Von Künstlern entworfene Partyhüte und wie man sie nachbildet

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In den Vereinigten Staaten haben Partyhüte – diese allgegenwärtigen, kegelförmigen Kennzeichen von Kindergeburtstagen und Sommerpicknicks – ihre Wurzeln in einem weniger feierlichen Phänomen: den spitzen Dummköpfen, die im 19. und frühen 20. Jahrhundert in Schulen als Disziplinarmittel eingesetzt wurden. Es ist eine Erinnerung daran, dass selbst die unscheinbarsten Objekte komplexe Bedeutungen haben können – etwas, das Künstler, von denen sich einige als Inspiration für Partykleidung entschieden haben, schon lange wissen.

Die Studenten des Bauhauses, der einflussreichen deutschen Designakademie, die 1919 gegründet wurde, nahmen ihre Kostümpartys genauso ernst wie ihr Studium und verkleideten sich als monströse Kreaturen und mechanische Humanoide. Und 1972 entwarf der spanische Maler Salvador Dalí mehrere fantastische Ensembles für den berüchtigten Surrealistenball, eine rauschende Zusammenkunft auf dem französischen Anwesen der Baronin Marie-Hélène de Rothschild. Berühmtheiten und Politiker kamen mit hoch aufragenden Kopfbedeckungen an, um auf körperförmigen Schaufensterpuppen zu speisen, die über Tische verteilt waren; Die Schauspielerin Audrey Hepburn spähte aus einem Vogelkäfig aus Rattan, komplett mit verirrten Federn, der auf ihren Schultern saß.

Im Geiste dieser Tradition lud T Macher aus allen kreativen Bereichen ein – die multidisziplinäre Designerin Faye Toogood; die Keramikkünstlerin Jolie Ngo; der Modedesigner Piotrek Panszczyk der Marke Area; der Multimediakünstler Rakeem Cunningham; die Kostümbildnerin Alexia Hentsch; und der Designer Adam Charlap Hyman und der Architekt Andre Herrero von der Firma Charlap Hyman & Herrero – um ihre Versionen eines Partyhutes vorzuschlagen. Das einzige Kriterium bestand darin, dass jeder Hut aus Materialien hergestellt werden musste, die normalerweise in einem Kunsthandwerksladen erhältlich sind, sodass der Hut zu Hause nachgebildet werden konnte, wenn man den Anweisungen des Künstlers folgte, die im PDF unten aufgeführt sind. Von da an waren der Fantasie keine Grenzen gesetzt, und es entstanden Kopfbedeckungen, die unter anderem einer regenbogenfarbenen Palme, einem Korallenriff und einem jenseitigen Trinkhelm ähneln.

Als die Kostümbildnerin Alexia Hentsch im Januar an einer Hochzeit in Recife, einer Küstenstadt im Nordosten Brasiliens, teilnahm, traf sie auf eine Gruppe Tänzer, die für einen Karnevalsumzug probten. Nachdem sie 2015 ihre dezente Herrenkollektion Hentsch Man geschlossen hatte, um sich maximalistischeren Unternehmungen zu widmen, wie zum Beispiel der Gestaltung der Kostüme für die Eröffnungszeremonie der Olympischen Sommerspiele 2016 in Rio de Janeiro, war Hentsch von den aufwendigen Outfits der Darsteller beeindruckt. Es gab handbestickte Ponchos und eiförmige Kopfbedeckungen, die von schimmerndem Lametta trieften. Für dieses Projekt gestaltete Hentsch ihre Version von Letzterem, indem sie Streifen aus gespanntem Krepppapier auf einen übergroßen Sonnenhut aus Stroh klebte und leuchtend farbige Schichten hinzufügte, bis die Oberfläche zotteligen Bastpalmenblättern ähnelte. „Die Materialien waren einfach, aber die Arbeit war wie Couture“, sagt Hentsch, 41, über die Ensembles, die sie gesehen hat. „Ich bin fasziniert von dieser High-Low-Kultur, und ich denke, dass wir sie überall in Brasilien haben, besonders während des Karnevals.“

Die zarten Selbstporträts des Künstlers Rakeem Cunningham, fotografiert in mit Stoff drapierten Sets, die er in seinem Studio in Los Angeles baut, zelebrieren jeden Aspekt seiner selbst, einschließlich seiner Schwarzheit und seiner Seltsamkeit. Eine weitere Eigenschaft dieser Art, die er zu schätzen und neu zu definieren gelernt hat, ist die Tatsache, dass er gerne Gras raucht, weshalb Cunninghams Partyhut, eine dekonstruierte Baseballkappe, die er mit weißer Polyesterfaserfüllung überzogen hat, teilweise wie ein flauschiger Rauchschleier aussieht . „Es hat mich einfach daran erinnert, wie ich auf Wolke sieben schwebte, erhaben war und das Leben wirklich genoss“, sagt Cunningham, 31, der eine Einzelausstellung in der Schlomer Haus Gallery in San Francisco zu sehen hat. Der Hut, sagt er, „ist definitiv etwas, das von Schwarzen getragen werden soll.“ Im Mittelpunkt seiner Arbeit steht, fährt er fort, „die Beziehung zwischen Schwarzen Menschen und Körpern und Fantasien.“ Ich denke, dass es für uns Schwarze wichtig ist, in unseren eigenen Fantasiewelten, Kostümen und Geschichten existieren zu können und – ohne Schuldgefühle – Raum in Fantasiewelten einzunehmen, die uns nicht willkommen waren.“ Die Hinzufügung roter und schwarzer Afro-Picks, die mit Draht festgebunden sind, ist eine Anspielung auf Cunninghams Vater, der starb, als der Künstler vier Jahre alt war, und der ihm einen ähnlichen Kamm schenkte, eine Erinnerung, die er noch immer schätzt.

Grotten, die im Großbritannien des 18. Jahrhunderts als dekorative Verrücktheiten in Gärten und Parks beliebt waren, haben in Adam Charlap Hyman, 32, und Andre Herrero, 33, dem Designer-Architekten-Duo hinter der in New York und Los Angeles ansässigen Designfirma, zeitgenössische Fans gefunden Charlap Hyman & Herrero. Sie haben dieses Motiv oft mit Humor und Laune neu kontextualisiert und einmal eine Skulptur geschaffen, indem sie nicht mehr genutzte Telefone und Tastaturen, die im Keller des New Yorker gemeinnützigen Raums Storefront for Art and Architecture gefunden wurden, mit Seepocken und Seesternen schmückten. Ihr „Grotto-Hut“, wie Charlap Hyman ihn nennt, besteht aus einem Strohhut, der mit einer Reihe konservierter Unterwasserlebewesen verziert ist: Muscheln, Schwämme, Korallen und Perlen. „Wir lieben es, im Format einer Hommage zu arbeiten“, sagt Charlap Hyman, der sich auf die tragbare Skulptur „The Ceremonial Hat for Eating Bouillabaisse“ (1936) der britischen Surrealistin Eileen Agar aus dem 20. Jahrhundert bezog, einen blau bemalten Korkkorb mit Hummer darauf Schwänze und Fischskelette.

Der Partyhut von Faye Toogood ist ein hoch aufragender Kopfschmuck in drei stapelbaren Segmenten und verbindet zwei der neuesten Projekte der Designerin, die sie über ihre gleichnamige Mode-, Design- und Einrichtungsmarke herausbringt. Die käfigartige Form ist von Hummerfallen abgeleitet, eine Anspielung auf die maritim inspirierte Frühjahrskollektion 2023 von Toogood, die voluminöse, meerschaumgrüne Hosen und gestreifte Aquarelldrucke umfasste. Und seine Farbtöne, insbesondere das Dunkelrot des Bandes, sind ein Vorgeschmack auf die kommende Bekleidungskollektion von Toogood, deren Farbpalette auf den Gemälden des amerikanischen Künstlers Philip Guston basiert, dessen Arbeiten im Oktober in einer großen Ausstellung in der Londoner Tate Modern zu sehen sein werden. „Ich habe gerade ein paar Monate damit verbracht, mich wirklich von seiner Einstellung zu seiner Arbeit inspirieren zu lassen“, sagt Toogood, 46. „Er hatte den Mut, seinen eigenen Weg zu gehen und seinen eigenen Weg zu gehen.“ Wie viele Kreationen von Toogood ist der Hut zugleich skulptural und praktisch und lässt sich wie eine Papierlaterne zusammenfalten und transportieren.

Die 27-jährige Künstlerin Jolie Ngo, eine langjährige Spielerin lebenssimulierender Videospiele wie Die Sims und Animal Crossing, sagt, sie sei schon in jungen Jahren darauf konditioniert worden, „eine Weltenbauerin im digitalen Raum“ zu werden. Sie entwirft ihre Gefäße mit leuchtenden Pastelltönen und seltsam geformten Skulpturen am Computer mithilfe der 3D-Modellierungstechnologie, die sie als eine weitere Umgebung betrachtet, in der „man in der Lage ist, etwas zu erschaffen und frei zu sein“, und druckt sie dann mit einer Maschine, die voll mit ist farbiger Ton oder Porzellan. Jedes Jahr Ende Januar oder Anfang Februar feiert Ngo den vietnamesischen Feiertag Tết, indem sie mit ihrer Familie in Philadelphia Papierkronen schmückt, weshalb ihr Partyhut die Form einer skurrilen Tiara hat. Das Hauptmaterial – Plastikstrohhalme, die Ngo nach dem Erhitzen mit einem Fön in Position gebogen hat – ist eine eher unerwartete Hommage an neuartige Trinkhelme. „Spielen ist in meiner Praxis wirklich offensichtlich“, sagt sie, „und ich finde diese Hüte irgendwie albern. Sie haben ein wirklich spielerisches Element.“

Schmetterlingsformen sind seit ihrer Gründung im Jahr 2014 zu einem Markenzeichen der New Yorker Marke Area geworden – als kühne, mit Kristallen besetzte Neckholder-Tops oder Cut-out-Details auf Jeans und T-Shirts – und zwar so sehr, dass der Designer des Labels, Piotrek Panszczyk, 37, das Ganze gewidmet hat Seine neueste Kollektion widmet sich dem Insekt. „Es ist ein bittersüßes Motiv [because] Ich hasse Schmetterlinge“, sagt Panszczyk. „Selbst als ich aufwuchs, hatten sie etwas Schönes, aber auch etwas Ekelhaftes. Aus diesem Grund liebe ich es, es auf unterschiedliche Weise noch einmal zu überdenken und neu zu formulieren.“ Für das Pre-Fall-Lookbook 2023 der Marke wurde ein grafischer schwarz-weißer Schmetterling, dessen übergroße Flügel die Augen des Models verdeckten, an einer Wollfilzmütze befestigt und nach hinten gestylt. Inspiriert durch die Art und Weise, wie Fans Artikel aus früheren Area-Kollektionen nachgebildet haben, entschied sich der Designer, dieses Prunkstück neu zu gestalten, indem er ein zugängliches Material, Kartonpapier, mit einer einfachen Bandkonstruktion verwendete. „Es geht wirklich darum, etwas hervorzurufen und Menschen in die eigene Welt einzubeziehen“, sagt Panszczyk.

Brunello Cucinelli-Kleid, 3.795 $, shop.brunellocucinelli.com. Modell: Ugochi Egonu bei APM. Besetzung: Studio Bauman. Haare und Make-up: Laura de Leon von Joe Management mit Chanel Beauty. Kameraassistent: Arthur Hunking. Assistent des Bühnenbildners: Steven Ruggiero. Visuelle Effekte: Jared Pollack bei Hudson Rose VFX. Videoschnitt: Asli Tunaman

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