Was es in der zweiten Woche des New York Film Festivals zu sehen gibt

Wenn ein Filmemacher so produktiv ist wie Hong Sangsoo, kann es für alle anderen fast unfair erscheinen, seiner Arbeit die Aufmerksamkeit zu schenken, die sie verdient. Nicht zum ersten Mal hat das New York Film Festival zwei neue Filme von ihm auf der Hauptliste, und das zu Recht: „In Water“, der letzte Woche gezeigt wurde, und „In Our Day“, der ab dem 11. Oktober zu sehen sein wird bis 13. Die Parallelen und Kontraste zwischen den beiden verraten viel, nicht nur über Hongs Kunst, sondern auch über einige grundlegende filmische Ideen. „In Water“, über das ich letzte Woche geschrieben habe, erzählt die Geschichte eines Schauspieler-Regisseurs und seiner beiden Mitarbeiter, eines Kameramanns und einer Schauspielerin, die zu dritt versuchen, während einer Woche in einer Küstenstadt einen improvisierten Kurzfilm zu drehen . Verglichen mit dieser kompakten Erzählung ist „In Our Day“ geradezu ausufernd. Es dauert deutlich länger (83 statt 61 Minuten) und konzentriert sich auf zwei Charaktertrios und nicht nur auf einen, und erst nach und nach wird klar, wie die beiden Trios miteinander verbunden sind. Der kürzere Film ist kraftvoller: eine Geschichte einer Jugend am Abgrund, die von Natur aus romantisch ist. „In Our Day“ ist ein Drama der Erschöpfung und des Rückzugs; Es ist ein sesshafter Film, der hauptsächlich in und um zwei Wohnungen spielt und innerhalb eines einzigen Tages spielt. Es gibt auch junge Charaktere, aber in jeder seiner Parallelgeschichten liegt der Fokus auf einer älteren Künstlerfigur – einer Schauspielerin bzw. einem Dichter –, von der sich die Jüngeren inspirieren lassen.

Die Schauspielerin namens Sangwon (Kim Min-hee) ist vielleicht vierzig oder so, hat aber eine lange Karriere hinter sich. Vor kurzem hat sie jedoch mit der Schauspielerei aufgehört und studiert nun etwas, das sich „Architekturästhetik“ nennt. Sie ist von einer nicht näher bezeichneten Wanderung nach Seoul zurückgekehrt und wohnt bei ihrer Freundin Jungsoo (Song Seon-mi). Die Freundschaft der beiden Frauen, die weniger von dem geprägt ist, was sie sagen, als von allem, was sie für sich behalten, wird durch die Ankunft von Sangwons junger Cousine Jisoo (Park Mi-so), einer aufstrebenden Schauspielerin, erschüttert, die den Veteranen um Rat fragen möchte. Was den Dichter Uiju (Ki Joo-bong) betrifft, so scheint er auf die sechzig zuzugehen und scheint nicht viel Gedichte zu schreiben. Stattdessen lebt er im Licht oder vielmehr im Schatten seines Ruhms. (Er wird auf einer Titelkarte vorgestellt und erklärt, dass er „mit Verspätung bei jungen Leuten beliebt geworden ist, aber alles, was er möchte, ist ein friedliches Leben ohne Schmerzen zu führen.“) Uiju ist geschieden und lebt allein. Er leidet an Herzbeschwerden und wird seines Herzens beraubt Grundfreuden des Rauchens und Trinkens. Er täuscht bescheidene Bescheidenheit vor und genießt die Aufmerksamkeit einer jungen Frau (Kim Seung-yun), die einen Dokumentarfilm über ihn dreht, und achtet übermäßig darauf, dass sie die Details seiner häuslichen Routine mitbekommt. Auch hier trifft eine dritte Person ein: ein junger aufstrebender Schauspieler (Ha Seong-guk), der Uiju mit Fragen zu Kunst und Leben überschüttet, während der Dokumentarfilmer ihre langen Diskussionen filmt.

Während er zwischen diesen beiden Trios wechselt, erzeugt Hong seltsame Echos: zwischen dem Bündel von Geschenken, die sowohl Jisoo als auch der junge Mann ihren angehenden Mentoren überbringen, oder ihrer gemeinsamen, eigenwilligen Art, Instant-Ramen zu essen. Doch was wirklich zählt – der Kern, das Herz des Films – ist ihre gemeinsame Herangehensweise an die Kunst, die auch eine Herangehensweise an das Leben ist. Sangwon und Uiju werden nie zusammen gesehen und sie erwähnen den anderen nie namentlich, aber es wird angedeutet, dass sie eine Geschichte haben – dass er einen großen Einfluss auf ihre Karriere, ihr Leben und auf die Entwicklung ihrer Ideen und Ideale hatte , die sie wortreich, leidenschaftlich und mit literarischem Gespür und Tiefe zum Ausdruck bringt. Als sie über die intellektuellen und emotionalen Anforderungen der Schauspielerei spricht, beschreibt Sangwon die unangenehme Erfahrung, vor den Kameras der Regisseure vorgefertigte Aufführungen von vorgefertigten Drehbüchern anderer zu liefern und einfach ungeduldig auf das Ende ihres Arbeitstages zu warten. (Damit bietet sie eine heimliche Bestätigung von Hongs Methoden an: Er skizziert bekanntermaßen seine Geschichten zum Zeitpunkt des Drehs und lässt seine Schauspieler Dialoge improvisieren.) Was Uiju betrifft, dessen Gedanken an den Tod nie weit entfernt sind, findet er alle Versuche, dies zu tun Sinn finden – sei es in der Poesie oder im Leben – künstlich und oberflächlich, bloße Ablenkung von der Weite und Unreduzierbarkeit der gewöhnlichen Existenz. An einer Stelle liefert er in Aktion eine erschreckende Metapher für den existenziellen Abgrund, der diejenigen erwartet, die in ihrer Seele Künstler sind, aber den Tag nicht nutzen und Kunst machen.

In Hongs Filmen gibt es fast immer lange Aufnahmen komplizierter und inbrünstiger Gespräche, gefilmt aus feinen, scharfsinnigen Blickwinkeln. Hier (obwohl ich kein Timing hatte) scheinen die Einstellungen sogar noch länger zu sein als sonst, und die Diskussionen wirken umso fröhlicher und aufschlussreicher, da sie über große Zeitspannen hinweg auf und ab gehen. „In Our Day“ ist im Wesentlichen eine Art Weisheitskino, eine Destillation der emotionalen Komplexität, der aphoristischen Brillanz und der Strenge gegenüber sich selbst und anderen, die die Welt der bewunderten Schöpfer kennzeichnet – und es ist ein paradoxes Werk. Auch wenn es Hongs eigene unabhängige und freigeistige Methoden veranschaulicht (er ist Regisseur, Autor, Produzent, Kameramann, Cutter und sogar Schöpfer der Filmmusik), deutet es darauf hin, was sich als verlockende Möglichkeit abzeichnet, sollte er es wagen, einen aufwändigen, Gedrehtes, historisches Drama: Ich kann mir keinen anderen Filmemacher vorstellen, der eine so originelle Arbeit leisten würde, indem er Sachbuch-Meisterwerke literarischer Konversation und das alltägliche Leben der Künstler, die seine Meister sind, und der Akolythen, die es liebevoll transkribieren, verfilmt, wie zum Beispiel Boswells „ Das Leben Johnsons“ oder Eckermanns „Gespräche mit Goethe“.

Das Wort „Familie“ hallt wie ein lustiges Gelächter durch „Last Summer“, Catherine Breillats eiskaltes Melodram über Lust und Macht über eine Familienanwältin namens Anne (Léa Drucker), die eine sexuelle Beziehung mit dem siebzehnjährigen Ehemann ihres Mannes hat. einjähriger Sohn, Théo (Samuel Kircher). Der Film stellt Moral gegen Legalität. Annes Vertrauens- und Verantwortungsbrüche sind schwerwiegend, aber sie begeht weder Inzest noch gesetzliche Vergewaltigung; Théo ist weder ihr leibliches noch ihr adoptiertes Kind und hat das Einwilligungsalter erreicht. Die Geschichte spielt in einem großbürgerlichen Paradies, das von innen heraus zu verrotten scheint. Anne lebt mit ihrem Ehemann Pierre (Olivier Rabourdin), einem wohlhabenden Geschäftsmann, dessen Unternehmen vor einer aufdringlichen Steuerprüfung steht, und ihren beiden Adoptivtöchtern in einem luxuriösen Haus in einem Vorort von Paris. Théo lebt mit seiner Mutter, der Ex-Frau von Pierre, in Genf, doch seine Eltern ziehen ihn nach Paris, nachdem er wegen eines Angriffs auf einen Lehrer von der Schule suspendiert wurde. Der aufsässige und schüchterne Teenager mit schlaffen Haaren und Hormonen spielt seine Frustrationen störend aus und wird dennoch ein guter großer Bruder für die beiden Mädchen; Unterdessen entfachen seine Funken spielerischer Flirts mit Anne ein unkontrollierbares Feuer der Begierde. Anne, reumütig und ängstlich, schwört Théo zur Verschwiegenheit, doch die Vertuschung wird schnell zum größeren und besseren Drama: ein Konflikt von erschreckender Intensität und bitterer Ironie, voller emotionaler Gewalt und drohender Bedrohung.

In der französischen Presse wurde Breillat vorgeworfen, einen wohlwollenden Blick auf eine quasi-inzestuöse Beziehung geworfen zu haben, und ihre Äußerungen in Interviews bestätigen, dass sie einvernehmliche Leidenschaften, die konventionellen Sitten widersprechen, lautstark verteidigt. Aber ihre Bemerkungen sind nebensächlich. Zunächst einmal sollte es nicht nötig sein, dass Breillat im Drama oder in Statements mit dem Finger über das Verhalten ihrer Charaktere wedelt, um sich eine eigene Sicht auf die Sache zu bilden. Noch wichtiger ist, dass die Angst, die Wut und die Täuschung, die die Affäre auslöst – und die erbarmungslose Präzision, mit der Breillat sie filmt – ein sichereres und klareres Urteil über die Handlung liefern. Tatsächlich ist die Freiheit eines Films, sich von den Absichten seines Regisseurs zu lösen, ein Hauptmerkmal künstlerischer Inspiration.

Sofia Coppolas neuer Film „Priscilla“, der heute Abend, 8. und 15. Oktober, gezeigt wird, ist ein düsteres und ruhig empörtes Drama, eine moderne amerikanische Fortsetzung ihres Films „Marie Antoinette“ aus dem Jahr 2006. Die Unterschiede zwischen den Filmen sind gewissermaßen im Drama und im Stil des neuen Films verankert, der Priscilla Beaulieu (Cailee Spaeny) von ihrer Begegnung – als Neuntklässlerin auf einem Stützpunkt der US-Armee in Wiesbaden im Jahr 1959 – begleitet Elvis Presley (Jacob Elordi) durch ihre Werbung, ihren Umzug nach Graceland und ihre Ehe, die 1973 endete. Die vierzehnjährige Priscilla war, obwohl wenig überraschend, von Elvis beeindruckt, von Elvis weniger angetan als vielmehr von der Intensität verwirrt die Verbundenheit, die dieser weltberühmte Mann an den Tag legte, der zehn Jahre älter war als sie. Außerdem hatte sie großes Heimweh nach den USA und war begeistert von der aufregenden neuen Welt, die ihr die Beziehung eröffnete. Doch weit davon entfernt, sie zu befreien, übertrug ihr Eintritt in seinen Strudel des Ruhms sie lediglich von der Kontrolle ihres Vaters (Ari Cohen), einem Luftwaffenoffizier, in die Kontrolle von Elvis – und, wenn Elvis nicht in der Nähe war, von ihm Vater, Vernon (Tim Post). Da sie mit Elvis und seinem Gefolge in Graceland lebt, hat sie offenbar noch weniger Freiheiten als ein durchschnittlicher Teenager. Elvis lässt sie nicht einen Teilzeitjob in einer örtlichen Boutique annehmen und erklärt, dass sie sich zwischen ihm und ihrer „Karriere“ entscheiden muss: „Wenn ich anrufe, muss ich dich für mich da haben.“

Elvis macht Priscilla schnell mit der Einnahme von Pillen vertraut – Pillen, um wach zu bleiben, Pillen, um zu schlafen – und sein nächtliches Leben mit seinen endlosen Partys lässt ihr wenig Zeit und Energie für die Schule. Daher erhält sie nicht viel Bildung, und als Erwachsene ist Priscilla auch weniger aktiv, hat weniger Erfahrung und kennt das Leben im Allgemeinen weniger aus erster Hand als die meisten Menschen in ihrem Alter. Alles, was sie hat, ist „alles“: Sie kann nach Herzenslust einkaufen, aber Elvis unterdrückt und kontrolliert sogar ihren Geschmack. Der Film befasst sich nicht intensiv mit der Musik von Elvis, weil Priscilla dies auch nicht tut – und weil er das eine Mal, als sie versucht, sich zu diesem Thema auszudrücken, einen schweren Gegenstand nach ihr wirft. (Der von Coppola geschriebene und auf den Memoiren von Priscilla Presley basierende Film betont auch Elvis‘ Frustrationen – insbesondere seine vereitelten Ambitionen, im Actors Studio zu studieren und eine ernsthafte Filmkarriere anzustreben, ähnlich der von Marlon Brando oder James Dean.)

Wenn Coppola Bilder von raffiniertem Stil entfesselt, etwa in einem melancholischen Rückwärtszoom, bei dem Priscilla in einem Fensterrahmen des Graceland-Herrenhauses gefangen bleibt, treffen sie hart, aber im Allgemeinen hat „Priscilla“ nicht den Stil von „Marie Antoinette“. ” Und das ist der Punkt: Priscilla selbst hat nicht den Stil von Marie Antoinette, und das ohne eigenes Verschulden. Zumindest verfügte die Königin von Frankreich über eine Grundlage einer adligen Ausbildung, auf der sie ihren ruinösen Ruhm in gehobenem Stil und Mode aufbauen konnte. „Priscilla“ ist jedoch ein glatter Beigeschmack einer Konfrontation mit einer männlich-überlegenen Kultur – begünstigt durch eine konsumorientierte –, die ein entleertes Leben hervorbringt. Die Musik, die ihr Mann spielt und die ihn berühmt macht, ist untrennbar mit dem ausgelassenen Jungsclub seiner Umgebung verbunden. Auch dies ist eine Beschäftigung von „Priscilla“ und eine Quelle ihres überwältigenden Verlustgefühls. Wer ist der weibliche Elvis? Dass man überhaupt darüber nachdenken muss, ist eigentlich das Thema von Coppolas Film. ♦