Unverwechselbare Stile und Themen kennzeichnen das Rennen um animierte Kurzfilme

Auch wenn sie die Erfahrungen von Kindern in den Mittelpunkt stellen, sind die fünf für den Animationskurz-Oscar nominierten Filme eindeutig für Erwachsene gedacht. In diesen emotional komplexen und visuell unverwechselbaren Kurzfilmen kommen dem Trauma des Krieges, dem Lohn politischer Unterdrückung und der Angst vor dem Tod alle ihre gebührende Bedeutung zu.

„Brief an ein Schwein“

In Tal Kantors „Brief an ein Schwein“ aus Frankreich und Israel besucht ein älterer Holocaust-Überlebender eine Klasse von Teenagern und erzählt die unwahrscheinliche Geschichte eines Schweins, das ihm das Leben gerettet hat. Sein Trauma hallt auf unvorhersehbare Weise außerhalb des Klassenzimmers wider und führt dazu, dass ein junges Mädchen einen unvergesslichen Traum hat. Die Mischung aus Historie und Surrealem im Film entspringt den eigenen Kindheitserinnerungen des Regisseurs.

„Es war mir wichtig, die Schichten und Komplexität der menschlichen Seele zu zeigen, wenn ich mich mit einem so tiefgreifenden Thema auseinandersetze“, sagt Kantor. „So vermischt die filmische und visuelle Sprache des Films stets realistische Elemente mit der schwer fassbaren und surrealen Welt der Erinnerung und Vorstellungskraft und gewährt Einblicke in die Tiefen der menschlichen Natur.“

‘Der Krieg ist vorbei! Inspiriert von der Musik von John & Yoko

In Anlehnung an John Lennons und Yoko Onos Protesthymne „Happy Xmas (War Is Over)“ aus dem Jahr 1971, die zum Feiertagsstandard wurde, spielt Pixar-Absolvent Dave Mullins in seinem 11-minütigen Kurzfilm in einer alternativen Realität des Ersten Weltkriegs, in der eine Schachpartie stattfindet mit Hilfe einer Brieftaube über die feindlichen Linien gespielt.

Die Idee entstand bei Johns und Yokos Sohn Sean und seinen Versuchen, die Friedensbotschaft seiner Eltern einer neuen Generation wieder näher zu bringen. Eine zufällige Begegnung mit Mullins führte zu einem erzählerischen Durchbruch und führte dazu, dass das Konzept weit über ein Musikvideo hinausging.

Laut Produzent Brad Booker „war es für das Publikum von entscheidender Bedeutung, sich mit den Soldaten auf beiden Seiten zu identifizieren und sie zu der Aussage zu bewegen: ‚Das könnte ich sein.‘“ Am Ende des Films wollten wir den Übergang von einer „Wir gegen sie“-Denkweise zu einem kollektiven „Wir“ schaffen.“

„Pachyderme“ nutzt poetisches Geschichtenerzählen und eine sich entwickelnde Farbpalette, um den abwechselnd süßen und eindringlichen Besuch eines 9-jährigen Mädchens bei ihren Großeltern auf dem Land darzustellen.

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‘Dickhäuter’

In dem ruhigen, aber Gänsehaut erzeugenden „Pachyderme“ schildert die französische Regisseurin Stéphanie Clément mit poetischer Erzählung und einer sich entwickelnden Farbpalette den abwechselnd süßen und eindringlichen Besuch eines 9-jährigen Mädchens bei ihren Großeltern auf dem Land. Es ist eine melancholische, unaufdringliche Coming-of-Age-Geschichte voller Sinneserinnerungen.

Die Wahl der Komposition und des Bildausschnitts des Regisseurs verleiht jedem Bild ein Gefühl der Unruhe, das jedes Gefühl von Nostalgie erschwert. Clément sagt: „Der Himmel zum Beispiel ist im Film so gut wie nicht vorhanden. Wenn der Himmel vorhanden ist, wird er durch ein Element – ​​das Haus der Großeltern, einen Baum usw. – verdeckt, um den Mangel an Fluchtmöglichkeit der Figur hervorzurufen.“

Cléments Vision ist auch ortsspezifisch. „Der Süden Frankreichs ist die Quelle der lebendigen Farben des Films: das Gelb des trockenen Grases, das Türkis des Wassers, das Dunkelgrün der Zypressen und das Orangerot der …“ Tometten, die kleinen Terrakottafliesen, die typisch für provenzalische Häuser sind. Aber die Palette entwickelt sich nach und nach, je mehr sich die Erzählerin ihrer eigenen Geschichte bewusst wird, und endet mit einer blassen, erdigen Note.“

„Our Uniform“ befasst sich mit den Schichten des Hijab und der Art und Weise, wie eine Kleiderordnung die Selbstdarstellung sowohl ermöglicht als auch verhindert.

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„Unsere Uniform“

Im visuell markantesten Kurzfilm der diesjährigen Kohorte näht Regisseurin Yegane Moghaddam ihre Erinnerungen an die Schulzeit im Iran in den Stoff einer Schuluniform. Mit einem spielerischen, abschweifenden Stil betrachtet Moghaddam die Schichten des Hijab und die Art und Weise, wie eine Kleiderordnung Selbstdarstellung ermöglicht und verhindert.

Laut Moghaddam „wurden die Bilder mit Hilfe eines Computers auf dem Stoff zusammengesetzt“, und der Prozess fühlte sich nicht einschränkend an. „Stattdessen konnte ich durch die Kombination von Bild und Stoff viele visuelle Möglichkeiten entdecken.“

„Ich habe mich für die Arbeit mit Stoffen entschieden, weil ich Stil und Thema verbinden wollte“, fügt Moghaddam hinzu. „Ich glaube, dass die Verbindung zwischen Medium und Geschichtenerzählen dazu beiträgt, einfacher mit dem Publikum zu kommunizieren. Je mehr Sie Ihr Medium auf Ihre Geschichte ausrichten, desto kohärenter wird das Endstück sein.“

Während sich ein zum Tode verurteilter Häftling von seinen Sinnen verabschiedet, untersucht „Ninety-Five Sense“ eine Reihe gewichtiger existenzieller Fragen.

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„Fünfundneunzig Sinne“

Unter der Regie von Jared und Jerusha Hess („Napoleon Dynamite“) und mit der Stimme von Tim Blake Nelson bietet „Ninety-Five Senses“ eine Ode an den menschlichen Körper aus der Perspektive eines Todestraktinsassen. Während sich der Protagonist von seinen Sinnen verabschiedet, geht der Film einer Reihe gewichtiger existenzieller Fragen nach.

Laut Produzent Miles Romney hatte „MAST, unser gemeinnütziger Accelerator, sechs Animatoren mit unverwechselbaren Stilen, Gewinner eines weltweiten Animationswettbewerbs.“ Der Zweck des Films bestand darin, jeden Stil hervorzuheben und sie gleichzeitig fließend miteinander zu verknüpfen, nicht in einer visuellen Präsentation, sondern in einer Geschichte.“

Die Drehbuchautoren Chris Bowman und Hubbel Palmer stellten sich dieser Herausforderung, sagt Romney, und „gaben den Regisseuren und unseren Animatoren ein unglaubliches Spektrum an emotionalen Farben, mit denen sie arbeiten konnten.“

Romney fügt hinzu, dass der Film ohne Nelson in der Hauptrolle nicht funktionieren würde. „In unserer Figur Coy haben wir einen volkstümlichen Philosophen, jemanden, der sich in sehr kurzer Zeit zwischen Nostalgie, Bedauern, Wehmut, Hoffnung und Resignation bewegt. Es schreit nach einem Schauspieler mit emotionalem und philosophischem Tiefgang, dessen Darbietung zugleich nahbar und unverkennbar echt ist. Wer sonst als Tim Blake Nelson?“