren Verführung mit skurrilen Ergebnissen.
Reed präsentiert dieses klappernde, aufgepeppte Spiel mit List und Täuschung in Form eines hochdekorativen und schwindelerregend stilisierten Hyper-Irrealismus. (Der Film verwendet auf pointierte, zielgerichtete Weise eine unmöglich gefälschte New Yorker Geographie.) Die ganze Stadt scheint mit Zuckerguss überzogen und farblich aufeinander abgestimmt zu sein – die Palette der Dekorationen und Kostüme des Films durchzieht knallende Primärfarben und klingende Sekundärfarben, die von glänzendem Chrom umgeben sind , scharfkantige Möbel und modernistische High-Tech-Ausstattungen, um mit den elektrosardonischen Unannehmlichkeiten von Jacques Tatis satirischem, antimodernem Universum zu konkurrieren. Im Zentrum dieser schillernden Dynamik des Industriedesigns steht das zentrale Quartett des Films, bestehend aus Barbara und Vikki sowie Catcher und Peter, als Musterbeispiele für Stil und Flair. Die komödiantische Handlung ist scheinbar mit mechanisiertem Präzisions-Timing in Sequenzen mit Aufzügen und ferngesteuerten Gizmos choreografiert. Es ist auch buchstäblich choreografiert, durch praktisch tänzerische Manöver in Büros und Wohnungen, Juking und synchronisiertes Herumtollen, die zu einer Jazz-und-Martini-ähnlichen Space-Age-Partitur unterlegt sind. (Seine chorischen „ba-doo-ba-doo-wah“-Interjektionen sind, einmal gehört, unentwirrbare Ohrwürmer.)
Dieser hochtonige Stil zeigt sich weiter in der gepflegten und scharf umrissenen Mode, die zur Steifheit einer Rüstung gebügelt und gestärkt wird, das Haar besprüht und gebacken und zu einer helmähnlichen Festigkeit pomadeiert wird. Die Besetzung passt zu diesem Stil mit glitzernden formalen, glänzenden, unechten Manieren, die es den Charakteren ermöglichen, ähnlich undurchsichtige und undurchdringliche Fassaden zu bewahren und das Privatleben von öffentlichen Personen abzuschotten. Diese glänzend künstliche Stilisierung der Persönlichkeit verkörpert am deutlichsten die Substanz des Filmstils und erweckt Reeds große Idee zum Leben – die Macht und die Zerbrechlichkeit sozialer Masken, die schmerzhafte Anstrengung, sie aufrechtzuerhalten, und die Tortur ihres Zusammenbruchs. „Nieder mit der Liebe“ ist eine Komödie aus den Vorsechzigern, aus der Zeit vor dem Wassermannzeitalter, als Kultur und Wissenschaft endgültig über die Natur und die menschliche Natur zu triumphieren schienen, als liberale Ideale rationaler Vervollkommnung und traditionelle Ordnungsideale aufeinander zuliefen diese Fassaden aufrechterhalten, bis eine neue Generation ihre Täuschungen und Wahnvorstellungen durchschaut hat. (Es gibt sogar eine augenzwinkernde Überarbeitung einer der berühmtesten Szenen romantischer Filmlügen aus „Johnny Guitar“.) Der Film gipfelt in einem virtuosen Duett für Schauspielerin und Regisseurin: Barbara sprengt die gesamte Scharade mit einem dreiminütigen Monolog – geliefert von Zellweger und gefilmt von Reed in einem einzigen High-Wire-Take – was die Hintergrundgeschichte einer außergewöhnlichen und aufwändigen Miniserie zu einem einzigen Cream-Pie-Konfekt verdichtet, das praktisch in den Bildschirm einschlägt. Mit seinem intellektuellen Slapstick aus präzise kalibrierter kreativer Unordnung läutet der Film eine Ära der emotionalen Befreiung und Selbstoffenbarung ein, sowohl in Stil und Inhalt als auch in filmischen Manieren und Methoden.
Diese neue Ära, die modernen Zeiten der Freiheit und ihre hemmungslosen Ausstellungen, ist das Thema von Reeds Nachfolger, dem komödiantischen Melodram „The Break-Up“ aus dem Jahr 2006, einer insgesamt unbeständigeren Mischung von Genres. Sein Ton ist instabil; Es ist die Geschichte eines jungen Chicagoer Paares, das sich unausstehlich begegnet, zusammenlebt und auseinanderfällt – während es aus finanziellen Gründen zusammen in derselben geräumigen Eigentumswohnung bleibt, bis sie es verkaufen kann. Vince Vaughn spielt Gary Grobowski, einen gütig-aggressiven Großmaul, der seinen Lebensunterhalt mit seinem Geschwafel verdient, als Führer in einem Tourbus, der die Hauptattraktion des kleinen Unternehmens ist, das er gemeinsam mit seinen beiden Brüdern, dem fleißigen Nerd Dennis (Vincent D’Onofrio) und das Rohöl, leider Lupus genannt (Cole Hauser). Jennifer Aniston spielt Brooke Meyers, die eine Kunstgalerie leitet, die der hochmütigen, ungefilterten Marilyn Dean (Judy Davis) gehört. Brooke ist eine Frau mit College-Abschluss aus einer bürgerlichen Familie mit tief verwurzelten Verbindungen zu mächtigen Institutionen; Gary ist ein Mann aus einer Arbeiterfamilie. Die emotionale und körperliche Bindung des Paares scheint stark zu sein; Die Handlung konzentriert sich auf die täglichen Routinen einer Beziehung und die katastrophalen Folgen, wenn sie zusammenbrechen.