Eine Sache, die in Dorsay Alavis dreiteiligem Dokumentarfilm „Wayne Shorter: Zero Gravity“ (diesen Freitag auf Amazon Prime erschienen) deutlich wird, ist, dass der verstorbene, große Jazz-Saxophonist und Komponist, um es nicht zu genau zu formulieren, ein Nerd war . Er wurde 1933 in Newark geboren und wuchs als Fan von Comics und Fantasy-Filmen auf. Zusammen mit seinem älteren Bruder Alan gründete er auf einem nahegelegenen Baugrundstück ein Cosplay-Theater, das, wie er sich im Film erinnert, manchmal als Theater diente Sahara-Wüste und manchmal als Mars. Er war ein frühreifes Kind, dessen Talent sich jedoch zunächst nicht in Musikalität, sondern in einer außerordentlichen Begabung für die Kunst äußerte. Mit zwölf Jahren gewann er einen Kunstwettbewerb und wurde an der Newark Arts High School aufgenommen. Er kopierte Bilder aus Comics und begann dann, selbst Comics zu zeichnen. Ein überlebendes Exemplar, das im Film zu sehen ist, beeindruckt durch seine aufwändige und komplexe Kunstfertigkeit, aber vor allem durch seine schiere Fülle.
Shorter war auch ein Filmfan, und seltsamerweise war es das Kino, das seine musikalische Berufung weckte. Er begann, die Schule zu schwänzen, um ins Kino zu gehen, wo es zwischen den Spielfilmen oft Live-Musik gab, manchmal von namhaften Jazzbands. Als er vor den stellvertretenden Rektor geschleppt wurde, beschloss die Frau mit salomonischer Weisheit, ihn nicht zu bestrafen, sondern zu ermutigen, und schickte ihn in den Musikunterricht. Mit fünfzehn Jahren begann Shorter Klarinette zu spielen; ein Jahr später wechselte er zum Tenorsaxophon. Er sagt im Film, dass ihn sein Talent mehr oder weniger überrascht habe. Als er vor der Klasse von einem Musiklehrer als einziger Schüler gelobt wurde, der bei einer Prüfung ein perfektes Ergebnis erzielt hatte, hatte er eine Intuition: „Das sollte man besser nicht ignorieren.“
Mit Alan (damals ebenfalls Saxophonist, später Trompeter) gründete Shorter eine Band, die modernen Jazz spielte. Die Brüder pflegten den Ruf, seltsam zu sein, indem sie exotische Kostüme mit randlosen Hüten und bodenlangen Mänteln trugen und sich Spitznamen ausmalten – „Doc Strange“ und „Mr. Weird“ – auf ihren Saxophonkoffern. Wayne ging an die NYU und studierte Musikkomposition. Zu dieser Zeit erregten seine Auftritte die Aufmerksamkeit führender moderner Jazzmusiker, die ihn „den Newark Flash“ nannten. 1959, im Alter von 26 Jahren, wurde er eingeladen, der Hardbop-Band des Schlagzeugers Art Blakey, den Jazz Messengers, beizutreten, deren Hauptkomponist er bald wurde. Seine Kompositionen erwiesen sich als ebenso unverwechselbar wie seine Improvisationen. 1964 schloss er sich dem neuen Quintett von Miles Davis an und wurde sofort auch dessen führender Komponist. Die Gruppe gab ihm die Chance, seine Musik intellektuell zu erweitern, und im Film liefert der Pianist des Quintetts, Herbie Hancock, eine wertvolle Anekdote über Shorters Wachstum, die nebenbei eine Frage beantwortet, die ich schon lange zu einer Lieblingsaufnahme hege: „The „Complete Live at the Plugged Nickel 1965“, ein acht CDs umfassendes Set des Davis-Quintetts, das zwei Nächte lang im gleichnamigen Chicagoer Club auftritt. Für mich schienen diese Scheiben die Band immer in ihrer radikalsten Extremform einzufangen und den vielfältigen Energien des Free Jazz am nächsten zu kommen, was ich je gehört habe. Jetzt weiß ich warum: Hancock erinnert sich, dass der Schlagzeuger des Quintetts, Tony Williams, vor dem Auftritt sagte: „Es wird zu einfach. Ich muss Dinge spielen, die unerwartet sind.“ Hancock fährt fort: „Tony nannte es ‚Anti-Musik‘.“ Okay, ich werde auch Anti-Musik spielen.“ Sie präsentierten die Idee Shorter, der „nicht viel sagte“, und dem Bassisten Ron Carter, der zustimmte. Doch im Club erwartete sie eine Überraschung: Er war voller Aufnahmegeräte. Ohne ihr Wissen hatte Davis dafür gesorgt, dass Columbia Records den Auftritt für ein Album aufzeichnete, und Hancock fragte sich, ob sie ihren Plan aufgeben sollten. Aber er erinnerte sich: „Tony sagte: ‚Ich bleibe bei meiner Sache‘“; Hancock stimmte zu und „niemand sagte etwas zu Miles.“
Shorter war bei Davis, als sich die Gruppe in den späten Sechzigern hin zu rockiger Musik mit elektrischen Keyboards und Gitarren verlagerte, ohne jedoch Intensität oder Freiheit zu opfern. Im Jahr 1970 war Shorter, ermutigt von Davis, seine eigene Gruppe zu gründen, Mitbegründer von Weather Report, die ebenfalls Rock und Jazz verband, jedoch mit weniger Dissonanz und weniger Wut. Die Ergebnisse erwiesen sich für Shorter als weniger herausfordernd, brachten ihm jedoch eine für Jazzmusiker seltene Popmusik-Währung ein. Er spielte bei Steely Dans „Aja“ und spielte 1977 als Sideman mit Joni Mitchell, womit eine Zusammenarbeit begann, die über 26 Jahre und zehn Alben andauerte. Mitchell, der in „Zero Gravity“ interviewt wurde, liefert entscheidende Einblicke in Shorters Kunst und sagt, dass er im Wesentlichen ein bildender Künstler ist: „Ich habe ihn mir als Pinsel vorgestellt; Es war nicht wie Musik, es war wie Malerei, was genau richtig ist. Also erlaube ich ihm, auf meiner Leinwand zu malen.“ Larry Klein, der mit Mitchell verheiratet war und mehrere ihrer Alben mit Shorter produzierte, meint, dass „er eher wie ein Drehbuchautor als wie ein Saxophonist dachte.“
Die Einsicht, die auf Shorters ursprüngliche künstlerische Leidenschaft zurückgeht, verdeutlicht ein entscheidendes Element von Shorters Musikstil – seinen Sinn für Abstraktion. Als ich Anfang des Jahres in Erinnerung an Shorter schrieb, beschrieb ich seine „klangliche Flüchtigkeit“ mit Soli, die „an zwei Orten gleichzeitig“ zu sein scheinen. Mitchell und Klein liefern die idealen Metaphern für seine musikalische Art – denn im Gegensatz zu musikalischen Darbietungen beinhalten Malerei und Filme nicht unbedingt die physische Präsenz des Künstlers; Der Regisseur befindet sich hinter den Kulissen, der Maler vor der Leinwand, und das Ergebnis ist ein fertiges Produkt, das die Anwesenheit des Künstlers impliziert, ohne sie zu verkörpern. Bei Shorter gibt es bei der Improvisation eine kleine Verzögerung, eine Verzögerung. Es ist der Klang eines denkenden Menschen, der zurücktritt, während er frei kreiert, mit dem Ergebnis, dass das Gefühl rücksichtsloser Hingabe umso berauschender ist, wenn er loslässt und in den Moment hinein stürmt.
Die drei Teile von Alavis Dokumentarfilm dauern mehr als drei Stunden und haben bei mir ein gewisses Gefühl der Verzweiflung hinterlassen. Ich hatte mir den Dokumentarfilm angesehen, weil ich, obwohl ich Shorters Musik liebe, wenig über sein Leben oder die feinen Details seiner Karriere wusste und ihn selten in Interviews sprechen hörte. Es stellt sich heraus, dass der Film dieses Thema auf eine enzyklopädische Art und Weise abdeckt, und zwar auf Kosten der gefilmten Interviews. Die Interviews selbst sind reichhaltig und abwechslungsreich. Shorter spricht über sein Leben und Werk und wir hören von verschiedenen Freunden und Familienmitgliedern. Es gibt aufschlussreiche Erkenntnisse nicht nur von Hancock und Mitchell, sondern von einer ganzen Reihe von Kollegen, darunter Sonny Rollins, Reggie Workman und Esperanza Spalding. Es sollte ein außergewöhnliches Erlebnis sein, Zeit in der Gegenwart solcher Menschen zu verbringen, und das Material schreit nach einer Art des Filmens, die dieses Erlebnis einfängt, nach einer Schnittmethode, die die Emotionen des Augenblicks maximiert. Aber Alavi, der sich auf die übergeordnete Geschichte konzentriert, filmt die Interviews unterschiedslos und schneidet sie in Ausschnitte, wobei er sie wie fungible Informationsquellen behandelt, die nur für das nützlich sind, was sie uns über diese oder jene Episode erzählen. (Sie durchsucht sie auch nach etwas weniger als nur Informationen – nämlich nach vagen und überschwänglichen Lobpreisungen, die Goneril und Regan in Verlegenheit bringen könnten.) Bei dem Versuch, die Dramatik von Shorters langem Leben zu verstärken, übersieht sie die Dramatik, dass es sich um den ersten Job eines Dokumentarfilmers handelt macht Interviews, um zu verstehen: Diese Begegnungen und Diskussionen sind selbst dramatische Ereignisse, Echtzeitverbindungen zwischen den Interviewpartnern und dem Filmemacher.
Shorters Musik schneidet nicht viel besser ab und wird oft als Hintergrund verwendet, über den Stimmen von Interviewpartnern eindringen dürfen. Und der Film setzt eine Reihe anderer visueller Utensilien als Bildschirmhintergrund ein, um den Talking Heads zu entgehen: Nachstellungen, animierte Sequenzen, Archivmaterial, Standbilder, eine Sammlung ornamentaler Methoden, die die bekannten Homogenisierungskonventionen von Dokumentarfilmen repräsentieren. Nicht, dass solche Nachstellungen und Animationen grundsätzlich schlechter wären als Bilder von sprechenden Menschen, aber Dokumentarfilmer, die sie nutzen, wagen sich in das Reich der Fiktion vor, und nur wenige Sachfilmemacher erfüllen die kreativen und stilistischen Erwartungen, die ein Zuschauer an einen dramatischen Film stellt.
Die Form- und Stilmängel des Films sind bedauerlich, denn letztendlich liefert Alavi ein Porträt von Shorter ab, das sowohl aufschlussreich als auch bewegend ist. (Manchmal erweitert oder verfeinert es Themen, die in Michelle Mercers hervorragender Biografie „Footprints“ besprochen werden, und Mercer, der häufig auf der Leinwand interviewt wird, wurde auch zu dem Film konsultiert.) „Zero Gravity“ vermittelt unter anderem die immense Last von Verlust und Trauer das erlebte Shorter während seiner Karriere. Im Jahr 1961 folgte die folgenschwere erste Ehe mit Irene (Teruko) Nakagami. Shorter war romantisch unerfahren und schüchtern, und Teruko, der in der Beziehung immer unzufriedener wurde, neigte dazu, für längere Zeit zu verschwinden, was er bis zu ihrer Trennung im Jahr 1966 stoisch ertrug. Im selben Jahr kam Shorters Vater Joseph bei einem Autounfall ums Leben Er fuhr von einem Auftritt seines Sohnes nach Hause. Shorter lernte auch die Frau kennen, die seine zweite Frau werden sollte, Ana Maria Patricio. Ihr erstes Kind, eine Tochter namens Iska, wurde mit einer Hirnschädigung geboren. Vom Säuglingsalter an hatte sie täglich Dutzende Anfälle – deren Stress dazu führte, dass sowohl Shorter als auch Ana Maria viel tranken – und starb im Alter von vierzehn Jahren (angeblich an einem Anfall, obwohl der Film ihren Tod auf eine versehentliche Überdosis zurückführt). verschreibungspflichtige Medikamente, die sie zu Hause gefunden hat). Shorters Bruder Alan starb Mitte fünfzig; Der Film sagt viel zu wenig über ihn aus, aber ein Moment, in dem Shorter, der scheinbar beiläufig auf dem Rücksitz eines fahrenden Autos gefilmt wurde, über diesen Verlust spricht, ist unvergesslich – eine der seltenen Szenen, die ein Gefühl von Spontaneität und persönlicher Verbundenheit vermittelt. Ein weiterer vernichtender Schlag kam 1996, als Ana Maria bei der Explosion des TWA-Fluges 800 ums Leben kam. Shorter spricht von diesen Verlusten mit einer seltenen philosophischen Gelassenheit und sagt, dass „die Tragödie vorübergehend“ sei, im Lichte einer „Konstante“, nämlich „Ich warte darauf, dass wir es erfahren.“
Der Film bietet ein pikantes Porträt von Shorters späteren Jahren, die nun fast wie eine Rückkehr zur Quelle wirken: Sein visuelles Talent hatte ihn nicht verlassen, und 2018 schuf er als Teil seines Albums „Emanon“ eine Graphic Novel. Er unterhielt eine umfangreiche Sammlung von Figuren aus den unterschiedlichsten Fantasy-Quellen. Lange Zeit konzentrierte er sich auf Superhelden und wechselte dann, wie im Film zu sehen ist, zu Feen. Es gibt auch überraschende Einblicke in entscheidende Inspirationen für Shorters späteres Werk. Wir sehen, wie Shorter an einer Komposition arbeitet, während in seinem Büro eine CNN-Sendung auf einem Fernseher läuft. Seine dritte Frau, Carolina, sagt: „Der Fernseher ist tatsächlich ein sehr wichtiger Bestandteil von Waynes Arbeitsuniversum, wenn man so will. Normalerweise schreibt er –“ und Shorter unterbricht ihn mit den Worten: „Dagegen.“ Es sind solche Zwischenräume und Randbemerkungen, in denen der Film Shorter und seine innere und äußere Welt am lebendigsten zum Leben erweckt. ♦