„Venedig erobern“: Wie Robert Rauschenberg die Biennale schockierte

Die Biennale von Venedig hat möglicherweise viel von ihrem einzigartigen Glanz verloren, nachdem Hunderte von regelmäßigen Übersichten über neue internationale Kunst in die Liste der ersten – und für Jahrzehnte nach ihrer Gründung 1895 auch einer der wenigen – ihrer Art aufgenommen wurden. Einem Künstler kann die erfolgreiche Teilnahme an der ehrwürdigen und viel beachteten italienischen Ausstellung, die derzeit zum 60. Mal stattfindet, immer noch einen wichtigen Karriereschub verschaffen. (Es bleibt bis zum 24. November in den Giardini und Arsenale der Stadt zu sehen.) Aber niemand erwartet mehr, dass die Extravaganz die allgemeine Wahrnehmung von Kunst so dramatisch verändern wird, wie es einst der Fall war – vielleicht am bemerkenswertesten im Jahr 1964.

In diesem Jahr gewann der damals 38-jährige Robert Rauschenberg als erster amerikanischer Künstler den begehrten Großen Preis für Malerei, heute Goldener Löwe. Bei der Ankündigung brach die Hölle los. „Verrat in Venedig“, lautete die überhitzte Schlagzeile einer Zeitung.

Die beispiellose Auszeichnung für einen amerikanischen Künstler, der ein Jahrzehnt zuvor den Höhepunkt des umstrittenen Pop-Art-Genres angedeutet hatte, besiegelte einen langsamen, aber stetigen Wandel, der seit dem Ende des Zweiten Weltkriegs im Gange war: New York verdrängte Paris offiziell von der Spitzenposition der kulturellen Geschmacksmacher. Die kritische Presse in Europa, insbesondere in Frankreich, bezeichnete die Geschichte als Skandal. Sicherlich war Betrug am Werk.

Das ist ein Bezugsrahmen, der „Taking Venice“ leitet, einen holprigen neuen Dokumentarfilm der Filmemacherin und langjährigen New Yorker Kunstautorin Amei Wallach. „Taking Venice“ nimmt keine Stellung dazu, ob unredlicher Unfug die Auswahl von Rauschenberg durch die Jury befleckt hat, vermittelt aber dennoch den angemessenen Eindruck, dass der Künstler dieser Ehre problemlos gerecht wurde. (Die anderen Biennale-Preise gingen an den ungarisch-schweizerischen Bildhauer Zoltan Kemeny, den deutschen Zeichner Joseph Fassbender, den italienischen Radierer Angelo Savelli und die Bildhauer Andrea Cascella und Arnaldo Pomodoro – allesamt bestenfalls respektabel.) Allerdings steht auch die Rahmung einem ansonsten guten Bild im Weg -informierter Blick auf einen bedeutenden historischen Moment.

Verschwörungstheorien trieben die ursprüngliche „Skandal“-Story voran, aber das Manövrieren um den Preis verlief eigentlich wie gewohnt. Wenn etwas Unerwartetes und Dramatisches passiert, wie die amerikanische „Premiere“ der Biennale, ist die Aufstellung einer Verschwörungstheorie eine Möglichkeit, einem scheinbar unerklärlichen Ereignis zumindest einen Anschein von Sinn zu verleihen. Es ist eine irrationale Illusion einer rationalen Erklärung und bietet einen Schleier der Stabilität in einer auf den Kopf gestellten Welt.

Rauschenbergs Salbung war allzu viel für diejenigen, die sich einfach nicht vorstellen konnten, dass Paris – die Quelle von Picasso, Matisse, Miro, Brancusi und sogar Duchamp – auf der internationalen Kulturbühne von einem angeblich vulgären, in Texas geborenen Parvenu gestürzt wurde, der kommerzielle Bilder im Siebdruckverfahren aufdruckte von Präsident Kennedy und phallischen Raketenschiffen auf Leinwand und der berühmte Farbauftrag auf die Nase einer ausgestopften Ziege („Monogram“, 1955-59). Es lag ein Kulturverbrechen vor. Schuld musste zugeschrieben werden. Verschwörungen schossen wie Pilze aus dem Boden.

Die Geschichte dessen, was sich im Vorfeld des Preises tatsächlich abspielte, ist sicherlich kompliziert. Der Klarheit halber baut Wallach den Film geschickt auf vier Hauptakteure auf, beginnend natürlich mit „The Artist“. Ein Miniaturbild seiner künstlerischen Biografie wird angezeigt.

Dann ist da noch „The Dealer“, Leo Castelli, ein höflicher und umgänglicher italienischer Auswanderer in New York, der den Aufstieg des amerikanischen Pop, einschließlich Rauschenberg, zum kommerziellen Erfolg führte. Aufgewachsen in Triest, jenseits der Adria von Venedig, verstand er auch die europäische Faszination für den demokratischen Kapitalismus, der durch Pops Suppendosen, Hollywood-Stars und Comicstrips repräsentiert wird, während der Wiederaufbau der Nachkriegszeit auf amerikanische Handelsgüter angewiesen war. Dass die von Ileana Sonnabend, Castellis rumänischer Ex-Frau, betriebene Galerie in Paris ansässig war, schadete nicht.

„The Insider“ ist Alice Denney, eine Kunstliebhaberin aus Washington, DC, Ehefrau eines Anwalts des Außenministeriums und Freundin der Familie Kennedy. (Denney starb im November im Alter von 101 Jahren.) Zum ersten Mal beteiligte sich die Regierung der Vereinigten Staaten an der Finanzierung des privat betriebenen amerikanischen Pavillons in Venedig, wie es ausländische Regierungen immer taten. Wenn ein Schub nötig war, etwa ein militärisches Frachtflugzeug, um großformatige Kunst über den Atlantik zu transportieren, war Denney zur Stelle, um die nötigen Knöpfe zu drücken.

Schließlich war Alan Solomon der „Kommissar“, der die amerikanische Präsenz auf der Biennale organisierte. Während seiner kurzen Amtszeit als Direktor von 1962 bis 1964 hatte er das Jüdische Museum Manhattans in ein Treibhaus der Avantgarde verwandelt, unter anderem mit Einzelausstellungen von Rauschenberg und seinem ehemaligen Liebhaber Jasper Johns. Solomon, heute nicht sehr bekannt, war ein in Harvard ausgebildeter Lebemann, der für seine Gelehrsamkeit in der europäischen Geschichte der neuen Kunst bekannt war. Als er 1970 im Alter von 49 Jahren an einem Herzinfarkt starb, nur wenige Monate nach der Eröffnung seiner letzten Ausstellung „Painting in New York: 1944–1969“ im Pasadena Art Museum, war er Vorsitzender der abenteuerlichen neuen Kunst Abteilung an der UC Irvine.

Der Künstler, der Händler, der Insider, der Auftraggeber – die Komplexität der Zusammenstellung der Venedig-Präsentation wird im Film klar dargelegt. Auch vertraute Elemente des kulturellen Kontexts werden mit angemessenen Anspielungen bedacht, was zur ultimativen Aufregung beitrug.

Die Liste ist lang. Rauschenbergs umstrittenes Werk wurde als von Dada inspirierte „Anti-Kunst“ kategorisiert. Die unterstützende US-Regierung hatte wohlbekannte Propagandainteressen im Kalten Krieg. Solomons Ausstellung war zu groß für den relativ kleinen amerikanischen Pavillon, daher wurde im leeren ehemaligen US-Konsulat neben Peggy Guggenheims Palazzo-Museum am Canal Grande ein regelwidriger Anbau in Betrieb genommen, was das Gefühl der Aufdringlichkeit der Supermächte noch verstärkte. Der internationale Widerstand begrüßte die Ausweitung der US-Militärpräsenz in Indochina durch Präsident Lyndon B. Johnson, die nach der Ermordung Kennedys die weltweite Sympathie beeinträchtigte. Sam Hunter, ein einflussreicher amerikanischer Kunsthistoriker, wurde zum elften Mal in die Preisjury aufgenommen. Im legendären Teatro La Fenice in Venedig war eine Last-Minute-Aufführung rein amerikanischer Avantgarde-Tanzdarbietungen von Merce Cunningham und John Cage mit Bühnenbildern von Rauschenberg ein voller Erfolg. Und vieles mehr.

Dennoch war das alles nur das Einpacken des Dynamits. Für eine Explosion musste die Zündschnur angezündet werden. Es war Salomo, der die Streichhölzer brachte.

Die Auswahl des Hauptpreises war immer das Ergebnis obskurer Geschäfte zwischen einflussreichen Parteigängern in verrauchten Hinterzimmern, aber Solomon zog eine aggressive öffentliche Linie in den Sand. Während die festgefahrene Jury privat beriet, hielt er eine Pressekonferenz ab und verteilte eine offizielle Erklärung. Das Blatt mit der Überschrift „Amerikaner in Venedig“ war ganz in Großbuchstaben gedruckt und zeigte ein Touristenfoto der alten Rialtobrücke, die den Canal Grande überspannt, neben einem dreistufigen Gemälde einer amerikanischen Flagge von Johns.

Für den Fall, dass die bildliche Geschichte der Überschreitung eines Rubikons nicht ausreichte, heißt es in dem unverblümten Text: „Die Tatsache, dass sich das Weltkunstzentrum von Paris nach New York verlagert hat, wird überall anerkannt.“ Solomon deutete an, dass Venedigs gefeierte Biennale Gefahr lief, irrelevant zu werden.

Rauschenbergs endgültige Auswahl gab sicherlich jedem Anlass zum Reden – und das taten sie oft lautstark. (Die Wahl säte „die Saat eines neuen Faschismus“, so eine besonders ausgefallene Rezension.) Der Künstler selbst war glücklich, aber besorgt und beschloss bald, alle Siebdrucke zu zerstören, die er für die Anfertigung seiner ausgestellten Gemälde verwendet hatte, damit er Ich wiederhole mich nicht. Rückblickend beobachtete er den neuen beruflichen Druck: „Es gab Momente, in denen ich dachte, es wäre viel besser gelaufen, wenn ich nicht so viel Glück gehabt hätte.“

Aber eine Verschwörung? Trotz der nervigen Musikpartitur des Films (von CheeWei Tay), die wild pulsiert, als wäre es ein B-Movie-Melodram, ist das nirgendwo zu finden. Die Kuhhandelsabstimmung fühlt sich eher wie die Norm an, was interessant genug ist. Dank des heutigen Internets und der sozialen Medien sind Verschwörungstheorien zu einer Epidemie geworden, da die Massen nun das gleiche fantastische Flüstern eines manipulierten Spiels hören können massenhaft. (Für Einzelheiten: Google „6. Januar 2021“.) Sechzig Jahre später lässt ihre Allgegenwart „Taking Venice“ eher urig erscheinen.

Ein Großteil des sachlichen Gerüsts der Geschichte wurde eindeutig von „The Great Migrator: Robert Rauschenberg and the Global Rise of American Art“ geliefert, dem von der Kritik gefeierten Buch aus dem Jahr 2010 der Kunsthistorikerin Hiroko Ikegami. (Sie erscheint im Film, um willkommene erzählerische Details zu bieten.) Manchmal weicht die Geschichte in lange, aber unnötige Nebenbemerkungen ab, einschließlich inszenierter Nachbildungen der leicht komischen Schwierigkeit, (falsche) Rauschenberg-Gemälde auf Wassertaxis zu bewegen, oder Sonnabends Händlerabenteuer in Paris und die Ausstellungen im American Pavilion in den Jahren 2017, 2019 und 2022. Mit 98 Minuten ist „Taking Venice“ eine halbe Stunde zu lang.

Dennoch ist die darin eingebettete Geschichte wichtig. Es kam zu einem historischen Wandel. Der Bericht ist gut erzählt und wissenswert, auch ohne verschwörerisches Gemurmel.

Eine Vorschau auf den Film ist für Donnerstag im UCLA Hammer Museum geplant, gefolgt von einer Frage-und-Antwort-Runde mit dem Regisseur. Wallach wird das Gleiche am Freitag- und Samstagabend im Laemmle Royal in West LA tun, wo der Film eine Woche lang läuft.